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「オリジナリティ」は大事なのでしょうが・・・

芸術において、やはり「オリジナリティ」は大事だと思うわけですけど、

「オリジナリティ」が目的なのかと言われれば、「それは違う」と言わざるを得ないのです。


それは、結果的に出てきてしまうものなのかなと。

「オリジナリティ」がある作品は、ほかのものよりも目立つし、

インパクトが強くなるから、受け入れられやすいのは確かなことでしょう。、

でも、それは「驚き」であって「感動」ではないわけです。


人を感動させるようなものをつくりたいのであれば、

何かを「ネラッテ」はいけないのじゃないかなと。

「ネラッテ」出てきた「オリジナリティ」と言うのが結構イヤラシイわけですよね。


私に言わせていただけるのならば、「オリジナリティ」を出さないことのほうが難しいわけで、

その人が、もともと持っている「癖」や「感覚」というのは、

隠そうとしても結構出てしまうものだから、「ネラウ」必要はないハズなんですけど、

人には、隠したい「個性」というものもあって、

「格好悪い感じ」や「下手っぽく見えるところ」は、

誰でも隠したいと思ってしまうわけですね。


それを打ち消して見えなくすることを、技術と呼んでいたりすることもよくあるわけですよね。


「オリジナリティ」は「ネラッテ」出そうとしなくても、

はじめからそこにあるわけで、むしろ付きまとってくるといってもいいほどなんじゃないでしょうか?

そこで、「嫌な個性」をうまく消して、「いい感じのオリジナリティ」を出している作品と言うのが

私は、少し嫌いです。



「イミガワカラナイ芸術

わたしも含めて、多くの人が「ゲージツがワカラナイ」と感じるとき

大抵は、作品が「抽象化」されているのだと思うわけです。


頭の中にあるものを外に出してあらわすのが表現なわけですけど、

頭の中でかなりコネテから外に出すのが「抽象」だと思うのです。


そして、その頭の中で行われた作業の分が、見えないわけなのです。

だから、コネタ分が多ければ多いほど、見た人はわからなくなるわけなのです。


これは、ワカル人とワカラナイ人が居るように言われているみたいですが、

実際には、みんなわからないハズなわけです。

超能力のようなものがある人なら別ですが、

他人が、頭の中で行った作業が解るわけがないですよね。

その人のことをよく知っていたりすれば、少しはわかったりもするでしょうけど、

見ず知らずの人の気持ちがバンバン理解できちゃったら、それはマズイですよね。


だから、私は「抽象化」なんて言ってますけどね、

もっと人が解るようにしてから、外に出すべきなんじゃないかと思うわけなんですね。

つまり、目指すは、「腰の低い抽象芸術」なのです。


そして、それには、頭の中でコネテいく段階でまず自分自身が、

はっきりしたものを掴んでいないと、人にわかるようなものにはならないのかなと。

    ※ここで言う「はっきりしたもの」とは、「作品の完成形」とは違います。
     それがはじめからわかっていれば、”ラク”でしょうが、それは単なる
     横着になってしまうような気がします。
     ここで言う「はっきりしたもの」とは、その作品の「方向性」ですね。


