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「芸術表現」の「多重化」



「芸術表現」は、「多重化」の方向を取るように成って行くんじゃないかと思っているわけです。


現在、「表現形態」を交配(ミックス)することが盛んに行われていますけど、それも一種の「多重化」ではあると思うのですが、ここで言う「多重化」は、出来るだけ「表現形態」自体は広げずに(混ぜずに)、既存の「メディア」の中で「多重化」するという方向性のモノです。

 ※ここで言っている「メディア」とは、「表現形態」を指しています。
  「ミクスト・メディア」と言う場合は、「素材」の混合を意味することが多いと思い
  ますが、「表現形態」や「素材」をミックスするというのは、「多重化」と言うより
  は「多様化」に近いと思っています。

  私が考えるところの「多重化」とは、一つの「メディア=表現形態」の中で、異なる
  次元を創り出して、それを重ね合わせることになります。
  ただし、「額」や「題(タイトル)」のように、それ自体は主体性を持ったメディアとし
  て独立した評価を受けることがなく、作品の付属物とみなされているものは、その
  「メディア=表現形態」に従属する一部分として考えています。
 
どうして、「メディア」を広げないのか?と言えば、『薄まってしまうから』です。

つまり、「メディア」を広げていくということは、より広い領域に「表現」を投げ入れるということであって、その広い領域で表現されたものと言うのは、そのフィールドの広さによって薄められてしまうだろうと思うわけです。

だから、どうしても、初めて、その「ミックスされた表現形態」に出会ったときには、目を惹きつけられても、二度三度と見ているうちに、「そのミックス」に見慣れてくると、「その薄さ」だけが目に付くようになってしまい、けっきょくは見飽きてしまうような気がします。

要するに、「メディア=表現形態」をミックスするという形をとると、どうしても、「ミックス」が中心になって、「表現」が置いて行かれてしまう傾向があると思うわけです。


そこで、限られた「メディア」の中での「多重化」ということに成るわけですが、「絵画」なら「絵画」、「彫刻」なら「彫刻」と言う、完全に従来型の既存の「メディア」の枠をなるべく崩さずに、「多重化」していく方向を模索する必要があるんじゃないかと思うのです。

もちろん、「絵画」を「平面」と言い換えたっていいでしょうし、「彫刻」を「立体」と呼んでも、何の差支えもないわけですが、出来るだけ(あくまで、出来るだけです)、「表現形態の交配」自体を表現の中心にしないということですね。


つまり、同じことをするのでも、『ここに〇〇を使っているところがオモシロイ』とか、『〇〇と〇〇を掛け合わせているのが独創的』みたいに、「メディアの交配」自体が、その表現の一番の特徴になってしまうことは避けた方がイイと思うわけですね。


ここでいうところの「多重化」は、メディアの種類を重ねて表現の領域を広げることではなく、同じ広さの中で、『どこまで表現を重ねていかれるか』という方向に成ります。
つまり、「メディアの多重化」ではなく「表現の多重化」ということです。

なぜ、表現を「多重化」するのか?さらには、なぜ限られた「メディア」の中で「多重化」するのか?と聞かれれば、それは「密度を高めるため」と言うことでしょう。


美術の場合「作品」は、「物質」であるべきだと思っております。

 ※「コンセプト」や「パフォーマンス」などの「非物質」を「美術」とするのは、
  やや本質から外れているように思いますし、それは、「メディアの交配」と
  同じく「薄めること」につながると思っています。

「物質」と言うのは、「大きさ」と「密度」によって、「質量」が決まってくるわけで、基本的に「小さいわりに重いもの」つまり「密度の高いもの」が、「美術」には向いているんじゃないかと思います。

ただ、これを上手く説明する言葉はちょっと思いつきません。
上手い表現ではないかもしれませんが、「手ごたえ」とか「圧力」みたいなものでしょうか?


取り敢えず、「密度」を高めるためには、限定されたスペースの中での「多重化」ということに成るんだと思うわけです。
それで、いろいろな意味で、スペースを絞って、その中で、「重層的」にして行くことが求められるようになっていくと思うわけです。


単純に言って、「芸術作品」は、大きく成りすぎているような気がします。
また、、「メディアの交配」についても、それ自体を表現の中心にすることで、限りなくスぺースを広げてしまっています。
「芸術」に関する「イベント」なんかも、スペースを広げる傾向にあるように思います。

大きな「イベント」でも、どこか漠然としていて、集まった人たちに共通の意識がないというのは、良い面と悪い面があると思いますが、現状の、意識の希薄さはあまりイイモノでもないように思います。


そういったこと全体において、スペースを絞り込んでいくことが必要になってくるんじゃないかなと。
そして、その限られたスペースの中で、如何に「多重化」していくかということが問われていくようになるんじゃないなと。


そんな風に思っているわけです。・・・・・・次につづく



「芸術表現」の「多重化」(つづき)



前の記事からの続きに成ります。


「芸術の多重化」については、いろいろな形が考えられると思います。

前の記事で書いたように、私は、表現形態自体をミックスすることには積極的ではないんですけど、それも、人それぞれだとは思いますから、そういう意味も含めて、ありとあらゆる「多重化」が考えられると思うわけです。


そちらの、「多重化」は、いろいろな方向で試行錯誤されているようですが、私にとっての「多重化」は、それとは少し違って、限られたメディアの中での「多重化」に成ります。

さらに言えば、「既存のメディア」にこだわりたいという意識があります。


私の場合は「絵画」ということに成りますが、「多重化」に当たって、「額」を自作することを念頭に置いています。


私の場合、この「額」についての発想が先にあっての、創作衝動だと言ってもいいくらいなんですね。
つまり、「額」と「絵画空間」の重なりが見えてきた時に、『自分の作品を創りたい!』と思うように成ったというわけなんです。


