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「創作」とは「意味」を創り出すことだと思うのです



芸術の創作においては、作者の『創りたい』と言う「衝動」以外の余計なものが、なるべく入らない方がいいと思うわけです。

つまり、無目的であることと言うか、無意味であることと言うか、無作為であることというか、そういった、「無」から始めることがいいように思うわけです。

そこに目的や意味があると、どうしてもそのために純粋性が失われてしまうように思われるわけです。


もちろん、目的を持って創られる「芸術」もあっていいのでしょうが、あくまで、私が考える「芸術の中心」にあるものについての話です。

その目的や意味というのは、どんなことを言っているのかといえば、わかり易いことで言えば、『売れそうな作品を作ろうとする』とか、『人に褒められるようなものを創ろう』とか、というようなことですね。

はじめの段階では、そういう「意図」を含まない、「衝動」があった方がいいように思うわけです。
やはり、そこは単純に「創りたい」であるのがいいように思うわけですね。


ここで、この「無」から始めることと、作品自体が「無」であることは違うと思うわけです。
つまり、作品自体が「無意味」や「無目的」、「無作為」である必要はないということです。


制作を始めるにあたって、「目的」や「意味」を”想定してしまう”ことと、作品に「意味」を”与える”ことは、全く違うことだと思うわけなのです。

と言うよりは、「無」から始めて制作していく過程で、そこに「意味」を創り出していくことこそが「創作」と言う作業なのだと、私は思うわけなのです。


また、そこに「意味」を創り出すことこそが、「芸術の創作」であるからこそ、当然、はじめの段階では「意味」が無い方がイイのだと思うわけです。

「意味」があっては「ダメだ」とは言いませんが、「無」から始めることで、「創造の領域」を広く取ることが出来るということだと思います。


だから、「無」から始めて「無」に着地している芸術作品と言うのは、「創造なき芸術」だと思うわけです。
だから、『意味なんかないですねぇ~』と言うのは、トンチンカンだと思うのです。


でも、それも『ダメだ』とは思いません、
ただ、私はそれを「芸術の中心」から遠い所に”ピン止め”するということです。


どうしても、「無意味」・「無目的」と言うと、短j楽的なものと思われがちですけれど、それは「意味」を創り出すための「無意味」であり、新たな「目的地点」を開拓するための「無目的」なわけです。


世の中に既存のものと言うのは、すべからく「意味」を持っていますから、敢えて、そこに一旦「無意味」を設定する必要があるということに成るわけです。


そして、そこからどこまで充実した「意味」を創出できるかが、その作品の真価であるのだと、私は思っているというわけなのです。


だから、作品について問われたら、『意味はあります』ということが出来るように、「意味」のあるものを創っていきたいものだなと。
否、「意味」そのものを創り出していけたらなと。


そのように思っております。

『なかなかできないですけどね』




そこに「意味」を創り出すこと



私は「芸術」において成すべきことは、「意味」を創り出すことだと思っているわけです。
つまり、もともと「意味」のないところに、「意味」が創り出せたら『イイんじゃない』のかなと思っているわけです。


これは必ずしも「芸術」に限ったことではなくて、ほかの色々なことにも当てはまることなのだと思っております。


たとえば、経済活動には、「需要と供給の関係」と言う原則があるわけです。
つまり、初めから「需要」という「意味」があれば、そこに物を「供給」すれば儲かるわけです。
経済活動としてみた場合は、これで十分に成り立っているわけですし、均衡の取れた関係なのだと思います。


しかし、”よりイイ”か?というと、そうでもないようにも思うのです。


たとえば、砂漠の真ん中で、水も移動手段もなくて困っている人のところに、水を持っていって売れば、確実に儲かるでしょうし、それで、水を買った人たちも死なずに済むわけです。


ややアコギな商売ではあっても、命の値段だと思えば、高くはないのかもしれません。
そういう意味では均衡は保たれているともいえるでしょう。


でも、これでは、そこにあった「需要」=「意味」を利用して、そこに、物を「供給」しただけで、「意味」を創り出しているとは言えないわけです。

だから、”よりイイ”とは言えないと思うのです。
それで、人の心にわだかまりのようなものが生じるのだと思うわけです。


でも、そこで、とてもおいしい飲み物を無料で振る舞えば、その企業のイメージはグンと良くなるでしょうし、その商品の格好の宣伝にもなるでしょう。
そして、その商品が継続的に売れるようになれば、やはり結果的には儲かるでしょう。


今では、こういったことはどんな企業でも、よくやっているのだと思います。


ただ、現在行われているこうした企業活動は、常に、先回りして利益が計算されてしまう場合が多く、そうした損益の算段をすることなく、こうした活動をすることは、愚かなことだということになってしまっていると思うのです。

でも、それだとせっかく「意味」を創り出しているのに、また、元の形に戻ってしまっているわけです。

つまり、利益のありそうなところに、物を持って行って売るという形に戻ってしまっているわけです。
そこに、もう一つ工程が追加されただけです。

『のどが渇いている人のところに、水を持っていって差し出せば買うだろう』というのと、『そこで、飲み物を配れば後々儲かるだろう』というのが、ほぼ同じことになってしまっているわけですね)。


現状の経済というのは、こうした形でしか機能できないようになってしまっているわけですが、この「先回りして利益を計算すること」というのが、「意味」を生み出せなくなる最大の理由だと思うのです。


これは、もう一度、話を「芸術」に戻すとわかりやすいと思います。


「芸術」で利益を計算した作品に、人が惹きつけられるでしょうか?

前もって、流行るかどうか、売れるかどうか、コストパフォーマンスはいいか、と計算された作品と、純粋な「衝動」で生み出された作品のどちらに、人は惹きつけられるのでしょうか?

『そんなのは世間知らずの言うことだ』と言われればそうなのかもしれません。

でも、そう言う「世間知らず」な部分が、少し無くなり過ぎていることも確かなんじゃないのかと思うわけです。

昔の職人さんなどには、私など足元にも及ばないほどの「世間知らず」な人がいたような気もするのです。
そして、人の心を惹きつけるような魅力を持った品物というのは、決まってそういう人たちが創り出してきたわけです。

そして、その人たちも、なんとか生きて行ける世の中だったということです。


今となっては、もう、企業がそういう「損得抜き」「計算なし」で、「意味」のあるものを、創り出してくれるということには、だれも期待しなくなってしまいました。

だから、経済がインフレとデフレを繰り返しているのだと思います。

一言でいえば、景気が良くなれば高いもののほうが売れるし、景気が悪くなれば安いものしか売れなくなります。
つまり、物の「質」=「意味」で値段が決まるのではなく、すべてが景気で左右されてしまうわけです。


企業活動において、「意味」を創り出すことに「価値」が見い出されるようになれば、きっと、もう少し安定して、一般庶民が「ゆとり」を実感できるようになると思います。


そしてもちろん、「芸術」においても「意味」が問われるようになればいいんじゃないかなと。


そういうことを思っているわけです。




「時代の芸術」



「古典」から何かを受け継ぐことや、それをさらに「継承」していくことは、とても重要なことだと思っているわけです。


現在においても、「古典芸術」やそのスタイルを「踏襲」している人や、それを愛好している人は沢山居るわけですが、この「踏襲」と「継承」の違いが大きいように思うのです。

私は、「芸術」においては、そこに「意味」を創り出すことが不可欠の要素だと思っているわけです。

「何の意味もないもの」を創作して、それを「芸術」と言ってはいけないのではないかと思っているわけです。
(とは言っても「何の意味もないもの」を創るのは不可能だとも思いますが)


要するに、「ただ単にキレイ」とか「ただ単にオモシロイ」とかですね。

そこにも「意味」はあると思いますが、それは、ただ単に、そこにある「意味」であって、作者によって創り出された「意味」ではないように思うわけです。


そして、その作者による「四苦八苦」・「悪戦苦闘」・「七転び八起き」等々があって、ようやく、そこに創り出された「意味」に、人が心を動かされるのだと思っているわけです。


