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「日常空間で見る絵」と「非日常空間で見る絵」

現代の絵画は

「日常空間で見る絵」と「非日常空間で見る絵」という二つの路線に、

かなりクッキリと別れてしまっていると思うわけです。

 ※この記事は「美術館で芸術を見る」という前提で描いていますが、
  私自身は「芸術が創り出す幻想」を「日常空間」に持ち込むことで、
  「日常空間」の中に「非日常空間」を生み出すことが出来れば、そ
  れが理想的だと思っております。

要するに、「家に飾るような絵」と「美術館で見るような絵」と言うことになるわけですが、

この二つは、「インテリアとしての絵」と「芸術表現としての絵」と言ってもいいと思います。

これをさらに言い換えれば、

「何の気なしに見ても疲れない絵」と「見るとチョトつかれる絵」と言うことになります。


この二つが、別れてしまっていることは、ある程度仕方がないことだと思うのです。

やっぱり、目的が違うというところがあるわけですし、

目的が違うものは、別れていたほうがイイような気もします。
(やや、離れ過ぎのような気もしますけど)


しかし、この「二種類の絵」が、実際には「違うもの」に成っているのに、

混同されていることが非常に多いと思うわけです。


これは、「芸術」や「絵画」の歴史を考えれば当然のことで、

もともと「絵画」は「インテリア」などの装飾品の一種として成り立ってきたわけで、

そこから、徐々に「芸術(表現)」としての性質を持つようになっていったのでしょうから、

ある時点から、突然「芸術」に成ったということでは無いわけで、

「芸術性」を持つようになった後も、長い間「インテリア性」を同時に要求され続けてきたわけです。


それが、「芸術の20世紀」に入ったころからは、

「絵画」などに「純粋な芸術性」が求められるようになっていったことで、

徐々に「インテリア性から離れた絵」が現れてきたんだと思います。

と言っても、「インテリア性から離れた絵」が出てきた後も、

「インテリアとしての絵」は存在し続けるわけですし、需要もあるわけですから、

当然高く評価されるものも出てくるわけで、

現在に至るまで、常に「芸術の流行」は

この「二種類の絵」の間を行ったり来たりしてきたと言ってもいいと思います。


まぁ、そんな状態ですから、この「二種類の絵」が混同されているのも当然と言えば当然ですのことですね。


いずれにしても、この「純粋な芸術性」という需要を満たすために、

「美術館」と言う「非日常的な空間」が、一般化していったんでしょう。


そして、こんどは、その建てられた「美術館」に見合うような「作品」が、

「創作者」の側に要求されるようになっていったというわけです。


その後は、「美術館」が巨大化すれば、その「巨大化した美術館」に見合う「作品」が、

「美術館」が近代化すれば、そういう「近代的な空間」に見合うような「作品」が

要求されるようになっていくという状況に成っているともいえるわけです。


つまり、もう「芸術」が主導しているのではなく、「メディア」が主導しているというくらいで、
(これは、「美術館」に限らず、「画廊」でも「マスコミ」でも同じようなことが言えると思います)

「芸術」は、それに合わせてついて行くのに精いっぱいというような状態と言えば言い過ぎかもしれませんが、

「創作者」が「メディア側の要求」に影響されている、

あるいは、「メディア側の期待」に応えた「創作者」が生き残っていくというのは事実でしょう。


そして、この「メディア側の判断」が、やや「客観性」や「純粋性」を欠いている場合があるわけです。


もともと「純粋な芸術性」という需要を満たすべく建てられた「美術館」であったハズが、

その「美術館」によって「芸術の純粋性」が損なわれようとしているというところがあるわけです。


「インテリアとしての絵」に「芸術の純粋性」を求めるのには、もともと無理があるでしょうし、
(目的からして違うわけですから)

「芸術表現としての絵」は「非日常空間を必要としますから、

そういう空間を運営している「メディア」の影響を避けられません。

そうなると、どちらにも「純粋な芸術」は無く成ってしまうわけです。


「美術館」はもう少し「開かれた空間」であってもイイように思います。

「無選別の作品」を展示するような日があってもいいと思いますし、

価値の確定していない作品を買い上げる勇気を持つべきだと思います。


その為には、「美術館」が「新たな市場」を創り出す必要があります。

閉鎖的になっている「絵画市場」をオープンにして行くためにも、

「美術館」のような公共性を持った機関が「新たな市場」を作り上げる必要があると思います。


また、「キュレーター」や「学芸員」と言った考え方も変えていった方がイイんじゃないでしょうか?

高額な有名作品を買うよりも、安い「価値の確定していない作品」をたくさん保有して、

ランダムに展示していくという考え方であれば、専門知識を持っていない人間が選んでも問題ないわけで、

ある程度のレベルにある作品をたくさん展示するというやり方もあっていいように思います。


選別の規準は「非日常空間で見る絵」ですね。
(絵に限りませんけどね)

この規準で選んでいないからツマラナクなるんだと思います。

この規準を打ち出すだけでかなり面白くなると思いますよ。

まぁ、ツマラナイ時も多いでしょうけどね。

それは、有名な画家の展示でも同じでしょ?


少なくとも、そういう「ハズレ」を楽しむっていうのも「芸術的な視点」なんじゃないのかなと。

いや、それどころか「ハズレ」こそが、実は最も「非日常的」と言ってもいいんじゃないのかなと。

そんな風に思っているわけです。

※ここに書いたことは「芸術の現状」を踏まえた上でのことで、私個人といたしましては、「日常的な空間」の中に「非日常的な芸術」(これを「幻想」と言ってもいいと思います)が持ち込まれるように成ることや、そういうことが常識になっていくことを希望しておりますです。ハイ。




「おウチ絵」と「おシロ絵」

一般的な「庶民の住宅」に飾るような絵と

宮殿や昔のお城のような、「すごく庶民じゃない場所」に飾るような絵を
(今で言えば、「大きな美術館」ということに成るんでしょう)

同じように「絵」と言う単語で現してもイイもんなんでしょうかねぇ。



イイ・ワルイと言うよりは、

その二つの「意味」って、かなり違うんじゃないのかなと思うわけです。


もちろん、空間的な広さや高さのチガイもありますが、

「生活感のない場所」と「生活のための場所」というチガイもあるわけで、

「その場所の持っている意味」が違えば、

「同じ絵」でも「同じ意味」には成らないと思うわけです。


絵を描く人は、この「おウチ絵」と「おシロ絵」のどちらを選ぶのか?