つまり、「抽象化」と言うのは雲をつかむような状態から、

その霧の中を抜けて、はっきりしたものが見えるところまでたどり着けないと、

結果的には、ただなんとなく色を塗ったようになってしまうのかなと。

そして、それを見た人が「イミガワカラナイ」と思うのだろうなと。

要は、作者が「イミガワカッテナイ」と、見た人も「イミガワカラナイ」のかなと。


「抽象化」と言う作業は、

もっと、わかりやすくするためにエネルギーを使うべきなんじゃないのかなと。

頭でコネル作業のほうに使っていたエネルギーをかなりの部分で、

わかりやすくする方に使う方向でシフト・チェンジすると、

実は作者も楽になる部分があるのかもしれないなと。


私としましては、そんな風に思っております。



「お金」と「芸術」の共通点

「芸術」と言うと、「お金」とは正反対のところにあるものという捉え方をされていますけれど、

その二つには、共通点があると思うわけです。


それは、両方とも賞味期限がないことなのです。

食べ物ではないので、賞味期限と言うのはおかしいんですが、

要するに、無期限の価値を持っている(与えられている)ということなわけです。


お金(通貨)というのは、それを発行している国が崩壊すれば価値がなくなるし、

「芸術」も、その作者の名声が没落すれば、その価値も下がってしまうわけだから、

必ずしも無期限とも言えないわけですけれども、

少なくとも食べ物のように、一定の期間を過ぎると必ず価値がなくなるということは無いわけなのです。


食べ物と言うのは最も顕著な例で、だから賞味期限と言う言葉を使ったわけですけれど、

ほとんどのものは、製造されてから一定の期間が過ぎると価値が落ちていくという宿命があるわけです。

ましてや、一度人手に渡ったものは、

いわゆる「ユーズド品」になってガクンと価値が落ちてしまうわけですよね。


ところが、「芸術」・「お金」両方とも、どんなに人から人に渡って行こうが、

いくら使用されようが価値が変わることがないわけです。

よほどの技法的な欠陥があって、「絵」が剥落したりでもしない限り、

例えば、年代相応に劣化して修復されたとしても価値が変わったりしないと思うのです。


そして、このことによって「芸術」が投資の対象になったりするのだと思うわけなのです。

本当は、この両者にも期限があれば、いいのではないのかなと。

私としてはそう思っているのですが、それをどんなふうにやればいいのかは

全くわからないというのが、とても残念なことなのです。





「芸術」の競争

現代社会においては、競争と言うと、自由競争とか切磋琢磨といった

前向きなものとしてとらえることが、前提になっているように思うのです。


競争から離脱することは、「ドロップアウト」または「後ろ向き」という扱いになるのかなと。


でも、競争がそういう前向きな作用を持っていた時期はもう過ぎてしまって、

競争が「足のすくい合い」になっているように思うのです。

つまり、物を作る企業や人が、自社製品(自作のもの)の向上を競い合っているというよりも、

競争相手や、場合によっては顧客(消費者や鑑賞者)の足元を掬ってひっくり返してやろうというような

そんな裏をかくような意図が、そこに入ってしまっていることがあると思うわけなのです。


そして、さらには、そのような意図を含まないものが、

その競争の中で振い落されていくような仕組みができ上がってしまっているように感じるわけなのです。


例えば、企業が耐久性の優れた製品を作ってしまうと

その製品の買い替えのサイクルが長くなって儲からなくなるというような理由から、

むしろ、適度に長持ちしない製品を作ることに力を入れていたりすることが

当たり前のようになりつつあることは、「ものづくりの崩壊」であって、

ちっとも前向きな競争や自由競争なんかではないように思うのです。


まして、それと同じようなことが「芸術」の分野で行われているとしたら、

「究極のものづくり」ともいえる「芸術」において

「ものづくり」が崩壊してしまっているということに成るのではないのかなと。


そして、これは、経済市場においてそうなったから「芸術」もそうなったのではなくて、

むしろ、逆で「芸術」がそうなったから、

それによって他の分野でも同じことが起きてきたのではないか?と私は思っているわけです。


こう言うと「芸術」を買い被っているように聞こえるのかもしれませんが、

近代以降の「芸術」は、そういうことのために設定されている分野でもあると私は思っているので、

そんな風にしか、考えられないわけなのです。


だから、競争の原理から離れなければ始まらないと思うわけなのです。

その過程で「捨て石」になる者が求められるように思いますが、

その「捨て石」を生かせるところまで人間が成熟しているのかどうかが

問われているように感じてしまうわけなのです。





「回帰」は二番煎じではないのです

世の中には、流行やその時代を象徴するスタイルというものがあるわけですけど、