『それって、精神論なんじゃないの?』と言われてしまいそうですが、確かに、その通りなのかもしれません。
でも、私は「芸術」そのものが「精神的な世界」だと思っていますから、それは当たり前だと思っているわけです。


そこで、「意味」のあるものを作るという前提で考えるわけですが、すでに出来上がってしまっている「古典」を「踏襲」することでは、そこに「意味」を作り出すことが出来る領域は極めて少なくなってしまうわけなのです。

これは「古典」に限ったことでもありませんけど、既に完成されたものの中で、作者が「意味」を創作することは極めて困難なことなわけです。

まぁ、既に出来ていますから「四苦八苦」する必要が無いということかと思います。
(困難じゃないから困難になるという、ややこしいことになりますが)


そこで、「技術」で人を納得させることを「芸術」と言ってはいけないように思うのです。
それは、あくまで「技術」であって「芸術」ではないわけですから。


「技術」を見せつけられれば、人は納得しますし感心してくれるわけです。
しかし、その「感心」と「感動」を、作者が意図的にすり替えてはいけないと思うわけです。


「技術」を習得するのにも、それなりの努力は必要だとは思いますけれど、それは、「芸術」において特別なことではなく、他のどんな分野においても同じことなわけです。

どんな分野でも「技術」や「熟練」はひとを「感心」させはしますが、「感動」させるとは限りません。
人を「感動」させるのは、やはり「技術ではない芸術」だと思います。


どんなものでも、「芸術」に成り得ると思います。
でも、どんなものでも「芸術」だとは思いません。

つまり、「技術ではない芸術」に踏み込めば、どんなものでも「芸術」に成ります。
そこに踏み込んでいなければ、それは「芸術ではない技術」です。


「古典」や「歴史」は「継承」されてこそ、「意味」を持つものだと思います。
そして、それを「継承」することから、新たな「意味」が創作されるのだと思っているわけです。

「継承」することとは、それを理解して、さらに自分の中で再構成してから現すことだと思っています。


それから、どんなスタイルも、その時代にあってこそ「意味」を持つのだと思います。
「古典」の鑑賞者は、「古典の時代」に連れていかれて、「古典の時代」の中で「感動」するのだと思います。

「現代芸術」の鑑賞者は、「今の時代」に居てそのまま「感動」しているわけです。
どちらを選ぶかは、単に好みの問題でしょう。


「今の時代」に居て、「古典」を鑑賞することから生まれるのは「ノスタルジー」です。
それは「感動」ではなく「郷愁」や「感傷」です。

「古典」で「感動」するためには、鑑賞者の側から、「その作品の時代」へ行かなければなりません。
それでなければ、「郷愁」や「感傷」は得られても、「感動」は得られないと思います。

それも、「芸術鑑賞」の一つの形ではあるでしょうが、それを「現在形の芸術」と同列に並べるのは、問題があると思います。

もちろん、そういう鑑賞が悪いということではありません。
そこのところが、区別できているならば、何の問題もないのだと思います。
ただ、そういう「小さなズレ」から、「芸術」が本来の姿を失いつつあるというのが、現在の状況なのだと思うわけです。


ですから、創作者は、後の世代の鑑賞者を「今の時代」に連れてこられるような作品を作る必要があるわけです。
そして、それには、「現在形の意味」を創り出す必要があると思うわけです。

要するに、それが普遍性だと思うのです。

それでなければ、即時的、刹那的なものにとどまってしまうわけです。
それでは、後世の人を「今の時代」=「その作品が作られた時代」に連れてくることは出来ません。

そういうものは「今しか通用しない」でしょう。


そこで、やはり「今の時代」にあってこその「意味」を作り出さないとならないんじゃないのかなと。


そんな考えを持っているわけです。



「ことば」に実体を与えること



「ことば」と言うのは「論理」や「思考」をあらわす手段なわけです。
その「論理」や「思考」には「意味」があります。
しかし、それは実体を持っているとは限らないと思うのです。


「論理」や「思考」には、「意味」がありますから、それが実体を持つような気がしてしまうわけですけれど、その「論理」や「思考」が実体を持つには、それを物質化することが必要であると思うのです。


要するに、家に住むには、家の設計図と言う「ことば」を、実際に家を建てて物質化しなければならないわけです。
つまり、「ことば」だけでは、それを説明してはいても、実体がないわけです。


「ことば」と言うのは「論理」や「思考」の表面を覆って形を成している膜のようなものだと思うのです。
だから、「ことば」だけで構成された「理論」は、とても脆いものだと思うわけです。

これは、「ことば」に限らず、すべての「記号化された表現」に当てはまることだと思います。
つまり、記号による表現は、「意味」を持ちますし、それはわかり易い表現ではありますが、そこには、まだ、実体がないわけです。


これは、逆も言えていて、「記号化」されたものは、なんでも、その実体を失います。

物質的な実体を持ったものであっても、ひとたび「記号化」されてしまうと、場合によっては、その物質としての実体が失われて、「記号」としての説明的な役割に転換されてしまうということもあるわけです。

 ※例えば、標識や信号などは、間違いなく「物質」ではありますが、「実体を
  持った物質としての性質」よりも、「記号=ことばとしての性質」の方が強い
  ということですね。

だから、「ことば」や「記号」による表現と言うのは、針の先でつついただけで消えてなくなってしまうような脆さがあるわけです。


そこに実体を与える作業が「意味」を創り出すという作業であると思っているわけです。


「ことば」だけでも、そこに「意味」はありますが、それはまだ「設計図」ですから、実体を持ちません。
それを物質化して、はじめて、実体と成るわけです。


そして、その「意味の創作」と「実体化」を、両方一人の人間がやったとき、それを「芸術」と言うのだと思っています。


「意味」だけだと「論理」です。

「実体化」だけだと「技術」です。

両方で「芸術」かなと。


そんな風に思っています。




「意味の塊(カタマリ)」を創り出したいのです



私は、「創作」に当たって、いつも「意味を創り出すこと」を考えているわけです。
それで、その「意味」って何なんだ?ということです。


例えば、「花の絵」を描くときに、「その花」を、そのまま写し取ろうとすれば、「その花の美しさ」自体が、「その絵の意味」に成るんだと思います。


でも、そこで、「本物の花」よりも「もっと美しく」描こうとしたり、「もっと力強く」描こうとしたりする場合、「その絵の意味」は「その花の美しさ」だけではなくなってくるんだと思うわけです。

つまり、そこに「新たな意味」が創り出されたということに成るわけですね。


こう言うと、「写実」には「意味」がないという話に聞こえてしまうかもしれませんが、決してそういうことではなく、「写実」にも「意味を創り出す領域」はあると思いますが、その範囲が限定されるということでしょう。

逆に言えば、出来るだけ「モノの形」や「モノの色」に頼らなければ、その分、「意味を創り出す領域」が広くなるということではあると考えています。


そして、この「意味を創り出す領域」を広げることこそが、私の考えている「抽象芸術の目的」でもあるわけです。

つまり、出来るだけ「何もない状態」に近い所から「意味を創り出すこと」が出来れば、それが一番ウレシイということですね。


「現在の芸術」という分野は、「自己表現」のためにあるのだと思うわけです。

そして、「自己表現」のためには、「如何なる意味を創り出すのか?」ということが、大きな割合を占めるようになるんだと思っているわけです。


要するに「その花の絵」の中の、「その花」の部分よりも「その絵」の部分の方に、「自己表現」としての性質が強く現れて来るということでしょう。


そういう「意味」をコテコテに固めたような、「意味の塊(カタマリ)」を創り出したいわけなのです。


それができれば、それを人に評価されなくても、十分満足できるような気がしていますし、それさえやりきることが出来れば、心残りはないと思っています。


だから、何度失敗しても、”ヘン”な絵が出来上がって来てしまっても、また、コテコテと「意味」を塗りこめて、「意味の塊」を創り出そうとしているわけですね。


そう思っていると「上手く描こう」なんてことは、遠くの方にあることのように感じられます。


「自己表現」であればあるほど、他人からは理解されにくいのかも知れませんが、それを塗り固めていって「塊」にすれば、きっと、『なんか言いたかったんだな』っていうことぐらいは、伝わるんじゃないかなと。