という選択を迫られている部分があると思うわけです。


これ、要するに、「一般人の方を向いて描くか?」

それとも「専門家の方を向いて描くか?」という二者択一だと思うわけです。


もちろん、「専門家」も住宅に住んでいますし、

「一般人」だって美術館に行くときはあるでしょうから、

そこにキッパリとした境界線が引けるわけではありませんが、

少なくとも、自分がどちらを向いて描いているのか?という問いに、

即座に答えられるようにしておくということくらいは必要なんじゃないかと思うわけです。


現在の創作者や鑑賞者は、

この「おウチ絵」と「おシロ絵」を、時と場合で使い分けないと成らないことがあるかと思いますが、

そういう必要に迫られてとる行動とは別に、

意識として、自分がどちらを向いて描く(見る)のか?ということを

ハッキリさせておくというのは必要なことなんじゃないのかなと。

まぁ、そんな風に思っているわけです。


ちなみに、私は「おウチ絵」を「一般人」の方を向いて描いていきたいと思っていますが、

そういう「おウチ絵」の範囲が、

「インテリア的な絵」から「自己表現としての絵」に、
(つまり、居住空間としての「居心地」を少しだけ犠牲にしてもということです)

少しずつ広がって行けば一層イイかなと。


「生活の場」にも、「ピュア・アート」が入って行けるように成っていったら、

きっと、少し良くなるんじゃないのかなと。


まぁ、そんな風にも思っているわけですね。



「芸術」は「最小限の物質」で、「最大限の心理的な作用」を生み出すということ

最近の美術を見て感じることの一つに、

「作品」や「作品の展示の仕方」が大規模化しているということがあるわけです。


個々の作家単位の作品でも、けっこう「大規模化」を感じることがありますが、

「アート系のイベント」と成ると「町を挙げて」のようなイメージで、

「都市規模」と言う印象です。


そういうのがワルイとは思いませんし、「エンターテイメント」としては当然の成り行きなんだと思います。

ただ、その路線で行き続けると、「芸術」としての方向性を見失ってしまうんじゃないかとも思うわけです。

やっぱり「エンターテイメント」は「芸術(美術)」の本質からは、やや外れていると思うわけですよね。


現時点で、「芸術好きな人」に

『どんなことをきっかけに「芸術好き」に成ったんですか?』と聞いたら、

きっと、多くの人が「どこかでたまたま見た一枚の絵」みたいな

「ごく小さな出会い」を挙げるんじゃないでしょうか?


少なくとも、現時点では「〇〇トリエンナーレ」のような大規模な「アート系のイベント」や、

特別な展示場所にいかないと見られないような「大規模な作品」を挙げる人は少ないでしょうね。
(そういうのは「芸術好き」に成った後で行く人が多いと思います)


でも、このまま「芸術」が「大規模化」して行けば、

今後は「アート系のイベント」などを「芸術好きに成ったきっかけ」に挙げる人が増えていくんでしょう。


そう言う人が増えることがワルイとは思いませんが、

反対側の人たち、つまり、それまで「ごく小さな出会い」を挙げていた人たちが

減ってしまうのは良くないんじゃないかと思うんですね。


そちらの人たちも保存されて、それでいて「大規模系」の人たちも増えるというのは、

やはり、実際上はあり得ないことだと思います。

どうしたって、片方が増えれば、もう片方は減りますよね。

しかも、片方が爆発的に増えていこうとしているわけですね。


今はまだ、「ごく小さな出会い」をきっかけに「芸術好き」に成った人たちが、

そういう「アート系のイベント」に行くというルートで人が動いていますから、

「きっかけ」として「大規模系」を挙げる人は少ないですが、これからは爆発的に増えていくでしょうね。
(動員数が多いですからね)


何が良くないのかと言うと、

「芸術」が方向性を見失ってしまうような気がするわけです。

やはり、「芸術」と言うのは

『「最小限の物質」で、「最大限の心理的な作用」を生み出すものである』と言いたいわけです。


たとえば、「絵」でも「音楽」なんかでも、

そういう「芸術系」が好きな人は、生涯そういうものを愛し続けたりもするわけですが、

よくよく考えてみると、「好きに成ったきっかけ」は

ただ単に、「テレビで見た」とか、「ラジオで流れてた」とか、

それどころか「そこら辺にかかっていたカレンダーの絵」だったりと言うようなこともザラにあるわけです。


しかも、さらに、よくよく考えてみれば、

生涯を通じて、愛し続けた「絵」や「音楽」の中でも、

『けっきょく、本当に好きだったのは「その一枚」や「その一曲」だったんじゃないだろうか?』

と思ったりすることも、まぁ、ちょくちょくあったりするわけです。


つまり、「芸術」と言うのは

物質的には「最小限」で、その「最小限の物質(作品)」が人の心に与える影響が

非常に大きくて、とても長く持続する、そういう媒体なんだと思うわけです。


そして、その「物質的な小ささ」と「心理的影響力の大きさ」とのギャップが

「芸術」に独特のインパクトを与えているように思うわけです。


ところが、物質的に大きくなってしまうと、

そのギャップが無くなってしまうわけで、

そうなると、どうしても物質性のより強いメディアとの相対関係において、

「芸術の必要性」が薄くなってくるわけですね。

まぁ、本質から外れていけば、それが求められなくなるのは当然だと思います。
(実際にそうなってきていると思いますよ。今、芸術って意外なほど求められてない!)