もともと、私も「自分の作品を創りたい」と言う気持ちから「絵」を始めたわけですけど(私の場合30歳の時、絵を始めました)。

その後、たまたま「装飾美術」の仕事をすることに成って、いつの間にか、そちらに行ってしまって、「自己作品」のことが、おろそかになってしまったんですね(と言っても、ほとんどの期間は専業ではなくて、他の仕事もしてましたけど)。

そして、いつの間にか、『まぁ、ムキになってまで自分の作品を創らなくても・・・・』と言うところですね。


でも、そんなことを二十年近くもやってから、ようやく『なにか”コレ!”と言うものを残してから死にたいもんだなぁ』と漠然と思うように成ったわけです。


その時に、なぜか出てきたのが「額」なんですねぇ。


現在は、試行錯誤の結果、「絵の中での多重化」と「額の中での多重化」と言う二つの発想になっています。

さらに、「額の外の多重化」についても一応考えていますが、外に向かって広げていってしまうと際限がないので、考えるだけにとどめています。

 ※この「額の外へ向かう」と言う表現形態を時々見ることがありますが、今までに
  私が見たことがあるものは、結果的に「表現形態」を重ねていることが多く、や
  はり「スペース」を広げてしまっているように思いました。
  私の目指すところとしては、「スペース」を広げた分以上に、「多重化」していか
  ないと「密度を高めること」にはならないので、「外に向かう」というだけでは足
  りないかなと思っています。
  「外に向かった」場合は、その外へ拡散する力を引き戻して、中心に向かって圧
  縮するようなベクトルを持った多重化が必要に成ると思っています。


まず、「絵の中での多重化」ですが、「絵画空間」の中に「枠」を作ることで、「額」とは違った意味での「枠」を設定することが、「が、絵の中でも多重化」に成ると思っています。

ただし、この「絵の中の枠」を、完全に装飾的な「枠」にしてしまうと、「額」と似た様な意味になってしまいます。
それも「多重化」には違いないんですけど、「絵の中の多重化」と「額の中の多重化」を分けることで、その「多重化」同士の「多重化」が創り出せればと思って、なるべく、完全な装飾にならないようにしようと心がけています。


現在は、その「絵の中の枠」の中の絵画空間で、もう一段「多重化」したいというところで、止まっている段階ですね。
要素が多く成りすぎて、スペースが足りなくなるんですね。


そして、「額」の方ですが、こちらは、まだ、ロクなモノが出来てもいないので、構想だけの段階ですが、現時点で、一応、「二重額」と言う構想を持っています。

はじめは、一つの「額」で十分だと思っていたんですけど、それだと出来ることが限られてしまうので、ここでも「多重化」することに成りました。


ここで、「額」と「絵画」を両方とも「表現形態として使うことは、前の記事に書いた、「表現形態の交配」に当たるんじゃないか?と言う問題があるわけなんですね。

確かに、そういう考え方もあると思います。

しかし、「額」は表現形態と言うよりは、「絵画」の「枠」であって、「絵画の世界」を「外の世界」と区切る「境界線」でもあると思っていますので、それ自体が「純粋な表現形態」ではないと考えています。


そして、その「枠」である「額」に表現としての意味を与えるということも、一種の「多重化」なんだと思っています。

つまり、「境界としての額」と「表現としての額」が「多重化」することで、「絵画」を外の世界から「隔てる機能」と、「絵画」を外の世界と「つなげる機能」を、合わせた「枠」としての「多重化」ができるんじゃないかと思っているわけです。


まぁ、こんな事が、今私がやっている「多重化」ということに成ります。  

「多重化」は「芸術に残された最後の領域」かも知れない



このブログでも何度か書いていますが、私は、今後「芸術」は「多重化」していくしかないと思うわけです。
つまり、「芸術に残された最後の領域」が「多重化」だと思うわけなのです。


ここで、「芸術の多重化」と呼んでいるのは、(出来る限り)既存の表現形態の中で、複数の独立した表現を重ね合わせていって、一つ一つが、ある程度まで、独立した表現としても成り立っていながら、全体が一つのまとまった表現としても成り立つようにすることで、重層化した世界感を生み出すというよなことです。


その「多重化」がどうして「芸術に残された最後の領域」なのかと言うと、他のことはぜんぶ出尽くしてしまったとしか思えないからです。
だから、あとは”組み合わせていく”しかないんじゃないかと思うわけですね。


そういうと、ナントナク”仕方なくそっちに行く”ように聞こえてしまうかもしれませんが、必ずしもそういうわけではなくて、「組み合わせ」は、他の分野においても行われていることでもあり、しかも、とても有効な方法でもあると思っていますので、むしろ、積極的にそちらに向かうことはイイことだと思うわけです。

もちろん、「多重化」なんて必要ないような「純粋でストレートな表現」もあっていいでしょうが、その領域が残っていないのに、そこに固執することはあまりイイことではないと思うわけですね。


なんで「純粋な表現の領域」が、そんなにも少なく成ってしまったかと言えば、「芸術の20世紀」において、あまりにも精力的に刈り取られてしまったからだと思います。


つまり、「芸術の20世紀」においては、一人一人の創作者が、それが本当に「自分のスタイル」であるのかどうかを吟味することなく、次から次へと新しいスタイルを作りかけては完成させずに放りだすということを繰り返していたために、「人間の世代交代のサイクル」を「新しいスタイルが創り出されるサイクル」が追い越してしまったわけです。

 ※これは、必ずしも「力不足の作家」が、そういう中途半端なことをやったと言う話
  ではありません。
  「力のある作家」も「ごく普通の作家」も、やっていたことに大差はないと思います。
  違うのは「「力のある作家」は、よりたくさんの「スタイル」に手を出すことが出来て
  しまうということです。
  つまり力がある人ほど、たくさんの「スタイル」を刈り取ってしまったと言うことに成
  るわけです。