そんな風に思っているわけです。




「理由」と「意味」



「抽象画」を描いていたりすると、人から『この絵は何を現しているのか?』と聞かれることがあるわけですね。

でも、なかなか、それを言葉で言い表すことが出来ないんですよね。


そして、そういうときに感じるのは、そういうことを聞く人が求めているのは、たぶん、「その絵の理由」なんじゃないか?ということなんですね。


「具象画」だったら、『〇〇の美しさに感動したから、その美しさを現したくて〇〇の絵を描きました』と言うことが出来るんだと思います。
つまり、「その絵の理由」が、ある程度までは、言葉で言い現せるわけですね。


ところが「抽象画」の場合は、その「〇〇の絵」の「〇〇」に当たる部分が無いわけですね。
もともと無かった「ナニカ」を創り出して、それを現すのが「抽象」だと思っていますから、その「ナニカ」には「名前」が無いということですね。


それで、『その絵の「理由」』を聞かれたときに、答えられることと言えば、『こういう絵が描きたかったから』というような、どうしようもない言葉しか思いつかないので、いつも、結果的には、何も答えられなくなってしまうわけなのです。


「抽象表現」に置いては、「理由」ではなく「意味」を伝えたいなと考えるわけですね。
(これは、本当は「具象表現」に置いても同じことなんだと思っています)


つまり、「その絵がそのように描かれた理由」ではなくて、「その絵がそこに存在している意味」ですね。


たとえば、「インテリア」として存在している絵もありますし、「説明図」として存在している絵もあります。
そして、「芸術」としてそこに存在している絵もあるというようなことですね。


完全に純粋に「芸術」である「絵」は無いでしょうし、「インテリア」としての「絵」にも「芸術性」はありますから、すべての「芸術」が、そういったものの間のどこかに位置しているわけでしょうが、そういう「その作品の存在している位置」とでもいうようなことが、「「その作品の意味」に成るんだと思うわけです。

そして、そういう「その作品の意味」を中心に見ていくと、その作品の「真の姿」が、見えて来るんじゃないかと思うんですね。


これは、「芸術」に限ったことでもないと思いますけど、「理由」よりも「意味」の方を重視していったほうが、その事柄の本質的な部分が見えやすいということは多いような気がします。

「理由」を追究することにも、十分に価値はありますが、ダイレクトに「意味」を考えることにも、それと同じくらい大きな価値があると思っています。


そういうことが「抽象」の「意味」でもあり、「理由」でもあるんじゃないかなと。

そういう風に思っているわけです。




「意味」と「価値」



「意味」と「価値」の二つを、日ごろ、同じように使っていることが多いような気がするわけです。


たとえば、『そういうのって、「意味」ないですよね』と言うのと、『そういうのって、何の「価値」もないですよね』と言うのが、ほとんど同じことに成ってしまっているわけです。


でも、実は「意味」と「価値」は、けっこう大事なところが違うような気もするんですね。
そして、その「意味」の方が「芸術」に深く関係していると、私は思っているわけなのです。

まぁ、「価値」の方は『そうでもない』ということですね。


要するに、「価値」には利益的な性格があるんだと思います。
それに対して、「意味」は非利益的という印象があるわけですね。

とは言っても、「意味」にも利益的な面がないわけではありませんから、「利益」と「非利益」の比率のチガイと言うことなんだと思います。

つまり、「価値」は利益重視で、「意味」は利益軽視な感があるということです。


たとえば、「食べ物」と「芸術」や「音楽」を比べた場合、「価値」は「食べ物」の方が高くなるでしょうが、「意味」においては対等だったり、「芸術」や「音楽」の方が上回っていたりするということに成るわけです。


人間は、「芸術」や「音楽」が与えられない場合でも、嫌いな「食べ物」ですら生きのびられますが、「食べ物」が与えられない場合は、好きな「芸術」や「音楽」でも生きのびられません。

嫌いな「芸術」や「音楽」では、命が縮まるかもしれません。
つまり、それだけ、「食べ物」は利益的で、「芸術」や「音楽」は非利益的だということですね。

「食べ物」の「価値」は絶対的ですが、「芸術」や「音楽」の「価値」はそれに比べれば大したことがないということです。


それなら、「芸術」や「音楽」なんてどうでもいいのか?と言うことに成りますが、そこで「意味」が出てくるわけです。


「価値」においては低くなりますが、「意味」においては高く成ることもあるだろうということですね。

生きるだけなら、「価値」だけで十分でしょうが、もしも、生きているだけで他にはなにもないということなら、そこに生きている「意味」がありません。

やはり、「食べて・寝て・死んでいくだけ」だったら、「意味」があるとは言えないでしょう。
そこで、「幸福」とか「喜び」とか言う人間にとって必要不可欠のものになりつつある心の状態が、求められるように成るわけです。

つまり、「意味」と言うのは、「価値」の中でとくに、人間の「心の豊かさ」や「知性」や「感性」などを満たしてくれるものと言うことなんだと思います。


それで、「芸術」との関係が深く成るんだと思います。


そんなわけですから、「芸術」においては「価値」よりも「意味」を創り出していきたいもんだなと。

そんな風に思うわけです。


「売れるモノ」には「価値」がありますが、「意味」においては「売れるモノ」の方が「売れないモノ」よりも高いとは限りませんし、「売れないモノ」の方に「意味」があることもあるわけです。


そういう「意味性」が強いモノを創り出せたらいいんじゃないかなと。

そんな風にも思うわけなのです。




「初めてやった人」は本当にエライのか?



「芸術」においてもよく言われることですけど、『初めてやった人はエライ!』というのは本当なんでしょうか?


たとえば、「ライト兄弟」は飛行機を初めて作ったと言われていますが、ハッキリ言って、あんなモノまったく役に立ちませんよね。
地上スレスレのところを”カスカス”な感じで、『やっとこさ数百メートル飛びました』なんてものは、実用的とは言えないと思います。

そういう、実用的な「価値」と言うことから言えば、その後「使える飛行機」を作った人たちの方が、遥かに貢献度が高いような気もします。

実際、もしも、今だに「ライト兄弟の飛行機」しか無かったら、誰も乗りたがらないでしょうし、それ以前に危険です。


だとすれば、けっきょく、

『人間って、頑張れば宙に浮くこともできるんだよ!』

「へぇ~ ・・・・・・だから?」

と言うだけのことに成ってしまうような気がします。


それでも、やっぱり「ライト兄弟」はエライのか?

『もちろん、エライ!』ですよね。


でも、それは「初めてやったから」なんでしょうか?
それとも、「飛行機」に、その後の「価値」が生みだされたからなんでしょうか?