「エンターテイメント」の領域はほかのメディアでもうめられると思いますが、

「芸術」の領域は「芸術」でしか埋められないと思います。


そんなことから、出来れば、もう少し「小規模化」して行ってもらいたいもんだなと。


普通の生活の中で「一枚の絵に直面する機会」が増えていったらいいんじゃないのかなと。

そんな風に思っております。



「幻想の日常化計画」

「幻想」と言うと、どうしても「非日常」というイメージが強くなってしまうわけですが、

わたくしといたしましては、

「幻想」を、「日常化」できたら少しイイんじゃないかな?と思っているわけです。


要するに、「芸術」を生活空間の中に取り込むことが出来れば、

「幻想」を「日常化」することが出来るんじゃないか?ということなんですね。

  ※「絵」を壁に掛けるということは、「日常生活」の中に「幻想スポット」を
   出現させることなんだと思います。

たとえば、旅行に行ったり、テーマ・パークみたいなところへ出かけたり、

もう少しお手軽なことで言えば、映画館に映画を見に行ったりすることで、

「非日常」が「生活」=「日常」の中に取り込まれるということがあるわけですが、

そういうの、ちょっと手間ですよね。


まぁ、大した手間でもないので、それでいいということなんでしょうが、

手間だけの問題でもなくて、どちらかというと、

「人」が「日常」から「非日常」の側へ移動するんじゃなくて、

「幻想」=「非日常」を「日常」の側へ移動させられたら少しイイのかな?っていうことなんですね。


「人」が移動するタイプの「非日常」を「リゾート」というんだと思います。

それに対して、「非日常自体を移動させること」は「リクリエーション」に近いような気がしますが、

ここでは、どちらかというと「幻想」とか「空想」とか「夢」などのようなイメージで言っています。

そういう「非日常」を「日常」の側へ移動させようというわけです。


一見、「日常の側」に移動してしまったら、「非日常」ではなく成ってしまうようにも見えますが、

それは、「リゾート・タイプの非日常」=「人が移動するタイプの非日常」に関して言えることで、
(確かに「リゾート地」で働いている人にとって、そこは「非日常」ではないんでしょう)

「非日常自体を移動させるタイプの非日常」においては、

「その非日常」が「日常側」に有るか「非日常側」にあるかは問題ではなく、

「その人」が「その非日常」を感じ取ることが出来るかどうかが問題になってくるんだと思います。

つまり、「幻想」の中に浸ることが出来るか?ということですね。


ただ、人間はその場の雰囲気に左右されされますから、

「非日常空間」の中で「非日常的に演出された時」の方が「幻想」に浸りやすいということはあるでしょう。

でも、「日常空間」の中でも、きっかけに成るモノさえあれば、

割と簡単に「幻想」に浸ることが出来ると思いますよ。


そして、「芸術作品」がそういう「きっかけに成るモノ」として適していると思うわけですね。


たとえば、「本を読む」なんて言うのも、このタイプの「幻想の日常化」だと思うんですね。

「文学」も「芸術」ですからね。

「リゾート・タイプ」との違いは、

「最小限の物質的要素」で「最大限の精神的距離」を移動できるということです。
(本を開いたとたんに物語の中の時代や場所へ移動できるわけですから)

「リゾート・タイプ」はやっぱり「物質的な要素」を必要としますよね。

これを「贅沢」と呼んでいるところがあると思います。
(「精神的な贅沢」も含まれますけどね)


でも、「美術作品」も「本」に負けないくらいに「幻想の日常化」に適していると思うんですが、

「美術作品」は、まったくと言っていいほどそういう機能を果たしていませんよね。

一言で言えば、「美術作品」が高すぎるんだと思います。


高額すぎるので、「日常化」できないわけです。

高額であるために、そうヤスヤスと買えないから「日常」に成らないし、

高額であるために、無理して買うと「非日常」=「特別なモノ」になってしまうわけですね。


それで、仕方なく「美術館や美術イベントに行く」ということに成るわけですが、

それでは、結果的に「人」が移動してしまっていますから、「リゾート・タイプ」になってしまうわけです。


そうなると、「旅行」や「テーマ・パーク」と同列に並べられることになるわけですが、

そちらは必ずしも「芸術」に適していないと、私は思うわけです。


もちろん、そういうところに行って、そういう場所で見ても、

「その人」が幻想に浸ることが出来ればそれでいいんでしょうが、

せっかく、「幻想の日常化」に適しているのに、それを無にしてしまうのもオシイような気がします。


それに、「本」が図書館でしか読めないとしたら、と考えると、

それがいかに不自然な状態かがわかるんじゃないかと思いますよ。


要するに、「売り手の都合」や「市場の原理」によって、

「鑑賞者」の「幻想を日常化する権利」が踏みにじられているということなんじゃないのかなと。


そんな風に思ってしまうわけですね。



「幻想大図鑑」という構想

「幻想大図鑑」と言うのを作ってみたいと思っているんですよねぇ。

つまり、幻想の世界のことをいろいろ集めて、図鑑にしたら面白いだろうなということですね。

  ※こういうのは、他でいくつか見たことがあって、それぞれにオモシロイと思っていたので、
   自分もやってみようかと思ったという次第です。
   こういうパターンの「図鑑」というのは、たいてい、かなりインチキくさくて最高にオモシロイ
   ので、『それじゃあ、ひとつ自分も』と思ったわけですね。

これは、数か月前からやっている背景に金箔を使った絵を見ている時に思いついたもので、

今、このブログのプロフィール画像に使っている花みたいな絵の一連のシリーズ(?)を見ている時に

ふと、思いついた「題」が『金塊の中に自生する植物』という「題」だったんですが、

その植物に『ヘンテコな名前を付けてもいいんじゃないか?』ということから、

その「ヘンテコ名前」を考えているうちに、止まらなくなって、

いろいろな「ヘンテコ名前」がたくさん出来てしまったので、

『これをまとめて図鑑に出来るかも?』と思ったわけです。


まぁ、よくもこんなくだらないことを思いつくやつが居るもんだと思います。
(『あぁ、自分か?』)


そんなわけで、「幻想大図鑑」という構想です。

  ※非常にくだらないので要注意

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『黄金空間に出現した「アマエリミ」の花束』:この前までプロフィール画像にしていた絵です。

『金塊の大地に自生する「タマロ・ケララの花』:今このブログのプロフィール画像に使っている絵です。

『金流大気の中に伸びる「ヤオマキリ」の枝』:上の二つと似たようなモノです。

『虹色銀河に現れた「ゴールデン・ホール」の中で生息できる唯一の植物「パラサウルス・フラワー」』

『金泥流の渦に翻弄される「ポリル・エティオン浮草」』

『金岩洞窟に繁殖する「ネヴァラジュール苔」』

『黄金丘陵の斜面に群生する「シコロユメイ草」』

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バカです。

いや、完全にヴァカです。

しかも、まだたくさんある!