  「芸術の20世紀」においては、「本当の自分のスタイル」を時間をかけて見つけ出
  すことが出来た人は少なかったと思います。

たとえ未完成の状態でも、一度提示されたスタイルと言うのは、「スタイル」としての位置を持ってしまうようで、それを、ちがう人がやれば「モノマネ」のように見えてしまうわけです。

ハッキリ言うと「芸術の20世紀」において提示された「スタイル」は、実際には、ほとんどすべてが未完成であったと言ってもいいんじゃないかと思うわけです。

だからこそ、恐ろしい勢いで大量生産されてしまったんだと思いますが、その結果、それが「人間の世代交代のサイクル」を圧倒して、現在の「芸術の場」には、「純粋な表現の領域」がほとんど無く成ってしまったんだと思うわけなのです。


本当は「新しいスタイル」がそんなにたくさん量産されることはあり得ないことで、一人一人の創作者が生涯を通じて一つの「スタイル」に到達するというのが本来の姿だと思います。
というよりも、すべての人が「独自のスタイル」を獲得できるわけではなく、そこに到達できる人は、そう多くは居ないはずでしょう。


それならば、「スタイル」が出尽くしてしまうまでには、「人間の世代交代のサイクル」が何世代も入れ替わるくらいかかるわけですから、一通り出尽くしたころには、はじめの頃の「スタイル」は、もうとっくに忘れられているでしょう。

だから、また、その「スタイル」に近いものが生みだされても「モノマネ」のような違和感を感じないわけです。
(あくまで、偶発的に似かよった「スタイル」になってしまった場合ですが)

そういう循環が出来ていれば、常に「純粋な表現の領域」が確保されていたんだと思います。


でも、実際には、そうならずに、「純粋な表現の領域」はどんどん狭められてしまったということです。

そんな中で、極端に狭くなってしまった領域の中で足の踏み場を探して、ちょっとでも早く着地した者だけが、なんとか「表現の領域」を確保するというような状態が、今の「芸術の場」の状態だと思うのです。


そういった状況から抜け出すために、私は「芸術の20世紀を喪失すること」を選択したわけですが、『喪失しました』と言っても、キレイサッパリ消すことが出来るわけでもないので、やはり、「一度提示されてしまったスタイル」はもう「足の踏み場」とはならないわけで、そこで、ギュギュウ詰めになってしまった「芸術の場」に「空き領域」を作るためには、当然のこととして、「芸術の領域」自体を広げなければならないということに成るわけです。

それには、「多重化」することしかないように思うというわけです。


さて、そこで、『なんで、既存の表現形態の中で多重化しなければならないのか?』ということです。

現在、多くの創作者が、表現形態を組み合わせることを模索していると思いますが、私が知る限りでは、「既存の表現形態」の枠を外すような試みが多いような気がしています。

つまり、まったく違う表現形態との間で「コラボレーション」するということですね。

そういうのがワルイと言うことではありませんが、ただでさえ、「純粋な表現」と言う「枠組み」を、やむを得ず部分的に崩しているわけですから、出来るだけ、その「崩し」を少なくしたいと思うわけです。


それで、私の場合は「既存の表現形態の中での多重化」にこだわっています。

 ※「既存の表現形態の中での多重化」と言うのは、要するに「絵」なら「絵の中で
  の多重化」ということです。
  つまり、「絵と、絵と無関係のモノとの間での多重化」ではないということです。

  私の場合、「額や題」を使って「多重化」することを考えていますが、「額や題」
  はもともと「絵」を前提にして存在するものだということで、「絵の中」として
  扱っています。
  私自身は、「絵の中での多重化」を中心に考えていますが、必ずしも、ほかの表
  現形態との間で「多重化」することを否定的には考えていません。
  ただ、範囲を際限なく広げてしまうのは避けた方がいいと思っています。
  
これは、広げられる「領域」は少ないかもしれませんが、最低限の「純粋性」は保存されるんじゃないかと思っています。
逆に言うと、「表現形態の枠組み」まで崩してしまうと、最低限の「純粋性」までも失われてしまう可能性があると危惧するわけですね。


「領域を広げること」は悪いことではないと思いますが、「領域を際限なく広げること」は、結果的に内容を薄めることにしかならないと思うのです。

どんなに濃い一滴の「純粋性」であっても、限りなく広い海に落とされてしまえば薄まってしまいます。
そこは、やはり、限りある「領域」の中での「多重化」を何とかして成し遂げなければならないんじゃないのかなと。

そんな風に思っているわけです。



「多様化」と「多重化」



時代とともに、世の中のいろいろなことが「多様化」してきているとよく言われたりしますけど、「多重化」と言うことが言われる機会は、それに比べると少ないような気がします。


私は「芸術の多重化」を目指してやっているんですが、「芸術」だけじゃなくて、他のことでも、もう少し「多重化」と言うことが考えられていいような気がしているわけです。

もちろん、「多様化」がワルイと言うことではないんですが、「多様化」ばかりで「多重化」が少なすぎると言う気がするわけです。


「多様化」はいわゆる「ヴァリエーション」だと思います。
それに対して「多重化」は「密度」だと思うんですね。


まぁ、例えは悪いかもしれませんが、ハンバーガー・ショップで言えば、ありとあらゆる種類の「〇〇バーガー」があるのが「多様なバーガー・ショップ」で、種類を絞って、ベストな食材を組み合わせることで『これが美味しいよ!』と言うのが、「多重化したバーガー・ショップ」と言うようなことだと思います。