そういう「価値」の高いものが生みだされるきっかけを作ったという意味でエライのか、それとも、「初めてやったこと」自体がエライのか。

どっちなんでしょうね?
『両方でしょ』っていうのが、一番ブナンな答えなんでしょうね。

でも、「芸術の場」では、たいてい『初めてやったことに価値があるんだ!』と言われますよね。


まぁ、それはわかりますけど、そうだとすると、「どうしようもないクズみたいなこと」でも『初めてやればエライんだ!』と言うことに成ってしまうわけです。

そうなると、その時点で、最初の問いに戻ってしまうわけなのです。


『初めてやった人はエライ!』と言うのは本当なんでしょうか?
というところに戻ってしますんですねぇ。


これは、おそらく「意味」と「価値」のチガイだと思うんですね。


「ライト兄弟」が生み出したのは「意味」です。
まだ、「価値」と呼べるものはありません。

そして、飛行機が実用化されたことで「価値」が生まれたわけです。
その「価値」によって「ライト兄弟」が生み出した「意味」が注目されるようになります。

それで『ライト兄弟はエライ!』と言われることに成るわけですよね。


でも、「ライト兄弟」が生み出したのは「意味」だけで、「価値」とは言えないわけです。
(「意味」も一つの「価値」ではありますが、「価値」としては低いということですね)

「意味」と言うことに限って言うと、「クズみたいなもの」でも「初めてやったこと」には「意味」があると思います。
世の中になかったものを創り出したという「意味」においては、「クズ」と「飛行機」ですら、大差がないということです。
(使えないままならば、「飛行機」も「ワン・カインド・オブ・クズ」だったのかも知れないし)


そして、どんなものであれ、そこに「価値」が生まれれば、はじめに「その意味」を創り出した人が『エライ!』と言われます。


でも、本当のことを言うと、「意味」が持っている「価値」は「その後生み出された価値」ではないと思うわけです。


もちろん、「初めてやったこと」にも「意味」はあるでしょうが、それが「純粋な気持ちから生み出された」と言うことが、一番大きな「意味の価値」だと思うわけです。


つまり、『空飛べる道具作ったら、きっと儲かるでぇ』と言うんじゃなくて、ただただ『空を飛んでみたい』という「純粋な気持ち」で飛行機を作ったから、そこで「意味性」が高く成るんだと思います。

『~きっと儲かるでぇ』は「価値」の方は高くても「意味」は薄くなるでしょうね。
はじめの段階で、求めているのが「価値」ですからね。


これは、「芸術」においても同じことが言えて、やっぱり「純粋な気持ち」から、やってこその「意味」であり、『初めてやった人はエライ!』なんだと思います。


そういうわけで、

『初めてやった人はチョット・エライ!』

でも、

『純粋な気持ちで、初めてやった人はモウチョット・エライ!!』

それ以上に言えることは、

『アンタあんまりエラク成っちゃダメョ』ということかなと。


そんな風に思います。



「動物にとっての価値」と「人間にとっての価値」



「価値」なんてことを考えるのは人間だけなのかも知れませんけど、それでも、やっぱり動物には「動物の価値観」があって、人間には「人間の価値観」があるように思うわけです。


もちろん、「うさぎの価値観」は、うさぎにしかわからないでしょうし、「カメの価値観」は、カメにしかわからないんでしょうが、想像することぐらいは出来ますから、想像してみるわけです。


「動物にとっての価値」では、「生存すること」や「繁殖すること」が重要になるんだと思います。

これは「人間にとっての価値」でも同じことだと思います。


違うのは、「動物にとっての価値」においては、「生存」や「繁殖」が常に「最重要」であって、ほぼ全てにおいて、優先するのに対して、「人間にとっての価値」においては、わりと頻繁に「生存」や「繁殖」が二の次になることがあるというところでしょう。

とは言え、やっぱり人間にとっても「生存」や「繁殖」は重要ですから、そこに「価値」を置いていることが多いわけですが、その他のことに「価値」を見いだせないということが、どうも人間的じゃないように見えてしまうわけですねぇ。


「生きることにどん欲なこと」は、「活力」と言い換えることもできるでしょうし、「恋愛やSEXにどん欲なこと」も、ほぼそれと同じことだと思います。

それ自体は、悪いことではないと思いますが、その他のことに「価値」を見いだせないとなると、急激に、『動物的だよね』と言う印象が強く成ってしまいますね。


そういう時の「その他のこと」を「文化」と呼ぶんだと思うわけです。


「動物の価値」よりも「人間の価値」の方が「価値」が高いとは思いませんし、「文化的なこと」も「人間的なこと」も、ひとつも「エライこと」だとは思いませんが、あらゆることに置いて「本質に近いモノ」は美しいと思いますし、「本質を外したモノ」は美しくないと思います。

だから、やっぱり「人間」は「人間の価値」を持っていたほうが、チョットだけマシになれるような気がします。


チョット・マシなだけでエラクないのは、エラク成ったら、やっぱり美しくなく成ってしまうからですね。


もしかすると「美しいこと」っていうのが、典型的な「人間の価値」なのかも知れませんね。


美しさのかけらもない状態で(まぁ、要するに「醜い状態」ですけど)、平然としていられるように成ったら、その人は、もう「人間」とは言えない「別の生き物」になってしまうような気がします。


まぁ、これも「人間」だからエライわけでも、「別の生き物」だから悪いわけでもないと思いますから、「別の生き物」として「生きて&死んで」行きたい方は、『どうぞ、どうぞ』と思いますけど、私は「人間」として「生きて&死んで」行きたいので、「人間の価値」をちょっと一所懸命に拾っていきたなと。

そんなことを思ったりもするわけです。





「求められているモノ」と「選ばれているモノ」



現在の芸術の場においては、「求められているモノ」と「選ばれているモノ」が、かなり違って来ていると思うわけです。


ここで言う「求められているモノ」とは、鑑賞者が最も素直な状態で、『見たい!』と思うモノですね。
(「周囲の情報に左右されない状態で」と言ってもいいと思います)

ここで言う「選ばれているモノ」とは、鑑賞者が予備知識や既成概念のような情報を集めて、そこに少しだけ自分の好みを加えたうえで、『たぶん、これがスバラシイに違いない!』と思うモノです。


この二つが、随分と違ってきていると思うわけです。


要するに、情報がどんどん増え続けているわけですね。
それで、過剰な情報の分だけ素直な判断ができなくなってしまうんだと思います。


さらに言うと、この現象は、「一般の鑑賞者」だけでなく、むしろ「専門的な鑑賞者」の方が一層顕著であると思うわけです。


つまり、評論家や、芸術展の審査員を務めるような人の方が、たくさんの情報や知識を持っていますから、当然それに左右されることに成るわけです。
(そこに「専門家」としての価値もあるもわけですから)


今と成っては、もはや「専門家」の方々が、自分の最も素直な状態での判断に立ち返ることは不可能と言ってもいいほどにまで、情報が増えてしまっていますから、「専門家」の判断ほど予備情報に左右されているというのは、間違いないことなんじゃないでしょうか?

ところが、その「専門家」が、また更に「一般人」に対して情報を配信していくわけですから、そうなると、「一般人」の判断も、間接的に情報に左右されてしまうわけで、けっきょくは、誰の判断も「素直な状態における判断」とは言えなく成ってしまいます。


現時点で、唯一「素直な状態における判断」を下せるのは、「芸術に興味のない人」というオカシナことに成るわけですが、そういう人は、「芸術」を求めてもいませんし、選んだりもしませんから、その人たちの判断は、ほとんどなんの影響も及ぼさないわけです。
(判断以前に、見ないし)


こんな状況で、「求められているモノ」と「選ばれているモノ」が、離れてしまっているわけですが、この状況を改善して、「素直な状態の判断」を取り戻そうとするのは簡単ではないように思います。

情報はごく幼い時期から刷り込まれていますから、無意識の状態で入り込んでしまっているわけで、情報に左右された判断と情報に影響されていない「素直な判断」を区別して選び取るのはかなり困難な作業でしょう。

出来ることと言えば「情報を減らすこと」ぐらいじゃないのかなと。


入ってくる情報を意識的にカットするとか、入ってきた後も、その情報を鵜呑みにしないように心がけるといったことで、影響が最小限にとどめられるというわけです。

既に入り込んでしまっている情報の影響は免れませんが、情報を増やさなければ、その影響も徐々に薄れてはいくでしょうから、少しづつ小さくなっていくでしょう。


せっかく「芸術」を見ても、自分が「ナニを求めて」いるのかがわかっていなければ意味がありませんから、この情報が氾濫する世の中では、意識して情報の影響を排除して、自分の素直な判断を少しづつ取り戻そうとする努力が必要だと思うわけす。