自分がこんなにヴァカだとは、いままで気づかなかった。


まぁ、前に書いた「カプセル画」と同じで「アソビの絵」だと思ってますから、

『ハハハ、こんなものを本気でやるわけないでしょう?』

『それでもヴァカには違いないですよ!アナタ』

『ヘーイ、ヴァカ最高!ヘヘーイ、ヴァカまんぜーーい!!』

『なにがアソビだ、十分本気じゃねぇか』

『ケヘッ!』





「仮想現実」と「現実の中の幻想」

「仮想現実(バーチャル・リアリティ)」という言葉は、いつの間にか当たり前になってしまいましたが(最近では当たり前すぎてあまり使われなくなったような気さえする)、この言葉が使われるように成った頃は、けっこう最先端なイメージがあって、CG合成された映像やそういう映像で創り出された世界という印象があったわけです。

でも、今になって考え直してみると、必ずしもそういう「デジタルな感じ」に限ったものでもないような気がしてきたわけです。
そして、そう考えると、実は「絵」って「元祖・バーチャル・リアリティ」なんじゃないのかなと思えてくるわけです。

  ※ここで言う「絵」とは手描きで描かれた「タブロー」という意味です。
   デジタル画やCGなどは外して考えます。
   それから、漫画やイラストなどのように必ずしも「一枚の絵」として
   独立しているとは言えない絵は、ここでは含まないものとします。

「絵」はもともと「平面」の中に「現実には存在しない世界」を創り出すものですから、「仮想現実」と言って問題ないと思います。

「バーチャル・リアリティ」という言葉は、「写真」や「実写映像」に対する言葉として出てきたんでしょうから、それで「CG」などのデジタル画像のイメージが強く成っているんだと思いますけど、実は、そういう「画像を合成する作業」を手でやっているのが「絵」であって、手法が違うだけなんだと思うわけです(動かないけど)。
しかも、「絵」はいつからあるのかわからないくらい昔からあるわけですから、「元祖」であることにも間違いはないと思うわけですね。

それはさておき、今はゲームなどに使われる「CGやアニメーションによる仮想現実」が、まさに全盛期と言えるほどの繁栄ぶりですが、そろそろ、その繁栄ぶりも終わりに近づいているんじゃないかという気がするわけです。

なぜかと言えば、『世界を一周しつつあるから』ということなんですねぇ。
つまり、日本から発信された(と言っていいのかな?)「アニメ&オタク文化」が、世界中に広がって、そろそろ世界を一周しつつあるんじゃないかと思うわけです。

まだ「オタク文化」が終わらないのは、そこに逃げ込んでいる人がたくさんいるからだと思うんですね。
まぁ、「現実逃避」ということです。

「アニメ&オタク文化」に「現実逃避的な側面」があるのは間違いないことだと思います。
だから、適度に「現実」過ぎない「仮想現実」の世界に逃げ込むんだと思いますよ。
これは、「アニメ&オタク」に限らず「芸術」や「創作」全般に言えることかもしれませんけどね。

いずれにしても、「現実逃避」自体が、そんなに悪いことだとは思いません。
どちらかと言えば、逃避したくなるような「現実」の方に問題があるような気もしますから。
それに、「リクリエーション」と言われるものにはほぼ全て「現実逃避」的な側面があると思いますから、それを否定してもあまり意味がないと言う気がします。
要するに、「現実逃避」と「気分転換」の厳密なチガイなんてないということですね。

ただ、そこで問題なのは「戻ってこれなくなること」です。
まぁ、これが「現実逃避」の問題点でもあるんでしょうね。
つまり、「仮想現実」の世界に行ったまま「本当の現実」の世界に戻ってこれなくなってしまう人が増えていると思うわけです。

逆に言えば、簡単に戻ったり行ったりできるなら、大きな問題はないような気もするわけですが、やはり、完全に「オタク化」してしまった人はなかなか戻って来にくくなると思いますね。
生活に支障が出て来るって言うんですか?まぁ、そんなことです。

要するに、「現実」の方がその人にとっての「異世界」になってしまって、「仮想現実」の方が「実世界」のような錯覚が生まれてしまうんだと思います。
そして、その状態を続けていくと「現実」が「うっとうしいモノ」にしか思えなくなってしまうんだと思うわけです。

まぁ、やっぱり「現実」ですから、嫌なこともありますし大変だったりもするわけで、そういう「メンドウ」が一切ない「バーチャルな世界」と比べると、「うっとうしい」には違いないわけです。

最近では、『日本の「アニメ&オタク文化」は世界にも誇れるような独自の文化である』という風潮があると思いますが、その点について誰かが責任を取ってくれることは無いわけですから、戻ってこれなくなってしまう前に考えておいても損はないと思いますね。
要するに、いわゆる「アニメ&オタク文化」に代表されるような「バーチャルなモノ」というのは、戻ってこれなく成ってしまう確率が高いんじゃないかということなんですね。

そこで、はじめの話に戻るんですが、つまり「絵」ですね。
もしも、「絵」が「元祖・仮想現実」であるならば、「バーチャル・リアリティ」の代わりに成るんじゃないかと思うわけなんですね。

もちろん、すでに「オタク化」してしまった人たちは、「絵」なんかじゃ納得しないんでしょうが、まだ完全に「オタク化」していない人、すなわち「戻って来られる人」や、次の世代の人であれば「絵」でも代替可能だと思います。

「絵(タブロー)」は「仮想現実」でもありますが、「モノ」でもありますから、完全な「非現実」ではありえない所があると思います。
だから、完全に戻ってこれなくなってしまうということは無いんじゃないかと思うわけです。
(それで「オタク」の人にはピンとこないんでしょうね?)

要するに、「絵」には「肉体」があるんですね。

いま言われているところの「バーチャル・リアリティ」には、「肉体的な要素」を限りなく削り取ってしまう傾向があるわけです。
だからこそ、「オタク」にとってハマりやすいんだと思います。
そして、その「肉体的な要素」こそが「現実感」でもあるわけです。

つまり、「絵」は「モノ」でもあることで、完全な「仮想」ではあり得ないのに対して、「情報」であって「モノ」ではない「バーチャル」はどんどん「現実味」をそぎ取っていくことが出来てしまうわけです。
その結果が「戻ってこれなくなること」なんだと思うわけですねぇ。

そういうことからも、「絵」というメディア(普通の絵ですね)を復活させていった方がいいんじゃないかと思っているわけですが、この場合の「絵」にはある程度の条件があります。

まず、「平面であること」ですね。
それから、「タブロー」であること、言い換えれば、「一枚の絵」として成り立っていることです。
もう一つは、やや不明瞭な言い方に成りますけど、「苦労して描かれた絵であること」です。