大抵の場合、それはある程度の周期で、似たようなタイプのスタイルが繰り返されていると思うわけなのです。


ただし、全く同じだとすごく古臭く見えてしまって見向きもされなくて、

やはり、何かしら新しい要素が加えられていたり、独特なオリジナリティがあったりしないと、

新しいものとしてはなかなか認識されないわけですね。

よく言われるように、螺旋を描くように少しづつずれながら

周期的な繰り返しのパターンを辿っているのだと思うのです。


でも、現代の美術に限って言うと、20世紀以降は、

これらの周期的なパターンが、ほとんど無くなってしまっているように思うわけです。

というよりも、それが許されないようなプレッシャーが常に働いていたのではないのかなと。


つまり、同じ芸術でも音楽など、他のジャンルでは

当たり前のように、ごく自然な形で周期的に繰り返されてきたパターンがあって、

それらは、必ずしも二番煎じとして捉えられてきたとも限らないし、

その都度更新されて、新たなものとして生まれ変わったものという認識で捉えられてきたのに、

先端的な芸術の分野においてだけ、そういう定期的な回帰が許されないで来たように感じてしまうのです。


「常に新しいものを生み出さねばならない」というプレッシャーが

それを邪魔していたのではないのかなと。

ときどき「ネオ〇〇」みたいな形で一昔前のスタイルを持ち出してくることがあっても、

それは、行き詰ったところから逃れる手段のようで、

「更新されて生まれ変わった」感じが薄かったのではないのかなと。


やはり、音楽などでは当たり前のこととして自然に行われていたことが、

どこか後ろめたいことのようになってしまっていて、

「新たな方向性を見出すことができなかったから既存の概念を持ち出してしまった」というような、

やってはいけないパターンをやってしまったという感じが

付きまとってしまっていたように思えてしまうわけなのです。


結果として、前の時代から何かを受け継ぐという要素が失われていってしまったのかなと。

もし、そうだとしたら、「芸術」は徐々に衰退していってしまうのではないのですかと。


わたしといたしましては、やはり何らかの形で「回帰」が必要なのではないのかなと。
(手法やスタイルの上での「回帰」と言うよりも、「原点に立ち返って、芸術をどう考えるのか?」ということに置いての「回帰」ですね)

どうしてもそう思えてしまうわけなのです。



「芸術」とは「異物」なのか?

先週、珍しく美術に関する本を読んだのですが、

その中で、ちょっと気になったことがあったのです。


全体としては結構、納得できるところが多かったように思うのですけれど、

気になったのは、その本の著者の方が

『自分にとっての「芸術」とは「異物」である』と書いていたことなのです。


現代美術に関わっている人が、これに近いことを言っているのをよく聞くような気がするのです。

確かに、納得させられてしまうところもある「言い方」なわけです。

ただ、私はこういう「言い方」を聞くと「異物」であることが、

かなりクローズアップされ過ぎているように感じてしまうのです。

何かを突き詰めて行くと「異物感」が出てくるというのと、

「芸術」≒「異物」というのはちょっと違うのじゃないのかなと。

しかも、「異物」であることが、「芸術」の目的であるというのとは、もっと違うのじゃないのかなと。


例えば、道端に犬の糞が落ちていれば、それは「異物」だと思うわけですけれど、

同じ様に、道端に水晶玉が置いてあっても「異物」だと思うわけですよね。

というより、カラスに荒らされた生ゴミだろうが、とんでもなく大きな岩だろうが、

なんだって結構「異物」になりうるわけです。


やっぱり、道端に犬の糞が落ちていれば見ちゃいますよね。

でも、見たくて見てるわけじゃないですよね。

でもやっぱり見てしまう。

それと似たような心理の誘導を、美術館のような場所でやることで「芸術」というのはどうなのかなと。


本の中では「私にとっての芸術とは」と書かれていましたから、

それを、とやかく言うのもおかしいのかもしれないんですけど、

やはり、どうしてもこの「言い方」が現代の「芸術」については

妙に説得力のある「言い方」になってしまっていることが気になってしまうわけなのです。

実際に、「異物」であることのインパクトを利用している作品もあるようですし、

もっと言えば、それに頼ってしまっている作品も多いのではないのかなと。


私としましては「異物」であることは、目的ではなく結果であってほしいのです。

結果的に「異物感」のある作品がインパクトを持つことはあると思うのですけれど、

それが目的化してしまっているような作品と言うのは受け入れがたいわけなのです。

それから、インパクトが無いとダメということでもないと思うのです。


そして最後に、犬の糞は飼い主さんに処分してほしいなとも思うのです。

それが「芸術」だという人もいるのかもしれませんけどね!!