なにかを知ろうとすると、どうしても情報を増やしたくなりますけど、むしろ、情報を減らしていくことで見えて来るものがあれば、それこそが「本当の自分の素直な判断」なんだと思います。


そこで「自分の求めているモノ」に気づいた人だけが、それを選び取ることができるわけです。


そういう「求められているモノ」と「選ばれているモノ」が一致した状態でしか「心の感動」というものは生まれないんじゃないのかなと。


つまりは、そんな風に思うわけです。



「二種類の好きなモノ」と「二種類の嫌いなモノ」



主に芸術作品についての「好み」に関するお話です。


「好み」と言うと、「好きなモノ」と「嫌いなモノ」のことを指す場合が多いわけですが、実は、その「好きなモノ」や「嫌いなモノ」には、それぞれ二種類あるような気がしているわけです。


つまり、「普通に好き(または嫌い)なモノ」と「やや屈折して好き(または嫌い)なモノ」の二種類ですね。


「普通に好きなモノ」は、「居心地がいいモノ」とか「心を和ませてくれるモノ」のような、まぁ、言ってみれば「ほぼ無条件に気持ちいいモノ」ですね。

「やや屈折して好きなモノ」は、「違和感があるけど気に成るモノ」とか「本当は好きなんだけどそれを認めたくないモノ」みたいな、「必ずしも気持ちよくないモノ」です。


「普通に嫌いなモノ」は、「見て居たくないモノ」とか「見ると嫌な気持ちになるモノ」のように、「ほぼ無条件に嫌なモノ」です。

そして、「やや屈折して嫌いなモノ」は、「好きな要素と嫌いな要素が両方あるモノ」とか「本当は好きでもなんでもないんだけど、それを好きな自分が好きっていうモノ」のように、「本当は嫌いなのに、それを嫌いと言うのにい躊躇するモノ」です。


さて、それで何が言いたいかと言うと、すごく「好き(嫌い」なモノ」っていうのは、実は「屈折して好き(嫌い)なモノ」の方なんじゃないか?ということです。

 
まぁ、「嫌いなモノ」について、『どっちがスゴク嫌いか?』を考えるのは、あまり有意義な感じがしないので、取り敢えず、ここでは「好きなモノ」に話を絞ります。


少なくとも「好きなモノ」に関して言えば、「普通に好きなモノ」よりも、「屈折して好きなモノ」の方が、かなり「好き度」が高いような気がしますね。

これは、なにも「芸術作品」に限ったことではなくて、「食べ物の好み」なんかでも、はじめのうちは抵抗があって食べられなかったモノが、いつの間にか好物に成っているというようなことはよくあると思います。

そして、そう言うモノに限って「大好物」に成るということも、またよくあるわけです。


それと同じように、「芸術作品の好み」においても、やはり、「屈折して好きなモノ」が「すごく好き」に成ることが多いと思うわけですね。

しかも、「芸術作品の好み」に関する限りは、ほとんどの場合、「本当に好きなモノ」は「屈折して好きなモノ」なんじゃないか?と思うわけです。


一見すると、「普通に好きなモノ」=「ほぼ無条件に気持ちいいモノ」なわけですから、『そっちの方がイイに決まってるでしょ!』っていう感じなんですが、

「無条件に気持ちいい」ということが、ある意味では「ぬるま湯」を意味しているわけで、それは、確かに「気持ちいい」かもしれませんが、「切実なほどの好き度」ではないわけです。


つまり、「心を締め付けるような感動」は、そこにはないんだと思うわけです。それは「好き」ではあっても、「どうしよもなく好き」ではないということですね。


そして、「芸術」と言うのは、その「どうしようもなく好き」を求めて鑑賞するモノなんじゃないか?と思うわけです。


だとすれば、やっぱり、「芸術作品の好み」においては、ほとんどの場合、「本当に好きなモノ」とは「やや屈折して好きなモノ」なんじゃないのかなと。

そんな風に思っているわけですが、そういうこと以前に、「自分の好み」について、『これを好きと言ったら、人がどう思うか?』とか、『これを嫌いと言うとカッコ悪いんじゃないか?』と言うようなことで、「好き・嫌い」を本当に素直な状態で言える人が、とても少ないということが、とても悲しいことだなと。


本当の所、「自分が何を好きなのか?」ということがわかっている人ってどれくらいいるんだろうか?
(単純に見栄とか対面とかを抜きにしてというだけの意味でもですね)

そんな風に思ってしまうわけなのです。





人は「価値」ではなく「意味」に感動する



「有名な絵」と「無名な絵」だったら、どっちで感動する人が多いんでしょうねぇ。

いや、あくまで、「有名な絵」=「スバラシイ絵」かつ「無名な絵」=「スバラシクナイ絵」ということを抜きに考えた場合ですよ。
だいたい同じくらいにスバラシイ絵が、「たまたま有名だった時」と「たまたま無名だった時」という条件でですね。


実際は、たぶん「有名な絵」で感動する人が多いんじゃないかと思うわけですが、『それ、はたして本当に感動してるんですか?』とも思ってしまうわけなのです。


つまりです。

『なんだかんだ言っても、ただ単に「有名な絵」だから感動したと思い込んでるだけなんじゃないの?』
ということです。

もっと言えば、「有名な絵」を見るときに、『見る前から、きっと感動するに違いないと決めてかかってるんじゃないの?』
ということですねぇ。


そういうの、実際に多いと思いますよ。

というか、ほとんどの「感動」って、その手の「感動モドキ」なんじゃないでしょうか?
(すいません!、言い過ぎです!でも、たぶんホント)

まぁ、それも「一種の感動」なんだと思いますから、否定するつもりなんか全然ないですけど、でも、そういう「予定調和」を含まない「純粋な感動」と言うのもあるんじゃないかと思ったりもするわけです。


で、そういう「純粋な感動」について言うと、「無名な絵」の方が「純粋な感動」に出会える確率が高いんじゃないかなと思うわけなんですねぇ。


たとえば、『ゴッホ』ですけど(まぁ、他の貧乏絵描きの人でもいいんですけど)、『ゴッホ』が生きている間には、絵がチョットしか売れなかったというのは有名な話ですけど(1枚~数枚までの説があるらしい)、その時『ゴッホ』の絵を買った人たちって、どうしたんでしょうね?

大事にしてたんでしょうか?それともホッタラカシでしょうか?
捨てちゃった人なんかもいたんでしょうか?


まぁ、それはともかくとして、もしも、その『ゴッホ』の絵を買った人たちの中に、その絵を非常に気に入って大事にしていた人が居たとします。

その後、『ゴッホ』は大ブレイクして、その絵は一躍「無名な絵」から「有名な絵」に成るわけです。

確かに、「有名な絵」に成った『ゴッホの絵』は、その後、美術展などでたくさんの人を感動させることに成るわけです。
でも、それは、もしかしたら全部「感動モドキ」かも知れませんよね。


それに対して、「有名な絵」に成る前の「どこの誰だかわからないヤツが描いた絵」だった『ゴッホの絵』を買って、後生大事に持っていた人が、『この絵なんだかいいんだよなぁ』と言って眺めている時の「感動」って、おそらく「感動モドキ」ではないだろうと思うわけです。


さらに言えば、もし仮に、その後も『ゴッホ』が売れることなく、その絵が「無名な絵」のままだったとしたら、そして、その人が、それでも、その絵を手放さずに後生大事に持ち続けていたとしたら、そして、物置や蔵の中に大切にしまっていて、時々出して眺めては、やっぱり、『この絵なんだかいいんだよなぁ』と言っていたとしたなら、その時の「感動」こそが、本当の「予定調和」を一切含まない「純粋な感動」なんじゃないのかなと。

そんな風に思ってしまうわけです。


たとえば、その家にお客さんが来るたびに、その人が、自慢の「無名な絵」を見せていたとします。


客人が薄暗い物置部屋に入って行くと、主人がパチンッと照明をつけます。
(時代的にはランプか?)