これらの条件と言うのをまとめると、「普通の絵であること」です。
まぁ、言ってみれば「昔からあるスタイルの絵」ということなんですね。

どうして「昔流の普通の絵」じゃないとダメかというと、「昔流の普通の絵」こそが、「仮想現実的な要素を持っていて、尚且つ肉体を持っている絵」だからです。
現在の芸術において、「普通の絵」として処理されるような絵というのは、必ずと言っていいほど「肉体を持った絵」なんですねぇ。
別の言い方をすれば、「肉体を持った絵」は「現代美術」とは扱われない確率が高くなるということです。
逆に言うと「肉体を失うこと」でいわゆる「現代美術」っぽく成るということがあるわけです。

つまり、「物質感」を消して、スマートにサラッと分かりやすく説明された絵は、平面であっても「現代美術」っぽくなる傾向があるということです。
これは、概ね「イラスト」や「マンガ」の性質と同じようなところがあるわけです。
だから、こういったモノでは「バーチャル」の代替にはなりません。
同じようなモノですからね。

そういう「バーチャル」に近いスタイルを、「芸術」において代表しているのが「ポップ・アート」と言えると思います。
「ポップ・アート」自体は半世紀も前のスタイルですが、現在形の美術はすべてこの「ポップ・アート」やその前から続いている「コンセプチュアル・アート」の焼き直しであると言ってもいいくらいだと思います。

そして、これら二つの「アート」の特徴こそが、「バーチャル」の特徴ともほぼ重なっているわけです。
まぁ、だからこそ「バーチャル」がいま全盛期を迎えているわけですけどね。

ということは、それらにも「戻ってこられなくなる性質」があるということです。
だから、やっぱり「バーチャル」の代わりにはなりません。
だから、「昔流の普通の絵」じゃないとダメだろうと言うことなんですねぇ。

「現代人のオタク化」と「バーチャル・リアリティの繁栄」と「芸術のポップ化」は、「肉体性=現実感の欠如」という点において共通性があると思います。
これらが同時進行的に起きてきたのは、偶然ではなく、過激化する「競争社会」が生み出し続けている「工業化」や「効率化」などのような「人間性」を無視した現状が「人間」を阻害しているために、「人間」がそこから「逃避」せざるを得ない状況に直面していて、しかも、その「現実逃避せざるを得ないような人」の比率が日増しに増えているということと深く関係していることだと思うわけです。

つまり、「社会による人間疎外」という「原因」があっての「結果」として現れてきているのが、「現代人のオタク化」であり「バーチャル・リアリティの繁栄」であり「芸術のポップ化」なのだと思うわけです。

しかし、「芸術」と言うモノを「社会現象」の「結果」としてあるモノではなく、「原因」となるようなものとして考えた場合は、これでは本末転倒だと思うわけです。
やはり、「芸術」が「原因」となるには、このような現状を崩して、「人間」が「阻害されるモノ」ではなく「尊重されるモノ」に成るような方向性を示す必要があるんだと思います。

そんなことから、「芸術」は人間的であり肉体的である必要性が出てきているんじゃないのかなと。

そして、さらにそういう「芸術」が創り出した「肉体性を兼ね備えた幻想」を「現実的な日常」の中に取り込んでいけるように成れば、少しいいんじゃないのかなと。

そんな風に思うわけなのです。




「芸術」は「日常空間」に持ち込まれたときに本当の意味がわかる



『芸術は美術館で見るもの』というのが、今は一般的な考え方なんじゃないかと思いますけど、今後は『芸術は生活空間で見るもの』、もう少し詳しく言うと『芸術は日常の中に非日常空間を創り出すもの』という考え方が重要になっていくんじゃないかと思っているわけです。

今は「見る人」が美術館などの「非日常空間」に移動して「芸術」を鑑賞しているわけですが、その移動の方向を反転させて「芸術」を「見る人の日常」に持ち込むことで「見る人の日常」の中に「非日常空間」を創り出すことが出来れば、「芸術」が人間にとって一定の価値を提供することが出来るように成るだろうと思うわけです。

 ※「芸術」にとっては、「価値」よりも「意味」が重要だと思います。
  言い換えれば、「役に立つこと」ではなく「純粋さを追求すること」
  が「芸術」の本来の姿だと思うわけですが、それでも、「価値」だっ
  てあったほうがイイには違いないわけです。
  つまり、人間にとって実質的に役立つ「価値」ですね。
  「芸術」がそういうモノを追求するために「芸術としての純粋性」を
  失ってしまうことは本末転倒だと思いますが、「芸術」が「芸術」の
  範囲内で「人間」に貢献しようと考えることには、「価値」があると
  思いますし、それは、「芸術の意味」でもあると思います。

  まぁ、早い話が、「結果的に発生する価値」はあった方がいいという
  ことだと思います。

現在の日本では、一般庶民の住宅で、『芸術だな』と思うようなモノを置いている家って少ないと思うわけですねぇ。
まぁ、複製品とか「インテリア・デザインや工芸品としての芸術」ということではなくて、「一点物の個人作品」であって、しかも『これは純粋な意味での芸術を追求して作りました』というような、いわゆる「ホンモノ」っていうことですけどね。

 ※有名・無名・とは関係ありませんし、もちろん値段とも関係ありません。
  自分で創作したモノや、友人や知人が創作したモノなんかも含まれると
  いうことで考えたとしても、そういうものが飾られている家ってあんま
  り見ないですよねぇ。
  これ、ちょっと寂しい気がするんですが、どうなんでしょうね?