「惹きつけられるもの」

前の記事に関連した話になります。


前の記事で芸術における「異物」ということについて書いているのですけれど

この言葉がなぜ説得力を持っているのかと言えば、

「惹きつけられる」ということと関連しているのだと思うわけです。


つまり、「異物」であるということは、人の意識を「惹きつける力」になるということなのです。

見たい見たくない以前に、「見てしまう」ということかなと。


ただし、それは魅了されていることとは限らないわけなのです。

道の真ん中に大きな障害物が置いてあれば、確かに「異物」ですけれど、

それは、そこを通りたい人にとっては、邪魔なだけの「異物」なわけです。

そりゃ見ますよ。なんとかしなきゃ通れませんからね。

でも、興味を持って見ているのでもなければ、まして魅了されているわけがないですよね。


ところがですね、それを美術館にもってくるわけですよ。

「通りたいのに通れない」ではなくなっちゃうわけですね。

迷惑なことが何もなくなってしまうので、「異物」のなかの「見てしまう」だけが残るわけです。

そこで強情な人やひねくれた人以外の、普通に素直な人たちは、

どうしても、「見てしまう」=「惹きつけられる」=「魅了される」という

すり替えにはまってしまうわけですね。


まぁ、言ってみれば手品みたいなものだと思うんですよ。

何かに人の意識を引きつけている間に、見えにくいところで細工をすると

在り得ないところから、在り得ないものが出てきたように見えるというような、アレですよね。

手品師って、きらびやかな衣装を着ていたり、

ゴージャスな感じの金ぴかの道具立てでステージを演出していたりしますよね。

芸術の場合も同じで、道におかれていた障害物を美術館に持ってくるだけじゃなくて、

きれいに(場合によっては汚く)演出するわけですよ。

そして、それがセンス良かったりもするのですよ。

なんたって芸術家ですから、その辺は得意なわけですね。

手品師が人の心理の裏をかくのがうまいのと同じように、

芸術家は、人の心をつかむのはうまいのでしょうね。


そうなってくるともう見ている側の人たちは、

芸術がどうとかこうとかいうことは、もうどうでもよくなって、

「惹きつけられるもの」には逆らえなくなってしまって、

「見てしまう」自分をなんとか肯定しようとするわけですよ。

美術館で芸術鑑賞と称して「道におかれた障害物」を、お金を払って見せられている自分。

これは肯定したくならないわけですね。

だから、どうしてもそれは「芸術作品」でなければならなくなるわけなのです。


これは、見ている側の人を責めても始まらないことかなと。

宗教においては「洗脳」が、商売においては「詐欺商法」や「マルチ商法」が、

広告宣伝においては「サブリミナル手法」が、禁じられたり非難されたりしているのは、

それが人の判断を狂わせるものであり、

それを許してしまうと非常に大きな弊害を招きかねないからなわけです。

そこには、ある種の自由に対する規制が生じたとしても、

致し方ないという判断が歴史的に成立しているわけであって、

それはすでに結論の領域にあるといってもよいのではないでしょうか。
(その網の目をくぐるようなやり方は常にありますが、
 一応それらは駆逐されるべきという方向は定まっているかと)


本当のことを言えば、芸術の分野で、こういう話になること自体が悲しいのであって、

芸術については、本来このような規制という考えは必要ないはずなわけなのです。

現状におきまして、このような規制を法律において設けることは不可能でしょうし、

もしも、法規制するとすれば、恐らく、芸術の主要な部分が大幅に失われてしまうことに成るでしょう。

(本当に厳しいことを言えば、他の分野と同じく規制の対象になるべきなのかもしれませんが、芸術は純粋かつ平和的な分野であるという前提において、宗教やいわゆる商業的な分野と区別されているわけですが、現状の芸術とは、いったい商業的な分野ではないと言えるのでしょうか?)


やはり芸術界(世界的なですよ)が自主的な概念上の規範を打ち出すべきではないのかなと。

つまり、芸術を規制するのではなく、言い換えるならば、芸術の範囲を限定してしまうのではなく、

しかし、あくまで芸術の位置をつなぎ止めるという作業が求められるのではないのでしょうか?