そういうと、「多重化した店」の方が、断然いいように聞こえますが、もう一方で、人間と言うのは贅沢にできていますから、どんなに美味しくても、一種類じゃ満足できないということがあるわけで、いろいろな種類の中から選びたいとか、今日は違う種類のものが食べたいということに成るわけです。

現に、チェーン展開しているような店舗では、ほとんどの場合「多様化路線」でやっていますよね。


ところが、なぜか、単独のお店だと、単品メニューの店が人気があったりすることも多くなります。


要するに、チェーン店には、もともと「多様化」を求めている人が行くわけですから、それでいいということでしょうし、単独店には、そういう「多様化」を、それ程求めていない人が行くわけですから、そちらもまた、それでいいということなんでしょうね。


つまり、「多様化」と「多重化」には、それぞれの「向き・不向き」があるということだと思います。


「多様化」と「多重化」の比重にやや偏りがあるために、その辺のところが、見えにくく成っているんじゃないかなと思うわけです。
つまり、「多様化に向いているモノ」と「多重化に向いているモノ」があると言うことが見えにくく成っていると思うんですね。


「芸術」は「多重化」に向いていると思いますし、ここで言う「多様化」には、それほど向いていないように思うわけです。


それなのに、「芸術」においても「多様化」が進められつつあるという印象があって、そういう場面に出会うと、なんとなく場違いな印象を受けることも多いわけです。


「多様化」がイケナイと言うことじゃなくて、「多重化」がソッチノケと言うのが場違いに感じるわけですね。


実際、「現在の芸術」においては「新しいヴァリエーション」を提示することが求められているような気がしますし、その「新しいヴァリエーション」を示しさえすれば、「内容の密度」はそれほど問題にされないという傾向はあると思います。

これは、「現在の芸術」が抱えている「行き詰まり」からきているような気がするんですね。
早い話が、「新機軸」が求められているわけです。

でも、今はもう、一つの「新機軸」が現状を打開する時代じゃないと思うんですね。
そうやって「多様化」することに頼って行ってしまうと、「幅」だけが広がって行って「密度」はドンドン薄まって行ってしまうんじゃないでしょうか?


現状においては、なるべく限られた領域で「多重化」していくことで「芸術の密度」を取り戻して、そこから、新たなスタート・ラインを仕切りなおすような気持ちが必要なんじゃないかと思うわけです。


そういうわけで、出来るだけ範囲を広げずに、狭い範囲で「多重化」していこうかなと。

そういう風に思ってやっておりますです。




「意味」が希薄な部分に「意味」を補充するという作業



私が考えるところの「芸術の多重化」についての話です。


芸術作品に関することの中で、作品自体ではないけれど作品に影響があることっていうのが、けっこうあると思うわけです。


たとえば、私自身がやっていることで言えば、「額」もその一つですし、最近になって考えるようになった「長い題」もそうですね。
(こういうの、まだ、ほかにもあるんじゃないかなぁ?)


そう言う「作品周辺のモノ」って、これまで、かなりナイガシロにされてきたような気がするわけです。


『なんかオシャレじゃないんだよねぇ「額」って』みたいな感じですか?

「題」なんかでも、モノスゴク当たり前の「題」があるかと思うと、正反対に、どう考えても、見た人が作品と結びつけることが不可能な「題」もよくありますよね。


そういう「題」を見ると、たぶん、この作者は、『「題」なんて重要じゃないんだよ!』って言いたいんだろうなと思ってしまいます。


要するに、軽視されているっていうことなんでしょうね。
そういう「作品周辺のモノ」達がですね。


言い換えれば、「意味が希薄」なんですね。

作品との関わりとしては、かなり影響のある近い位置にあるのに、作品を重視することばかりが考えられてきたために、そういう「作品周辺のモノ」の「意味」が希薄になってしまったんだと思います。


そして、そういう「意味」が希薄な部分に「意味」を「補充」していけたら、一つの展開と成り得るんじゃないか?と思っているわけです。


実際は、作品を重視していくと、必然的に「作品周辺のモノ」にも意識が向くというのが自然なんじゃないかと思うわけです。
そういうことが、一つの「芸術の多重化」に成ると思っています。


「現在形の絵」においては、「額なし」が主流になってきていると思いますが、実際には、「額」がないということも、その絵の「見え方」に影響しているわけで、「絵の周辺」と言うスペースが存在する限り、必ずそこに影響が出てくるわけです。


「額装しないこと」も「額装の一種」であるという考え方もあるみたいですし、私もそう思います。
どっちみち影響があるんだったら、もうチョット見直してやってもいいんじゃないか?と思うわけですね。

つまり、そういう「影響がある部分」が、「意味が希薄」な状態のまま、放置されているのはモッタイナイと思うわけです。
(というか、気に成らない方がオカシイんじゃないの?)


いつの時代も、芸術においては、いろいろな人が、いろいろな創意工夫をしていると思いますが、それらは多くの場合「新しさ」を追求しているわけです。


私は、現在の芸術において、「新しさ」とは「スタイルの新しさ」だと思うのです。
「スタイル」は「形式」と言ってもいいと思います。
つまり、作品や表現自体と言うよりは、それらの「形式」が新しいことで「新しさ」を感じることが多いわけですね。

ということは、「新しさ」を追うということは、「作品の内容」とは必ずしも関係のない所での、「形式の新しさ」を追い求めるということなわけです。

そして、「新しさ」が求められ続けた結果として、「内容」が希薄になりつつあるという印象があるわけです。


現在、芸術において「ストレートな表現」を目にする機会が少なく成っていると思います。

みんな純粋な気持ちで始めるんだと思うんですが、その過程で、「新しさ」と「ストレートな表現」の二者択一を迫られますから、どちらかを選んで、どちらかを切り捨てなくてはならなく成るわけですね。