こういう話で、『ヨーロッパなどの住宅では「芸術」が生活の中に溶け込んでいる』ということを聞いたりもしますが、それとは少し違う話だと思います。
確かに、日本の住宅に比べると、そういう国の住宅に絵がかけられていたりすることは多いという話を聞きますが、おそらくそれは「インテリアの一環として飾られている絵」であって、今ここで言うような『芸術を日常空間に持ち込んで、そこに非日常空間を創り出す』という意味ではないと思うわけです。

だから、これは日本の住宅事情とはほとんど関係が無い話ですし、また、日本人の「インテリア感覚」や「生活空間の演出に関する意識」の話でもなくて、もう少し根本的な意味での「芸術鑑賞に対する姿勢」についての話です。
つまり、「現在、芸術が置かれている位置」と「現在、人間が立っている位置」の間で、『どういう「芸術鑑賞」を模索していこうか?』というような話であります。
まぁ、「芸術鑑賞のスタイルについての提案」みたいなものだと思っていただければいいんじゃないでしょうか。

さて、なんで「日常空間」に「芸術」を持ち込むことが「芸術の価値」に成るのかということなんですが、それは「現代社会」がある種のユガミを抱えていることや、そのことから「現代人」が常に「ストレス」を感じて生活せざるを得ない状況にあるということと深く関係しています。

 ※ここで言う「ストレス」とは、単なる「負荷」ではなく、『どっちに行って
  も逃れられない閉塞感』のようなものです。
  主にダブル・スタンダードやダブル・バインドによって産み出される
  「精神的な閉塞感」を指しています。
  要するに、「現代人」はいつも何かと何かの間で挟まれていたり、引
  き裂かれていたりして、片方に近づけば片方からは遠ざかってしまう
  という、ジレンマの中で生活しているということですね。

  このことこそが、「芸術」が20世紀に入った頃から大きく変貌したこと
  の、ひとつの原因でもあるんだと思います。

「現代人」が「ストレス」を感じて生きているということに異論がある人はそう沢山は居ないと思いますが、その「ストレス」を『昔からあったんじゃないの?』と思っている人はけっこう居るんじゃないかと思います。

もちろん、いつの時代にも、何らかの「ストレス」があったのは間違いないと思いますが、「現代のストレス」は「現代特有のモノ」だと思うわけです。
それは、「精神的なストレス」ということですね。
「ストレス」自体が精神的なものなんでしょうが、「現代のストレス」は「精神と精神の摩擦が生み出すストレス」だと思うわけです。

昔は、主に「肉体的な負担」を、人間が「重荷」と感じたときに「ストレス」が発生していたわけですが、現在は「肉体的な負担」が全くない場合にも「ストレス」が発生するようになっていて、しかも、その「精神的なストレス」が「肉体的な負担」よりもはるかに大きくなっているわけです。

ちょっと前の時代(50年前くらい?)までは、その「精神的なストレス」も「肉体的な負担」とだいたい同じくらいの大きさだったような気がしますが、この半世紀ほどの間に、社会が生み出す「精神的なストレス」は膨張し続けて、今に至って、それが「人間の限界点」」を超えてしまったという感じがあるわけです。
(100年以上前は、「精神的なストレス」は、けっこう単純だったと思いますね)

とは言え、そういう中でも生きていかねばなりませんから、「ストレス社会」の中で「人間」は常にフラストレーションを抱えて生きていくことに成るわけで、当然、その「はけ口」を求めているわけです。

まぁ、悲しいことではありますが、こう言うことから、その「はけ口」として「イジメ」や「虐待」や「~ハラスメント」などの現象が起きてくるわけで、オオモトのフラストレーションが緩和されない状況のまま「はけ口」だけを何とかしようとしても、ほとんどなんの効果もないと思うわけですねぇ。

なかなか、「現代のフラストレーション」そのものを緩和するのは難しいでしょうが、せめて、「イジメ」や「虐待」のような最悪の選択だけでも逃れられないだろうか?と考えるわけです。
そこで、その「はけ口」の代わりに成り得るのが、「幻想の日常化」だと思っているわけです。

もともと、「リクリエーション」とはこういう目的のものだと思うんですけど、「リクリエーション」の場合は「人間が非日常空間に行くこと」を意味するところが大きいと思います。
つまり、「日常空間を離れること」に意味があるんだと思います。

しかし、「現代人」は常に「フラストレーション」を抱えていますし、その元をたどって行けば「逃れようのないストレス」という「絶対的な闇」があるわけですから、「日常空間を離れること」ぐらいで「日常を忘れること」なんてとてもできませんし、「ときどき行くリゾート」などでは、一年中いつも付きまとっている「フラストレーション」を解消することは出来ないわけです。
それに、そういった「リクリエーション」にも「おカネ」や「手間」がかかってしまうので、また、そこでも「ストレス」を感じてしまうわけですねぇ。
まぁ、それだから「逃れようのないストレス」なわけですけどね。

そこで、「幻想の日常化」が必要に成ってくるわけですねぇ。

という所で、前置きが長すぎて、本題に入る前に力尽きてしまったので、次の記事に続けます。




「芸術」は「日常空間」に持ち込まれたときに本当の意味がわかる(つづき)



前の記事の続きです。

「幻想」を「日常空間」に持ち込むことで、そこに「非日常空間」を創り出すことが出来れば、「現代人」が抱えているフラストレーションを少しは解消することが出来るんじゃないだろうか?ということですね。
(注:少しです)

昔から「芸術」が持っていた役割の一つは「人の心を癒すこと」だったと思いますが、現在、この役割が「芸術」に担えるでしょうか?
つまり、「現代ストレス社会の中で疲れた心」を「芸術」で癒すことが出来ると思いますか?ということですね。
『出来ますよ、楽勝で』と言える人がどのくらいいるのかはわかりませんが、少なくとも、そう言える人というのは、よほど楽天的な人か庶民の中でも「やや上」の立場にある人じゃないかと思いますね。

そういう、「ストレス少なめの人」以外の一般庶民で、「それでも芸術で癒されたい一心で美術館に通う人たち」は、本当に癒されているでしょうか?

やっぱり普通の庶民の人たちは、「現代社会」の中で、かなりの「ストレス」を感じて生きているわけで、しかも、けっこう真面目に生きている人ほど、「社会」に適応しようとしますから、「社会のヒズミ」の影響をもろに受けてしまうわけで、当然、強いフラストレーションを抱えているわけです。

要するに、『こんな状況の下でも、「芸術」が人の心を癒すことが出来るのか?』ということです。

私は無理だと思いますね。
というか、そういう「逃げ場のないストレス」の中に居るような人に『まぁ、美術館にでも行ってみれば?きっと心が癒されるよ』というのは、むしろ残酷だと思ってしまいます。
つまり、「芸術」なんか見ている余裕が無いということですね。
現在の社会状況というのは、こういうことが決してオーバーではないと思うわけです。
じゃなきゃ、こんなにたくさん自殺者が出ていないと思いますよ。
しかも、こんな、食べるのに困らないような時代なのに。

確かに、そういう状況でも「芸術」に救われている人は居ると思いますが、そう言う人が少しづつ少なく成っているのも間違いないことのように思うわけですね。

なにが言いたいかというと、昔と今とでは「芸術」が担う役割のスタイルを変えなければならないんじゃないか?ということなんです。
まぁ、一言で言って、昔のスタイルじゃ役に立たないと思う人が多くなったということだと思います。