そこに浮かび上がるのは、まったく無名で誰が描いたかわからないけど、間違いなく『ゴッホの絵』であるわけです。


客人の中には、『へっ!誰の絵かもわからないような絵じゃね』と思う人も居るでしょう。
でも、その絵の持ち主と同じように『なんだかわかんないけど、この絵イイよ!』と思う人も居るんじゃないですか?

いや、きっといるに違いないじゃないですか?
だって、そこにあるのは間違いなく『ゴッホの絵』なんですから。

そういうのを「感動」と言うんだと、私は思っているわけです。


つまり「想定外の美しさに出会った時の衝撃」ですね。


「有名な絵」はどうしても先に「想定」が入ってくるわけです。

なにせ「有名」ですから。

そこら辺に転がってないし。


要するに、『ゴッホの絵』が、たまたま「無名な絵」としてそこら辺に転がっていた時に、「そういうモノに出会った人が受ける衝撃」を「感動」と言うんじゃないかと思うわけです。


これを言い換えるならば、『人は「価値」ではなく「意味」に感動する』とも言うことが出来ると思います。


「有名な絵」には、ハズレなく「価値」があります。
でも、その分「意味」は薄くなってしまうわけです。
(「想定外の衝撃」が無い分ですね)


「無名な絵」にはあまり「価値」はありません。
少なくとも、「一般に通用する価値」はかなり低くなってしまいます。
でも、そこには「意味」があるかもしれません。

つまり、そこに「想定外の衝撃」があるかもしれないということです。

そして、本当の「純粋な感動」とは、そういう所にしかないモノだと思うわけです。
(まぁ、めったに無いってことですけどね)


だから、「有名な絵」ばかり見ていても、『それじゃ、本物の「純粋な感動」からは、どんどん遠ざかってるのかもよ?』と。


そんな風に言いたいわけなのです。





「スタイル」と「スタイリッシュ」



「芸術」において、現在、唯一の「独創性」を示す要素は「スタイル」だと思うわけです。

ありとあらゆる「創意工夫」が出尽くした感のある「芸術」において、「スタイルが確立されたもの」だけが「独創性を示すことができるもの」だと思うわけですね。
それとは逆に、一見すると特徴的に見えるものでも、そこに「確立されたスタイル」がないと、、歴史上の膨大な数の作品の中に埋没してしまって、はっきりした「独創性」を感じ取るのが難しくなってしまうわけです。

だから、「スタイル」はある程度大切なものなんだと思います。
やっぱり、だれの作品か見分けがつかないというのは、創作者にとっては悲しいことだと思いますからね。


ただ、ここで、「スタイル」とは「形式」であるということを忘れてはいけないような気がするわけです。
つまり、「スタイル」を重視しすぎると「スタイル=形式」に乗っ取られて、「内容」が二の次になってしまう可能性が高いということです。

前述のように、現在においては「スタイル」が唯一の「独創性を示すことができる要素」だと思いますから、その「スタイル」が際立っていれば、「内容」とは関係なく「作者」を区別してもらえるようになります。
そのことが、作者としては、どうにも抵抗できないほど嬉しいことなので、やはり、どうしてもそちらに振り回されてしまうわけです。
それで、いつの間にか「内容」が二の次になってしまうということがあるように思うわけですね。

だから、「スタイル」とは、あくまで「形式」であって、「内容」とは無関係なものであるということを強く意識していないと、あっという間に乗っ取られてしまいますし、気が付いたら、自分の目指していたこととは、全然違う方向に向かって進んでいたなんて言うことにもなりかねないと思うわけです。

とは言え、やはり「自分のスタイル」というモノがないと、「自分の表現するところ」が自由に表現できないという面もあるんですねぇ。
つまり、「自分のスタイル」を持っていると、その「スタイル」の中で自由な表現ができるようになるんだと思います。
そうなると、「スタイル」が必要なのも確かなことだと思うわけです。

こういうの、困りますねぇ。


そこで、「スタイル」と「スタイリッシュ」の違いが、けっこう大きいんじゃないかと思ったわけなのです。

「スタイル」は「形式」ではありますが、あくまで自分の中の「内容」が実を結んで「形」となったものなんだと思います。
それに対して、「スタイリッシュなもの」というのは、「スタイル重視」という印象があって、「スタイルそのもの」を最も重要視するのが「スタイリッシュ」なんじゃないかと思うわけです。

要するに、「自分のスタイル」を追求していくときに、「スタイリッシュ」に成らないようにしていれば、「スタイル」に捕らわれずに「スタイル」を追い求めていけるんじゃないのかなと。
そんな風に思ったわけですね。


もちろん、「スタイリッシュ」が適している場合もあると思います。
たとえば、「デザイン」などは「スタイリッシュ」であることで、美しくなることは多いと思います。
そういった、「形式美」や「様式美」を否定する気はありませんが、「芸術」を「自己表現」と考えた場合に限って言うと、やはり、「スタイリッシュなもの」は「自己を表現するもの」ではないように思いますね。

要するに、「スタイル」は「形式」で、「スタイリッシュ」は「おしゃれな形式」なんだと思います。
つまり、「スタイルであることそのもの」を追求していくと、無駄なものはそぎ落とされていくし、最も単純化された「最小限の形式」だけが残るということだと思います。

でも、その「そぎ落とされて捨てられた部分」にも、「自己表現のエッセンス」がある場合は多いわけですね。

「自己表現」の過程において、結果的に『スタイルが確立されていく』ということはあっても、『スタイル自体を追求していく』ことによって『自己表現が確立されていく』ということにはならないような気がします。

だから、「スタイル」は「自己表現」を追求していった結果としての副産物のようなものであって、「知らず知らずのうちに出来上がっていくもの」というのが、一番望ましいんじゃないのかなと。


そんな風に思ったわけなのです。


人が「その作品」を「好きになる時」・「嫌いになる時」



人が「芸術作品」を見たときに、「好きになる時」と「嫌いになる時」があるわけですが、そういうことはどこで決まっているんでしょう?
つまり、「人の好き・嫌い」を分けているのは、いったい「ナニ」なんでしょうか?

なんでこんなことを考えるかと言えば、まぁ、要するに、自分の絵が人から嫌われることがけっこう多いからなんですねぇ。

人に絵を見せたとたんに、その人の表情が、サァっと曇るんですよね。
そういう時には、こちらも血の気が引きます。
『あぁ、見せなければよかった』と思います。
(まぁ、さすがに『あなたの絵が嫌いです』と言った人は、今のところまだ居ないですけど)

そうかと思うと、まったく思わぬ人から『この絵、イイねぇ』なんて言われることもあったりしますから、それはそれで、また、『不思議だなぁ』と思ったりもするわけです。
(まぁ、これは「お世辞」なのかもしれませんけど)


本当のことを言えば、「人に褒めてもらうため」に絵を描いているわけではないので、そんなこと気にしないほうがいいんでしょうが、でも、だからと言って、「人に嫌われるため」に絵を描いているわけでもないので、やっぱり、そんなこと気にしてしまうわけなのです。

個人的には、『今後、芸術作品を「好み」で判断する時代は終わっていくだろう』と思っているんですけど、現時点では、ほとんどの人が『芸術作品は「好み」で判断するもの』という考え方だと思います。