「新しさ」を選択した人は、比較的成功する確率が高くなります。
「ストレートな表現」を選択した人は、評価されにくくなります。
ドッチツカズの人は、絶対に評価されません。

だから、今は、「新しくてストレートじゃないモノ」が多いんだと思います。


芸術表現に、未開拓の領域がたくさんあった時には、作品自体の「ストレートな表現」で、同時に「新しさ」を追求することもできたのかも知れませんが、現在は、「新しさのサイクル」を上回るスピードで開拓が進められてしまうので、未開拓の領域が無く成ってしまったんだと思います。


そういうギュウギュウ詰めの状態の中に、「新しさ」を無理矢理ねじ込む過程で「ストレートな表現」が切り捨てられていってしまうわけです。


そこで、「スタイル」=「形式」の「新しさ」、の部分を、「作品周辺のモノ」でまかなえたら、いいんじゃないかと思うわけです。


それは「作品自体」ではないので、「作品自体」が「ストレートな表現」のために確保できるということですね。


そういったことから、「今まで意味が希薄だった部分」に「意味」を補充していけたら、チョットだけ、良くなるんじゃないのかなと。


そういうことを考えていたりもするわけです。




「背景学」



いま「絵を描くこと」において、「背景」についての考え方がとても重要だと思っているわけです。
だから、この「背景」の部分を考える分野として、「背景学」というようなものがあってもいいんじゃないかと思うわけですね。
(もしかしたらあるのかも知れませんが、検索しても出てこなかった)


たとえば、「抽象画」においては「背景」という概念が否定的に捉えられる場合が多いと思いますが、そのことによって、「抽象画」が解りにくいものに成っているような気もします。


現在の「抽象画」は「モノを描いてはいけない」という考えに縛られていると思います。


「背景」は「モノを描くこと」によって発生する概念だと思いますから、『モノを描かない』ということに成れば、当然「背景」という概念も失われてしまいます。

逆に言えば、どんなに抽象的な絵でも、そこに「背景」を設定するだけで、「モノ」の存在が浮かび上がって来てしまいます。
つまり、「背景」との対比によって、どうしても「モノ」の存在が浮かび上がってしまうわけですね。
だから、、「モノを描いてはいけない」という縛りによって、「背景」も使えなくなってしまうわけです。


そして、そのことによって、「抽象画」は非常にわかりにくくなっていると思うわけです。

要するに、「背景」と「モノ」の対比が無いことによって、どうしても”漠然として”しまうわけですね。
つまり、『画面全体が純粋に絵である』ということだと思うんですが、これ、言葉の上ではとっても理想的なんですが、実際には、やはり”漠然とした”感じに成ると思います。

それを、『抽象画はワカル人とワカラナイ人が居るんだよ!』と言ってきたわけですが、でも、本当に『画面全体が純粋に絵である』というように成っていれば、みんなワカルはずです。

つまり、『画面全体が純粋に絵である』は、実現出来ていないということですね。
それで、「抽象画」が、「漠然とした絵」に成ってしまっているわけですね。


実際は、「抽象画」が、「ワカリニクイ」だけではなくて、「漠然とした絵」であることで一層わかりにくくなっているんだと思います。


こういう状況を打開するためにも「背景」を専門的に研究することが役にたつんじゃないかと思います。

また、具象的な「絵」においても、「背景」を問い直すことは役立つんじゃないかと思います。


現在、具象的な表現の絵においては、「描くモノ」にばかりに注目が集まる傾向があると思うわけです。
つまり、「描くモノ」で、「何かしらのオモシロサ」を提示することが求められているわけですね。

しかし、そのことによって、「気をてらったモノ」が主流を占めるようになってきているわけです。


「オモシロイこと」がワルイとは思いませんが、それは、「主流」に立たされると、オモシロク無くなってしまうような気もします。

そこで、「背景」によって「オモシロサ」や「アタラシサ」が出せれば、「気をてらったモノ」を描く必要が薄くなるんじゃないかと思うわけです。


つまり、「背景との関係性」で「オモシロサ」や「アタラシサ」が出せれば、「描くモノ」については『”マットウ”でもOK』と言うこと成るだろうということですね。

 ※実際に、「背景処理」によって、「絵」に独自性を出している作家は多いと思います。
  というか、「背景」に何等かの工夫がないと、ほとんどの場合、独自性を持ったスタ
  イルにはならないと言ってもいいような気もします。

  だから、「背景」を独立した分野として考えていくのは、けっこう有効なことだと思いま
  すね。

以上のようなことから、「背景学」というのを考えていきたいなと。

そんな風に思っているわけです。




「多重化」で「芸術表現」を広げられるだろうか?



私が考えているところの「芸術の多重化」についての話です。

 ※「芸術の多重化」と言うのは、出来るだけ既存の表現形態の中で、多くの要素を
  取り込んでいくことによって、「芸術の領域」を広げることを目指して、私が使って
  いる言葉です。
  私自身の場合で言うと、「絵と額」とか、「絵と題」の間で「多重化」を目指しています。
  その場合、「既存の表現形態」に当たるのが「絵」で、「多くの要素」に当たるのが
  「額」や「題」に成るわけですね。
  つまり、「絵」という表現の中に、別の要素として、「額」や「題」を取り込むということに
  成ります。
  「絵」自体の中でも「多重化」しつつ、さらに別の要素も取り込んでいけたら、少しは
  「芸術の領域」を広げられるだろう、というようなことで、そんなことをやっています。


私は「芸術表現」は「多重化」していくしかないだろうと思っているんですが、それは、「多重化」で「表現の領域」を広げることが出来ると思っているからなわけです。

とは言っても「多重化」=「無限」というわけではないですから、所詮限りがあるわけですが、でも、それは「無限」ではありませんが、明らかな「有限」でもないと思うわけです。