「アカデミズムの行き詰まり」と同時に、この「芸術の役割の変化」があったことで、「芸術の20世紀」において「芸術」が大きく変貌することに成ったんだと思います。

昔は、「きれいな花」や「美しい風景」、あるいは「神話的な題材の絵」を描いていれば、それを見た人の心が癒されていたわけですが、近代から現代にかけて、「ストレス」が増大するのと同調して、「芸術」も変貌していったのは、「強いストレス」を感じた人たちが、そういった昔のスタイルでは心を癒されなくなったからだと思うわけです。

「昔の癒し」とは、要するに「たのしみ」だったんだと思います。
言い換えれば「エンターテイメント」ですね。
昔は「エンターテイメント」が少なかったんでしょうから、「芸術」はその中心の一つだったんだと思います。

でも、現在は「エンターテイメント性」では「純粋な芸術」を上回るモノもたくさんあるわけで、敢えて「純粋な芸術」で「たのしみ」を追求する必要性は薄いんじゃないでしょうか? 
「純粋な芸術」は「たのしみ」を創り出すのには、そんなには向いていないんだと思います。

ところで、「純粋な芸術」は、ナニに向いているんだ?ということです。
たとえば、「幻想であること」ですね。
これは「純粋な芸術」に向いているんじゃないかと思うわけです。
もちろん、他の言葉で言い換えてもいいと思います。
たとえば、「異世界」でもいいわけですし、「夢」と言ってもいいと思いますよ。
なんでも自分の好きな言葉を当てはめて考えることは出来るわけですね。

つまり、「現実ではないナニカ」ということなんだと思います。
そして、「自分が最も惹きつけられるナニカ」ということですね。
そういう「心を魅了するものであること」が「芸術」に向いていることなんだと思うわけです。

そして、そういうものを「日常空間」に持ち込むことで、「日常」の中に「非日常空間」を創り出すことが出来れば、「現代ストレス社会」における「癒し」と成り得るんじゃないかと思っているわけです。

つまり、「エンターテイメント」が「即効性の癒し」であるのに対して、「幻想の日常化」は「根本的な癒し」に成る可能性があると思うわけです。
「純粋な芸術」には根源的で普遍的な性質がありますから、「エンターテイメント」では物足りない人に対しての「癒し」に成り得ると思うわけですね。

なぜ、「非日常空間」に行って見るのではダメなのか?と言えば、『めんどくさいから』です。
「やられちゃってる人」は「めんどくさいこと」はもうできないんですね。
それに、もしも、少し無理して行ったとしても気持ちにゆとりがありませんから、『あぁ、いいよね』ぐらいで終わってしまうわけです。
それじゃ、「癒し」に成らないでしょうね。
それから、次に行くまで持ちません。
「ストレス」は常に付きまとっていますから、次にそういう場所に行くまで持たないんですね。
だから、いつどこに居ても「幻想」があるのが一番いいわけです。

でも、それが完全に「日常」になってしまうと意味が無くなってしまいますから、「日常」の中に「非日常」を創り出すことが必要に成ってくるというわけです。
その為にも「幻想であること」が必要に成るわけですね。

『現実を忘れさせてくれる』だけじゃなくて、『現実を圧倒する』ような世界が「日常空間」の中に造り出せれば、きっと「現実の中で起きている矛盾や不条理」に対して、『むしろ、そっちこそ「無意味な世界」であって、自分にとって本当に意味があるのは、こっちの「幻想の世界」なんじゃないのか?』という風に思えるかもしれません。
(これは、かつて「宗教」が担っていた役割ともリンクしていると思います)

というか、実際に「芸術が創り出す幻想」は「現実」よりも「真実」に近い可能性があるわけで、そうだとすれば、これは「虚構への逃避」ではなく、むしろ「真実への回帰」であるわけですから、本当の意味での「癒し」と成り得るんではないのかなと。

つまり、「現代社会」の持っている「人間性軽視」や「効率重視」や「拝金主義」などの性質は、実際にはだれにとっても無意味なモノで、実を言えば、誰も幸せになれない「虚構の論理」であるということがかなりはっきりしてきているわけですから、そちらが「虚構の世界」であると言っても、もうそろそろいいような気がするわけですね。

そして、そういう「虚構の世界」の「裏」という意味での「幻想の世界」を心の中に持っていることが「その人にとっての真実」を取り戻すことに成るかも知れないということです。

また、それだからこそ、「芸術」は少し無理をしてでも「真実」を追求する必要があるんではないのかなと。
「真実」に到達できることは無いにしても、そこへ向かう姿勢だけでも示すことが、「現在の芸術の責任」であるのかなと。

そういう風に思っているわけなんです。



「幻想に触れること」によるストレス



私は、現在「芸術であること」と「幻想であること」はほとんど同じようなことなんじゃないか?と思っているわけなんですが、その「芸術≒幻想」を創作することや鑑賞することは「ある種のストレス」を伴うことがあると思うわけです。
つまり、「芸術≒幻想」はそれに触れる人間にとっての「快楽」でもあり「癒し」でもあると同時に「一種の負担」でもあるということですね。

そして、そのことによって、本当の「芸術」に近づかなくなってしまう人がすごく多いような気がしているわけです。
つまり、「心地よいモノ」というキーワードだけで検索していってしまうと「いい作品」に出会うことは出来ても「本当の作品」に出会う機会は極めて少なく成ってしまうということです。
「負担」であるわけですから、当然「心地よい」という意味では「これはチガウよね」ということに成るわけですね。

これは「芸術」が中心的な課題として「自己表現」を追求するように成った時からのことだと思うわけです。
「作者にとっての自己表現」は「鑑賞者にとっての他者」に成りますから、当然違和感を伴うわけですし、その「自分の中には無かったモノとの出会い」こそが、「現在形の芸術の意味」なんだと思いますので、その「違和感」を避けることは出来ないんだと思うわけです。

そこで、「鑑賞者」にとって「心地よい他者」と「心地よくない他者」が居るはずだと思うのは、間違いだと思います。
一見すると「心地よい人」に見える人でも、実はそれは表面上の体裁だけで、その人の「本当の姿」というのは他人にとっては必ず「心地よくないモノ」を含んでいるわけで、その人がその人であればあるほど「違和感」を感じるものだと思います。
だからこそ、それを美しいと感じるんだと思うんですけどね。