そうなると、現実問題としては、どうしても「好かれるか・嫌われるか」という両極にもっていかれてしまうわけで、中間がないんですね。
だから、『好かれるために描いているんじゃない』でも、『嫌われるために描いているわけでもない』という二方向からの圧力によって、『どっちも良くないよ!』という状態になってしまうというわけです。

嫌われたくなければ「好かれる絵」を描かなくてはならないし、「好かれる絵」を目指せば「自分の絵」は描けなくなってしまいます。
「自分の絵」が「好かれる絵」でもある人はいいのかもしれませんが、そういう人ばかりでもないわけですから、そうじゃない人にも「せめて嫌われないような自己表現の在り方」があればいいのになと思うわけです。

まぁ、そんなことから、「人がその作品を好きになる時・嫌いになる時」ということを考えてみるわけです。


まず、「好きになる時」ですが、『なんで、その作品だけを選んで「好きになる」のか?』ということです。

おそらく、「人がその作品を好きになる時」は、「その作品」の中に「自分と同じ要素」を見つけたときというのが一番多いパターンなんじゃないかと思うわけです。
つまり、「自分が美しいと思っている美しさ」とか「自分が考える芸術のあるべき姿」のような、「その作品」と出会う前から、すでにその人の中にあった要素つまり、「自分との共通項」ですね。
「自分」と「その作品」の間に、そういう共通項を見つけ出したときに、「人がその作品を好きになる」ことが多いんだと思います。
逆に言うと、共通項を全く見つけられないときには、共感できないわけですから、どうしても「その作品を好きになれない」ということになるわけです。

もちろん、そういうパターンから外れている人もいるでしょうが、実際には、このパターンに沿った人がほとんどのような気がします。


そうなれば、当然、「人がその作品を嫌いになる時」は、「その作品」の中に「他者」を見つけ出したときということに成るわけです。
つまり、「自分との共通項」が無いだけじゃなくて、「ハッキリした他者=異物」を感じ取ってしまうと、「人はその作品を、ハッキリと嫌いになる」わけです。

これも、パターンから外れている人はいるでしょうが、ほとんどの人がこのパターンに沿って「嫌い」に成っているような気がします。


とにかく「他者」っていうのは、人にとって「異物」なんですねぇ。

「自分との共通項」がないだけなら、「好きではない」ということで済むんですが、「異物」を見せられたときはほとんどの場合、強い拒否反応が返ってきます。
そして、当然、その時「人はその作品を嫌いになる」わけです。

だから、「自分の絵」を描いてしまうと、なかなか「人に好かれる絵」には成らなくなってしまうんだと思います。


さて、そこで、「人がその作品を好きになる時」の方に話を戻すと、「自分の絵を描くこと」が「人に好かれる絵を描くこと」と一致しないということは、「人に好かれる絵」は「本当のその作者の絵」ではない確率が高いということに成ってしまいます。
少なくとも、「その作者の作品」としての性質が弱いということに成るわけです。
でも、「その作者」が、必ずしも、「自分の絵」をかなぐり捨てて、鑑賞者に媚を売った「受け狙いの作品」を目指していたというわけではないと思います。
(そう言うのは、むしろ、あまり好かれませんからね)

それなのに、なぜ、「その作品」が好かれるのかと言うことです。

そこに、世間に流布されている「常識」とか「定説」とかといった「万人にとっての共通項」というものの影響があると思うわけです。

『芸術とはこういうモノである』とか『こういうモノが美しいものである』とかといった「公共の共有概念」のようなものですね。
そういう、世の中で「絶対原理」のように作用してしまっている「万人にとっての共通項」があるために、それに沿ったものは「好かれる」し、それに沿っていないものは「嫌われる」ということに成ってしまうわけですね。

完全に「共通項」として万人に受け入れられてしまっていますから、あえて選択されることもなく、だれもが持っていますし、普段から、すべての人が、すべてのことを、そういう「共有概念」に基づいて行っているといってもいいほどですから、創作者が「自分の作品」を創作するときにも、無意識のうちに、その「共有概念」が使われてしまうわけです。
さらには、「万人」が共有しているわけですから、だれかに向けて媚を売るということもなく、それは当然のこととして選択されてしまうわけなのです。

 ※話を分かりやすくするために、「万人」という言葉を使っていますが、ここで
  言う「共有概念」とは、必ずしも「世の中のすべての人が共有している概念」
  という意味ではありません。
  「限定的な集団において、その集団内のほぼすべての人が共有している概
  念」ということも含めて「共有概念」と言っています。

ということは、つまり、その「共有概念に基づいた作品」こそが「人に好かれる作品」であるわけです。

「万人にとっての共通項」を含んでいますから、「万人に好かれる」ということですね。
実に、当たり前です。



ところで、その「共有概念」は万人が持っているものですから、当然、ほぼ全ての創作者も持っているわけです。

ということは、「自分の絵」を描く創作者も、それを持っているはずです。
つまり、それを、あえて切り捨てて創作する人が「自分の絵」を描いているということです。
しかも、その絵が「嫌われる絵」に成るという前提で描いているということに成ります。


こういうのを読んだ人は、どう思んでしょうかねぇ?

『あはは、そんなトンマは今どきいませんよ!』

『まぁ、お気の毒に、生まれながらのアホなのねェ、おかわいそうに』

という感じでしょうか?


でも、そういう「アホでトンマなもの」が「芸術」なんだと思うわけです。

もっとも純粋で、もっとも不利益的なものが、少なくとも「私の中の芸術」なわけです。
たぶん、「共有概念」に沿っていません。
たぶん、人から好かれません。

でも、せめて『嫌われないように』と思ってやっているわけです。

それでも、嫌われるって、どうなのよ?
という感じですね。


 ※ここで言っているのは、「共通概念」に基づいた作品がダメだということでは
  ありません。
  ただ、そういう作品は無条件に好かれて、そうでない作品は無条件に嫌われる
  というのは、偏りがあると思うわけです。
  少なくとも、「現在の芸術」においては「自己表現」であることは、重要な意
  味を持っていると思いますから、「作者にとっての自己」すなわち「鑑賞者に
  とっての他者」と出会うことは、「現在の芸術」においては重要な要素だと思
  うわけです。
  それを前提にして言うなら、すでに、世間に流通している「共通概念」をメイ
  ン・テーマにした作品には「そこで生み出された作者の自己表現」との出会い
  がないわけです。
  もしも、そういう作品ばかりを鑑賞するのであれば、「現在の芸術」の「最も
  中心的な部分」に触れたことにはならなくなってしまうのではないでしょうか?
  


「共通言語(通じる言葉)」」から「オリジナル言語(出会う言葉)」へ



人間は「言語(ことば)」を身に着けたことで、コミュニケーション能力を飛躍的に向上させることが出来たんだと思います。
そして、その「言語(ことば)」とは、「共通言語」であったわけです。
しかし、人間は、そろそろ、そういう「共通言語」にも飽きてきているような気がするわけです。


そもそも、「共通言語」とはナニなのかと言えば、要するに、「通じることば」なんだと思うわけです。
そして、ただ単に、日本語とか英語というような「言語の種類」だけではなく、「共有されている価値観」とか「共有されている常識観」とかといった、基盤と成っている考え方や物事の捉え方があるから、「その言語」が通じるようになっているんだと思います。

その共有された「共通言語=通じることば」に、人間が飽きてきているという気がするわけです。

それで、その代わりに成ろうとしているのが「オリジナル言語」なんじゃないかと思うわけですねぇ。
それは、一人一人の人が、独自の感性や考え方で、「ことば」を構成するような「その人だけのことば」ということです。
ということは、それは「通じないことば」に他ならないわけです。


「通じないことば」は、はっきり言えば、あまり実用的ではありません。
物事を正確に伝えたり、説明したりするには向いていないと思います。

ただし、その人が「自分」を表すのには向いています。
良く表せるんですが、残念ながら、それが人に伝わらないということです。
だから、あまり役に立ちません。

でも、だからと言って、まったく伝わらないということでもありません。
たとえば、英語しか話せない人と日本語しか話せない人でも、ナニカは伝えられたりします。
「英語」で伝えることはできませんが、「英語で話すこと」で伝わることが出てきたりするわけです。
何も話さなければ、何も伝わりません。
(テレパシーがあればねぇ…いや、テレパシーでも伝わらないのかも?)