要するに「芸術の中心というのはここですよ」と誰かが、

責任と、威厳と、自信をもって言い切ることが必要なのではないのかなと。

普段十二分に、威厳を持った立場におられるような方々がたくさんいらっしゃられるわけですから、

こんな時にこそ、「さすが」と言われるような威厳を見せて欲しいわけなのですよ。

それをしてくださるのであれば、普段どんなに威張っていてもいいんじゃないんですかと。


そして欲を言うのであれば、その規範を定期的に見直すという作業も行っていただくことを

希望いたしますです!はい。

「オネゲェシマスダ!」

表現=自己顕示なの?

芸術などの手段を使って何かを表現するということは、その表現者の自己顕示性の表れである

と言う内容の文章がよくあると思いますけど、私はこれは違うと思うのです。


確かに、なにかを表現するということは、自己を現すことではあると思うのですけれど、

それを、即ち自己顕示であるといってしまうのは、

何か一言しゃべっただけで、「目立ちたがり屋」にされてしまうのと同じで、かなり間違っているわけです。


それは、何をどれだけしゃべったのかで決まることじゃないでしょうか?

だから、内容を抜きに表現=自己顕示=芸術的として、

目立ちたがりの突飛なことをするような人こそが、「芸術家タイプ」であるとしてしまうことは、

とてもおかしなことのように思えるわけなのです。


あくまで推測ですけれど、芸能に近いようなものを除けば、芸術に興味を持って、

そこで自分を表現しようと思うような人というのは、どちらかと言えば、

自己顕示欲の弱い内向的な人のほうが多いのではないのかなと。

その中で、一部の自己顕示タイプの人が目立ってしまうというのは仕方のないことだとは思うのですけれど、

それは必ずしも内容とは関係のないことなわけなのです。

そして何より、一緒くたにされていることで、

反対側にいる人たちが切り捨てられているように感じてしまうわけなのです。

「目立ったもん勝ち」みたいなね。


この自己顕示タイプではない側にも目線を持っていかないとダメなんじゃないですかと。 

少なくとも、自己表現と自己顕示ははっきりと違うものだという認識をもって、

芸術というものを見ていかないと、

目の粗いざるのようにドンドンいいものを逃していってしまうのじゃないのかなと。

そんな風に、私は思うのです。



「芸術の役割」が終わりかけて・・・・

これは、正直言って言葉にしたくないことなんですけれど、

「芸術」というジャンルは、徐々にその「本来の役割」を終わろうとしているのではないのでしょうか?

もちろん、今すぐに無くなってしまうとか、完全に消えてしまうとかということではないのでしょうが、

ものすごく緩慢に、長いスパンで、

本質的な意味での「芸術の役割」が消えて行こうとしているという考えが・・・・・

そんな考えが、私の中にはあるのです。


それは、このブログで言っていることとかなり矛盾しているわけですけれど、

現在の「芸術」の、この場当たり的な変容ぶり、この曖昧さ、この取り返しのつかなさ、

この適当さ、この言い訳がましさ、この不健全さ、この希薄さ、この・・・・・

これらの「このありさま」・「この末期症状」を見るにつけ、

『「芸術」はもう必要とされていないのではないのか?』と言う考えが頭をよぎるのです。


20世紀において「芸術」の持つ意味が、大きく変容したことは当然であったのだと思うのです。

社会やその時代の人の意識を反映することは、本質的な「芸術の役割」なわけですから

それに合わせた変容というのは、なければならないと思うわけです。

でも、現在の「芸術」の「この状態」というのは、それに当てはまっているのだろうか?

本質を追究しての変容と、本質を見失っての変容は、

まったく違うものだと言わざるを得ないわけなのです。


もし仮に、「芸術の現状」が後者に当たるものだとするのならば、

常に「芸術」の本流に「本質を見失った芸術」が居座った状態を、延々と続けてきたということが、

もう、すでに歴史にまでなってしまっているのだとするのならば、

これはもう、「芸術」というものが「本質無きもの」となってしまったということなのではないのか?