「多重化」しない場合は、どうしても限界がすぐに見えてしまうわけですが、「多重化」することによって、「限界までの距離」をかなり延ばすことが出来ると思うんですねぇ。

実際、「現在の芸術」は、その「限界」に達した後、その状態を半世紀以上も続けて居るために行き詰ってしまっているわけです。

これは、他の分野に当てはめて考えれば当然のことです。


たとえば「料理」で言えば、大航海時代には、新世界が発見されるたびに「未知の食材」が旧世界に持ち込まれたわけです。

その頃までは、「料理」が「多重化」する必要がはなく、いつも「新素材」を使って「新しい料理」が生み出されていったんだと思います。
つまり、ほとんど同じ料理方法でも、「素材のチガイ」だけで、「チガウ料理」に成っていたということですね。


ところが、地球の全体像が把握されるに至って、もう「新大陸」は無くなってしまいました。
当然、「未知の食材」もネタ切れに成るわけです。


そこで、「多重化」が必要に成るわけですね。

つまり、限られた食材の中で、「料理」自体が「より複雑な料理」へと「多重化」していく必要が出てきたわけです。


単純に言って、「いい食材」に塩を振って焼けば十分に美味しくなると思います。
でも、それでは、すぐに「限界」が見えてしまいます。

まぁ、一言で言えば飽きてしまうわけですね。


そこで「未知の食材」が出現してくれれば、また飽きずにおいしく食べられます。
でも、もう「未知の食材」がなくなった段階に成ると行き詰ってしまうわけです。

それでも、また、しばらくして「同じ食材」に塩を振って焼けば、美味しく食べることは出来ます。
でも、それはもう「創作された料理」とは言えないわけです。


そして、この『創作されたものではなくなってしまう』という部分については、「すごく美味しくてまったく飽きない食べモノ」があったとしても同じことなんですね。
要するに、その段階に成ると、「美味しいだけ」じゃ物足りなくなってしまうということですね。


こういうことと同じことが、いま「芸術」で起きていることだと思います。


単純に言って、「美しいモノ」を見つけてきて、それをそのまま描けば「美しい絵」になります。
これが「塩だけの料理」に当たります。

十分に美味しいし、十分に美しいし、何か不足があるわけではありません。
ただ、今はもう、それらが「創作された料理」でも「創作された芸術」でもなくなってしまったということです。

それらは、いま食べても十分に美味しいし、いま見ても十分に美しいんですけどね。


少なくとも「創作された芸術」を目指す場合に限っては、それでは足りなくなってしまうということです。
そこで「多重化」するしかないと思うわけですね。


たとえば、「すき焼き」という料理がありますが、「多重化」の見本だと思いますねぇ。

「焼き物」でもあり、「煮物」でもあり、「肉料理」でもあり、「野菜料理」でもあり「豆腐料理」でもある。
しかも、「卵料理」とも言えなくもないという。

あんな料理を、「牛肉文化」を持たなかった日本人がいきなり創り出せたのはスゴイことだと思います。


「牛肉食文化」が無かったために、かえって自由な発想が出来たのかも知れませんね。

「すき焼き」の場合は、「新たな食材の出現」と「多重化」が同時に起きたということでしょう。


そちらはともかくとして、話を「芸術」に戻すと、「芸術」も「多重化」するしかないような気がするわけです。


出来ることなら、行き詰る前に「多重化」してもらいたかったモノですが、今からでも、「多重化」は有効だと思います。
というか、そこにしか行く方向が無いと思うわけですね。


「芸術」が「多重化」していくことで、「限界」を少し遠い位置に置くことが出来れば、「芸術」においても、ある程度の周期をもって、反復が可能になると思っています。


先ほど、ただ美しいものを描いても、それはもう「創作された芸術」とは言えないと言いましたが、一定の期間が過ぎて「完全に忘れ去られた食材」を復活させれば、それは「新たな料理」と言えるでしょうし、それと同じ意味で、「多重化」した「芸術」においては、ある一定の期間を経て、少しづつズレながら螺旋を描くように周期的に同系統のスタイルが繰り返されることは「創作された芸術」の範囲に含まれると思っています。


厳密に言えば「純粋な創作」とは言えないのかも知れませんが、逆に言えば、「厳密な模倣」や「厳密な伝統の踏襲」とも言えませんし、本当のことを言ってしまえば、「完全に純粋なモノ」なんて人間には創り出せないと思います。

だから、その辺の範囲までを「創作された芸術」に含めても問題ないように思います。


でも、芸術の流れがそういった「繰り返し」に成っていないところに問題があると思うわけです。


「芸術の20世紀」以降は、常に「最も新しい芸術」が賞賛されてきましたし、それは「次の芸術」が現れた途端に、「過去の芸術」とされてきました。


そして、「ポップ・アート」の後、その「次の芸術」は現れていません。
というか、「次の芸術であること」自体が飽きられてきています。

それで行き詰ってしまっているわけです。


そこで、『「多重化」しかないでしょ!』と言いたいわけです。


これからも、延々と「ポップ・アート」を焼き直し続けますか?
それとも、「多重化した芸術」を目指しますか?