それと同じように、「オリジナル言語」でも、伝わるものはあるはずです。
少なくとも、言語の種類として「同じ国の言語」を使っている場合、単語や文法は大体同じなわけで、それらの解釈に微妙な違いが出てくるだけですから、そこのところを、お互いに考えていけば、いろいろ伝わることも増えていくんだと思うわけです。
ただ、残念ながら、多くは伝わらないし、正確にも伝わらないということですね。

そして、人間の興味が、実用的な「共通言語」から、その不便な「オリジナル言語」の方に移行してきているような気がするわけですね。

といっても、これは今に始まったことではなくて、昔から、「芸術」においては「自己表現」として追求されてきたことだと思いますし、「学問」においても、独創的な研究をした人たちは、皆、「オリジナル単語」や「オリジナル言語」を使って自分の研究を表してきたんだと思います。
「哲学」などは、哲学者が「ことば」に「オリジナルの意味」を創り出すこと、または見つけ出すことこそが、「哲学」そのものであると言ってもいいくらいじゃないかと思います。

特に、「芸術の20世紀」において、「芸術」が「自己表現」としての方向性を確立したことは、現在に至るまで、強く影響していると思います。

 ※私自身は「芸術の20世紀喪失」という考え方をしているんですが、それは、
  あくまで、自分の「創作」に向かう姿勢を示すためのものであって、必ずしも
  「芸術の20世紀」を全面的に否定しようということではありません。
  それは『喪失するしかなかった』ということであって、「20世紀」に対して恨みがあ
  るわけではありません。
  だからこそ、「否定」でも「破壊」でも「削除」でもなく「喪失」であるわけです。


「自己表現」=「オリジナル言語表現」と言ってもいいくらいですから、「芸術の20世紀」は、まさにダイレクトにこの「オリジナル言語」を探求した時期でもあると思うわけです。

そして、さらに言うと、その「芸術の20世紀」が「自己表現」という芸術の方向性を確立したことによって、特定の「学者」や「芸術家」だけではなく、ごく一般的な人たちが、「オリジナル言語」の存在に気づき、それに興味を持つようになったんだと思うわけです。

ただ、現在は、まだ「オリジナル言語の使い方」が、確立されているとは言えないので、そこがネックに成って「オリジナル言語」が普及していかない状態だと思います。
(ここに「芸術の20世紀」の問題点もあるわけです)

なにせ、「通じないことば」ですから、通じませんし、「表現者にとってのオリジナル」ではあっても、「受け手にとってのオリジナル」はほとんど含まれません。
だから、ほとんどの人が「オリジナル表現」を受け取ったとたんにフリーズしてしまうんだと思います。
要するに、思考停止の状態になってしまうわけですね。
だから、興味がある人も、そこから先に踏み込めなくなってしまうんだと思います。

でも、それは、以前からの「共通言語」による「情報伝達」を目的とした言語習慣が残っているためだと思うわけです。
つまり、「オリジナル言語」においては、目的自体が少し違ってきたと言うことですね。

そして、その目的とは、おそらく「出会い」ではないかと思うんですねぇ。
つまり、「他者との出会い」こそが「オリジナル言語」の目的なんじゃないかと思うわけです。

もともと、「情報伝達」にも『未知なるものを知る』という目的があったわけですから、まったく別の目的に成ったということではないと思いますが、「伝達」は「伝わること=通じること」で成り立ちますから、「共通言語」を必要とするわけです。

要するに、「出会い」だけではなく、「理解すること」や「知ること」まで行って、初めて「伝達」されたことに成るということです。

でも、「オリジナル言語表現」においては、「理解すること」や「知ること」の意味よりも「出会うことの意味」を重視しているということですね。

といっても、これを一概に「言語の進歩」とは言えないと思います。
単なる「出会い」よりは、むしろ「理解」の方が進化した形なのかもしれませんが、「言語で理解できる範囲」が行き止まりに来たんだと思うわけです。
つまり、論理的な思考が行きつくところまで行って、もうこれ以上行く先がなくなったために、その「論理思考」の中でぐるぐる回り続けるしかなくなってしまったということじゃないでしょうか?
(近代以降の哲学などはそういう「無限ループ」に成っているように思えますね。よくは知りませんけど)

それで、いったん単純な形の「出会うこと」に、興味が戻ってきているんだと思うわけですね。
どちらかと言えば、「理解できないものとの出会い」こそが、「オリジナル言語表現」の目的であるといってもいいのかもしれません。
(「プリミティブ(原始的)な出会い」といってもいいのかもしれません)

もちろん、「理解されないこと」が表現者の目的なわけではないんですが、「オリジナル言語表現」においては、「理解されること」は二の次で、「自分であること」や「自分を表すこと」が第一目標になるわけです。
そうすると、結果的に「理解されにくいモノ」に成ってしまうということなんですね。

でも、「受け手」が「出会うこと」を第一目標にしている場合は、「その出会い」に「意味」が出てきます。

「理解すること」や「知ること」は「価値」を生み出すかもしれませんが、「意味」においては「出会い」にこそ、その本質があるといってもいいと思います。

「未知との出会い」には、「意味」があります。
それを「理解」できれば、さらに「価値」があると思いますが、あくまで「意味の本質」は「出会い」の方にあると思うわけです。

そして、さらに言えば、「理解」された瞬間に「意味」が「価値」に変換されてしまうと考えることもできるわけで、もう、そこに「意味」は無くなってしまう可能性すらもあると思うわけです。

そう考えれば、「意味」を重視していく場合、「オリジナル言語」を使っていくことに成るわけで、そのためには「出会うことば」としての「オリジナル言語」ということを、まさに「理解」していくといいんじゃないのかなと。
つまり、まさに、そこにこそ「価値」が生まれるということですね。

そんな風に思っているわけです。


『えっ、ナニ言ってるかわからない?』
『あぁー、オリジナル言語だからぁ』



プロフィール

ふたつ

Author:ふたつ
※トップ画面とプロフィール画像の絵は習作として描いた絵です。

ご訪問いただき、ありがとうございます。

自分自身の制作に対する姿勢を示した「宣言文」をブログの形で発表するのは、筋が違うのかとも思いますが、このような形しか思い当りませんでした。
ご容赦ください。
興味のない方にはたぶん面白くないでしょう。

ただ、私はここに書いたことがこれから確実に起きることだと思っています。
と言うよりも、すでに起きていることだと思っています。
「天才の時代」は、もう終わらせなければいけないと思うのです。
「天才」なんてもう何処にも居ないのだと思うのです。
「天才」は、もう誰にとっても必要ないモノに成っているんじゃないでしょうか?。
「普通の人」が、もっともっと芸術に関われるようになったら、
少しいいんじゃないかと思います。

いえ、芸術に限った話でもないのです。
全てのことが、今よりもっと「普通」でいいんじゃないでしょうか?
「個性とは実は最も普通なことなのではないのか?」
私はそんな風に思うのです。

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1960年の生まれです。
横浜在住です。
過去に何一つ実績と言えるものはありません。
30歳に成った頃、絵を描き始めました。
その後、細々と美術に関わる仕事をしていましたが、自己作品の制作にはあまり積極的とは言えませんでした。
2013年のはじめ頃から、自己作品に対する欲求が生まれ、現在は妻の収入に頼って、ようやく制作に漕ぎ着けております。

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読みづらいところもあるかとは思いますが、読んでみて下さい。


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