 ※これは「音の共鳴作用」などと同じようなモノで、ちがう音の組み合
  わせから「共鳴」が生まれるように、自分とは異なる「他者」と直面
  することから「共感」や「感動」が生まれるわけです。
  まったく同じような精神から受けられるものは「同情」や「同感」だ
  けで、それ以上に相乗的な効果は期待できないんだと思うわけです。
  つまり、それは「音」で言えば音量が大きくなるだけですし、「精神
  作用」で言えば「みんなと同じであること」が安心なだけです。
  そういうものがあってもいいとは思いますが、「現在の芸術」はその
  場所にはないと思うわけですね。

 ※また、既に評価が確立している有名な作品に対して「違和感」を感じ
  る人が少ないのは、鑑賞者が「違和感」を感じる前にその作品や作者
  が情報として刷り込まれているからであって、その時点でそれは「純
  然たる他者」ではなくなっているからだと思います。

つまり、「心地よい人」というのは、どこかで『相手に合わせている』ということだと思います。
「相手に合わせること」が悪いということではありませんが、それは時と場合によるんだと思います。
少なくとも、「芸術」を「自己表現」であると考えるならば、「鑑賞者」との間の「共通言語」を探すのではなく、「創作者のオリジナル言語」を何とか伝えようとすることが必要なんじゃないかと思うわけですね。
(はっきり言うと、「オリジナル言語」はほとんど伝わらないと思いますけど、それでもそれを続けることに意味を見出せるか?ということじゃないでしょうか?)

だから、「現在形の芸術」を「本当の芸術」として鑑賞したいと思うのであれば、「心地よいモノ」とはむしろ反対の「どこか神経を逆なでされるようなモノ」とか「心がざわざわするようなモノ」とか、もっと言えば「ものすごくイライラするモノ」のような、見る人の心に「負担を加えて来るようなモノを、敢えてチョイスして行く必要が出てくるわけなのです。

そう言うモノこそが「芸術≒幻想」であるモノなんだと思うわけです。

「幻想の世界」は、なんと言っても「異世界」ですから、なかなかの抵抗感があるわけで、そこに入って行くのにもその中に居続けるのにもある程度の「負担」がかかるわけですし、また、そこから「日常世界」に戻るのにもある程度の「負担」を強いられることに成るわけです。

でも、これは何も「芸術≒幻想」に限ったことではなく、「リクリエーション」と言われるものは、だいたい何らかの「負担」を必要とすることが多いと思います。
そして、その「負担」を負ったことによって、「疲労」するのではなく「カタルシス」と言われるような「精神的解放感」が生み出されることを「リクリエーション」というんじゃないでしょうか?

『なんで、わざわざ「いやなモノ」を見なきゃいけないんですか?』と言われそうですが、そう言うことではありません。
しかし、「カタルシス」という言葉は、もともと「悲劇」などを見た人が感じる「ある種の解放感」による「浄化作用」をそう呼んだようですから、やはり「喜劇」からは得られない効果がそこにあったんだと思います。
でも、そこで『なんで、わざわざ「悲しいモノ」を見なきゃいけないんですか?』と言ってしまえば「カタルシス」は得られません。

それに「悲劇」の中にも悲しいだけではなく、「美しい悲しさの悲劇」もあれば「「単なるお涙頂戴的な悲劇」もあるわけで、そこから先は「鑑賞者」の独自の規準で吟味していけばいいことだと思うわけです。

現在の芸術鑑賞は非常にエキセントリックな方向の人(変わったものが好きな人)と、非常にオーセンティックな方向の人(王道的なモノが好きな人)に分かれてしまっていて、エキセントリックな人は、ただただ目新しいモノだけを見つけようとしますし、オーセンティックな人の方は、判で押したように既に決まっている評価に基づいて「芸術」を判断してしまいます。
それだと、どちらも「カタルシス」を得ることは出来ないような気がするわけです。
エキセントリックな人は、いつの間にかいつもいつも「喜劇」だけを見ていたりするわけですし、オーセンティックな人はいつの間にか「感動」や「浄化作用」とは無関係に「定番」だけを繰り返し見続けることに成っていたりします。

そこは一つ、ちょっとだけ「負担」を負って、その「異世界」に入って見て、そこから「鑑賞者」としての自分の「独自の観点」で鑑賞してみてはいかがでしょうか?と思うわけですねぇ。

そういう見方をしてみると、『もう「有名な作品」なんて見ている時間無いよ』と思う人も出て来るんじゃないかなと思うんですけど、どうなんでしょうか?

まぁ、そんなわけで、「芸術≒幻想」な作品を探すという「芸術の見方」も試してみてもいいんじゃないのかなと。
(探せばけっこうありますが、探さないと出会う機会が少ないですからね)

そんな風に思ったわけです。




プロフィール

ふたつ

Author:ふたつ
※上の画像は習作として描いた絵に洋金箔を貼ったものです。

ご訪問いただき、ありがとうございます。

自分自身の制作に対する姿勢を示した「宣言文」をブログの形で発表するのは、筋が違うのかとも思いますが、このような形しか思い当りませんでした。
ご容赦ください。
興味のない方にはたぶん面白くないでしょう。

ただ、私はここに書いたことがこれから確実に起きることだと思っています。
と言うよりも、すでに起きていることだと思っています。
「天才の時代」は、もう終わらせなければいけないと思うのです。
「天才」なんてもう何処にも居ないのだと思うのです。
「天才」は、もう誰にとっても必要ないモノに成っているんじゃないでしょうか?。
「普通の人」が、もっともっと芸術に関われるようになったら、
少しいいんじゃないかと思います。

いえ、芸術に限った話でもないのです。
全てのことが、今よりもっと「普通」でいいんじゃないでしょうか?
「個性とは実は最も普通なことなのではないのか?」
私はそんな風に思うのです。

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1960年の生まれです。
横浜在住です。
過去に何一つ実績と言えるものはありません。
30歳に成った頃、絵を描き始めました。
その後、細々と美術に関わる仕事をしていましたが、自己作品の制作にはあまり積極的とは言えませんでした。
2013年のはじめ頃から、自己作品に対する欲求が生まれ、現在は妻の収入に頼って、ようやく制作に漕ぎ着けております。

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読みづらいところもあるかとは思いますが、読んでみて下さい。


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