と、そんな風に思うわけなのです。


「コンポジション」は「多重化」によって、さらに有効になる




「芸術」において、「コンポジション」という言葉は「構成」とか「構図」などと訳されますが、要するに「ナニカとナニカを組み合わせること」を「コンポジション」と言っているんだと思うわけです。


主に「絵」についていえば、それは「構図」と訳されることが多いわけですが、「色と色の組み合わせ」や「線による表現と面による表現の組み合わせ」など、単に「構図」とは言い切れない意味も含まれていると思います。

いずれにしても、この「コンポジション」は「絵」においては、全体のイメージを決定づける重要なものなんだと思います。

そして、その重要な要素である「コンポジション」を、「多重化」と結びつけることによって、さらに「有効性」を高めることができるんじゃないかと思っているわけなんですねぇ。

いろいろな話にしてしまうと、ややこしくなってしまいそうなので、一応、ここでは「絵」に限定した話とします。


「絵」における「コンポジション」は「構図」と訳されていることが多いようですが、「構図」は間違いなく「絵」の全体像を決定づける大事なものだと思います。

ただ、現在において「構図」というものは、もう出尽くしてしまっているということがあるわけです。
ありとあらゆる人が、数百年にわたって、ありとあらゆる「構図」を考案し続けてきて今日に至っているわけですから、当然、「新しい構図」に残された領域が極めて少なくなっているわけです。

それは、なにも「構図」だけに限ったことでもなくて、「芸術表現全般」において言えることではあると思いますけど、なにせ「構図」は、先述のように「絵の全体像を決定してしまうような重要な要素」であるわけですから、その「構図」が似ていると、どうしても同じようなものに見えてしまうわけで、創作者の「そのヒト性」が見えにくくなってしまうわけなのです。


特に「抽象画」においては、『構図で決まってしまう』という性質が強くなると思いますね。
「抽象画」は、基本的に、ナニが描いてあるのかは伝わらないことが多いので、「ディテール」の部分で勝負するのは難しくなるわけです。
「ナニかわからないもの」の「ディテール=詳細な部分」では、やはり表現できるものが限られてしまいますよね。
(「抽象」は「ナニでもないものを創り出すこと」だと思いますので)

そうなると、どうしても、「全体像」で勝負することに成るわけです。
それで、「構図」の影響が大きくなるんだと思います。


少なくとも、「絵」を「平面」と考えるなら、基本的に「四角い(丸でも)平面」の中に、取ることができる「構図」というのは、ある程度限られてくるわけで、それはもう出尽くしてしまっているといってもいいんじゃないでしょうか?

そんな中で、「絵」に自分なりの「独自性」を見つけ出そうとすることが、かなり難しいわけです。

こう言ったことから、「現在形の美術」においては、「平面を離れた創作」へ向かう傾向があるのは確かなことだと思うわけです。
そういう方向性自体が間違っているとは思いませんが、そこに、やや安直な傾向があるのも否定はできないような気がするわけです。

確かに、古くからある「絵画」とか「彫刻」とかといった「既存の表現形態」を離れることには、ある種の解放感を感じることでもありますし、ある種の可能性も、そこにあるとは思いますが、それは『なんとなく、こっちのほうがオモシロそうだから』ということではないと思います。

今後、このような方向性がますます強調されていき、「平面」という意味での「絵」というジャンルが、「芸術の領域」の中で徐々に小さなジャンルになっていってしまうと、「芸術の広さ」は限りなく広がっていくのかもしれませんが、「芸術の深さ」は限りなく浅くなってしまうんじゃないかと思うわけです。
つまり、密度が薄くなっていってしまうような気がするわけですね。

とは言え、前述のように「構図」には限界がきているわけです。

そうなると、「コンポジション」を重視しつつ「構図」には頼れないという厳しい状況になるわけで、そこをなんとかしないと「芸術の密度」を取り戻すことは難しいということになってくるわけですねぇ。

さて、そこで、使えるのが「芸術の多重化」という発想だと思うわけです。
(まぁ、『私はそんなことをやってます』という話ですけどね)

「構図」というものを、「一様な平面における構図」と考えれば、その一つ一つの「平面」を重ね合わせて「多重化」すれば、「構図」と「構図」による「構成」、つまり、複数の「多重化」した「構図」どうしの「コンポジション」が可能になるわけですね。
つまり、「一様な平面」の中で、新しい領域がなくなってしまった「構図」に、「複数の平面」を重ね合わせていくことで、新たな「コンポジションの領域」が生み出せるんじゃないか?ということです。

といっても、簡単ではないですが、少なくとも、そこに新しい「空き領域」があることだけは間違いないと思います。

もちろん、こんなことを言っていても、自分が「多重化」をうまく使いこなせているのか?というと、まったくそんなことはなく、雲をつかむような作業を繰り返しているだけなんですが、それでも、そこに「空き領域」があることだけは見えてきています。
そのことで、とりあえず向かうべき方向があるわけですね。
「空き領域」だけは見えていますから、そうそう見失うこともありません。

それから、この「空き領域」は、現在に至って、はじめて「芸術に与えられた領域」なんじゃないかと思っています。
要するに、「抽象表現」というものが、ようやく人の意識の中に、抵抗ないものとして定着して来たことによって、この「空き領域」ができてきたと思うわけです。
(ある意味で、「抽象」が飽きられたことで「空き領域」が出来てきたと言ってもいいかもしれませんね)

つまり、「コンポジション」における「多重化」を考えるとき、「具象表現」ではむずかしいと思うんですね。
(これは「芸術の多重化」全般においても言えることだと思います)

と、ここで、話が長くなりそうなので、次の記事につなげます。




「コンポジションの多重化」は、今だからできること(今しかできないこと)



前の記事からの続きです。

「コンポジション(=構図や構成)」における「多重化」は、「平面」としての「絵」に「新たな空き領域」を提供してくれるんじゃないか?
そして、その「空き領域」は現在に至って、生み出されるべくして生み出された「芸術の領域」なのではないのか?
つまり、「抽象表現」というモノが一般的に抵抗なく受け入れられるようになりつつある現在に至って、その「一般化した抽象表現」を使うことで、はじめて生み出され、また、使うことができるようになった「領域」なんじゃないだろうか?
という話の続きです。


まず、はじめに、「具象表現」では「コンポジション」を「多重化」することができないということがあるわけです。

「具象表現」においては、主に「現実」が基準になりますから(「非現実」の中にも「具体性」は在り得ると思いますが、「現実」を伴わない「具体性」を使った表現を「具象表現」とは言えないと思うわけです)、「モノ」とか「空間」とか「距離」とか「大きさ」などという現実世界においては、消すことができない「存在」というものを無視することができないわけです。

ということは、「具象画」の中では「存在しているもの」を描く必要があるし、いかなるものでも「具象画」として描くということは、それが「存在していること」を基盤にして成り立っているということに成るわけです。

ということは、「具象画」においては、「ある一つの空間に存在しているもの」を描くことになるわけで、それは「同じ平面に描くこと」とほぼ同じことなわけですから、どうしても複数の平面を組み合わせて「多重化」するということが難しくなってしまうわけですね。

そこのところを、やや無理して、「具象表現」の中に「違う空間」や「複数の平面」を作り出すことは可能だと思いますが、どうしても無理がありますから、「いろいろな事象の多重化」というよりは「一つの事象のなかでの折衷」というような形になってしまうことが多いと思います。

 ※これは、たとえて言えば、夢の中で、いろいろなことがとっかえひっかえ
  現れてくるような感じになるわけで、それは「多重化」とは違うことだと
  思います。 
  それは、「コラージュ」のような感覚になると思いますが、「コラージュ」
  が面白いのは、「バラバラ」だからであって、融合された一つのものに成
  っていないという所なんじゃないかと思うわけです(夢も)。
  この場合の「多重化」は、そういう複数の局面を「融合する手段」として考
  えていますから、やはり少し違うものだと思います。

その反面、「具象画」の中に「非存在的なもの(存在であることを無視しているもの)」を描きこめば、それは「絵の中」とは認識されなくなってしまうわけで、当然「絵の外」という認識をされてしまうことになるわけです。

そうなると、つまり、「具象画」においては、「絵の中」と「絵の外」との間での「多重化」はできても、「絵の中」同士の「多重化」はできないということになるわけです。


ところが、その点、「抽象表現」を使った場合は、その絵に描かれているナニカが「存在している」という必要はありません。
というよりも、「非存在的なもの」を創り出す作業を「抽象」というんだと思いますから、むしろ「存在していること」を排除したいという感じもあるわけですね。
だから、「抽象画」の中では、「非存在的なもの」を「多重化」することが出来るわけですね。

そして、「存在」という束縛がない分だけ、自由な「多重化」ができるということです。
つまり、「ある一つの空間」とか「ある一つの世界観」とか「ある一つの事象」という「具象(具体)的なもの」に縛られることなく、その時々で、勝手に「事象」を入れ替えても、それを「一つの絵」の中で表現することができるということだと思うわけです。

まぁ、要するに、「具象表現」においては「多重化」が「違和感」につながってしまうわけですが、「抽象表現」においては、「多重化」が「違和感」を感じずに見られるということなんだと思います。
(「抽象画」は、「多重化」とは別の所での「違和感」を伴うわけですが)

以上のようなことから、「芸術の多重化」には「抽象表現」という形態が適していると思うわけですが、さらに言うと、その「抽象表現」が一般に普及して、かなりのところまで「違和感」なく受け入れられるようになった現在においてこそ、「芸術の多重化」がより有効になるということもあるんじゃないかと思うわけです。
(「抽象」は「違和感」を残したままの状態で飽きられて来ていると思いますけどね)

つまり、「抽象表現」が現在ほど普及していなかった頃までだったら、せっかく「違和感」なく「多重化」できても、それ以前に「抽象に対する違和感」が大きすぎて、意味がなかったんじゃないかと思うわけです。
(「芸術」は「鑑賞者」から拒否されてしまえば、そこで「行き止まり」ですからね)
(それでいて、「鑑賞者の評価」を目指してしまっても、やはり、そこで「行き止まり」です)

だから、「芸術の多重化」は、「今だからこそできること」なんじゃないかなと思うわけです。

さらに言うと、この時期を逸してしまうと、もしかすると、また意味を失ってしまうような気もするので、そうならないためも、それは「今しかできないこと」なのかもしれないなと。


そんなことを言いたかったわけなのです。



プロフィール

ふたつ

Author:ふたつ
※トップ画面とプロフィール画像の絵は習作として描いた絵です。

ご訪問いただき、ありがとうございます。

自分自身の制作に対する姿勢を示した「宣言文」をブログの形で発表するのは、筋が違うのかとも思いますが、このような形しか思い当りませんでした。
ご容赦ください。
興味のない方にはたぶん面白くないでしょう。

ただ、私はここに書いたことがこれから確実に起きることだと思っています。
と言うよりも、すでに起きていることだと思っています。
「天才の時代」は、もう終わらせなければいけないと思うのです。
「天才」なんてもう何処にも居ないのだと思うのです。
「天才」は、もう誰にとっても必要ないモノに成っているんじゃないでしょうか?。
「普通の人」が、もっともっと芸術に関われるようになったら、
少しいいんじゃないかと思います。

いえ、芸術に限った話でもないのです。
全てのことが、今よりもっと「普通」でいいんじゃないでしょうか?
「個性とは実は最も普通なことなのではないのか?」
私はそんな風に思うのです。

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1960年の生まれです。
横浜在住です。
過去に何一つ実績と言えるものはありません。
30歳に成った頃、絵を描き始めました。
その後、細々と美術に関わる仕事をしていましたが、自己作品の制作にはあまり積極的とは言えませんでした。
2013年のはじめ頃から、自己作品に対する欲求が生まれ、現在は妻の収入に頼って、ようやく制作に漕ぎ着けております。

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読みづらいところもあるかとは思いますが、読んでみて下さい。


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