言い換えれば、「物の本質を問いただし、その根源的な意味を追求する」という

「芸術」本来の役割や意味は、もはや失われてしまっているのではないのか?

もちろん、例外はあるでしょう、「本質を問い続けている者」は居るに違いないのです。

にもかかわらず、「本質無きもの」が常に本流にあり続けることができてしまったとするのならば、

それは、もうすでに「芸術」が本来の「芸術」である意味を失って、

その他大勢の中の「芸術」、たまたまその名で呼ばれているというような「芸術」に

成ってしまっているとは言えないのだろうか?

そして何よりも、その状態を「現在」が受け入れてしまっているということに成るのではないのだろうか?


つまり、「現在」によって公認されている「芸術」とは、「本質無き芸術」の方で、

「本質を追究する芸術」の方は、むしろ「非公認芸術」であって、

それは、とてもゆっくりではあるけれど、消えてゆこうとしているようにも思えるわけなのです。


それでもなお、私がこのブログで何かをしようとしているのは、

何かが終わるには、それなりの「終わり」がなければいけないと考えるからでもあるわけなのです。

そして、その「終わり」は何かしらの「始まり」をもたらすとも考えるわけなのです。


ただ、これは、あくまで希望的な観測ではありますが、

やはり「芸術」に生き延びてほしいという気持ちは捨てることができないというのも

そのもう一方の理由なわけです。




「刺激」と「感動」

芸術と言えば「感動」といってもよいのではないかと思うのです。

実際に、芸術の条件を「感動するもの」と言う人は多いのではないのかなと。


ところが、現代美術を見ていると、そこのところがしっくりこないことがあるのです。

とてもインパクトがあって、強く心に残る作品があった場合でも、

その衝撃力に「感動」が比例していないとでもいうのでしょうか。

ときによっては、むしろ反比例するように感じることすらあるわけです。


これは、私の勝手な考えですが、いつの時点からか「感動」と「刺激」が

入れ替わってしまっているように思うわけなのです。

刺激的で、インパクトの強いものが主流を占めるようになり、

それがないと、どこか乗り遅れたもののように見えてしまうという現象があるのかなと。


もともと「刺激」を求めていたのなら、まだいいと思うのですが、

元は「感動」を求めていたのに、

いつの間にか「刺激」の強さに乗っ取られてしまっているようにも思えるわけなのです。

少なくとも、わたしの場合は、その入れ替わりがあるから、しっくりこないのかなと。


そして、もう一つ重要なことは、強い「刺激」と言うのは往々にして、

人間の精神を破壊するということなのです。

それは、ドラッグがミュージシャンの精神を潰してしまうことなどで、

すでに答えが出ていることではないのかなと。

麻薬とは違うので、「刺激」がすべてダメだとは思わないのですが、

それを、際限なく追及していくのはどうかなと思ってしまうわけです。

ただ単に、「こんなもの芸術じゃない」とか言いたいわけではないのです。

むしろ、惹きつけられる要素があるほど忌避感も強くなると言った方がいいのかもしれません。


何かもう少し素直に「感動」できる方向に、軌道を修正できないものなのかなと。

そんな風に思ってしまうわけなのです。


「芸術の真ん中」っていったいどこなのでしょうか?


現在の芸術の世界を見ると、「芸術の真ん中」っていったいどこなのかなと思ってしまうわけなのです。

多様化したことで、あらゆる方向性を持つようになったことは理解できるとしても、

何処を中心としているのかがはっきりしないと言うのは、受け入れがたいものがあるのです。


そんなことは気にせずに、「いいものはいい」でいいのかもしれませんが、

私はどうしても、ど真ん中だけが抜けているドーナツのようなものを思い浮かべてしまうわけなのです。


それは、ある種の「中身が空っぽ」ということにはつながらないのでしょうか?

現在ある作品自体を指して言っているのではなくて、その成り立ちとでも言うのでしょうか、

作品を作る「動機」や「根拠」みたいなところだと思うのですが、

どうしても、そこにしっかりしたものが感じられないのです。

穿った見方だと言われてしまうのかもしれませんが、

やはり、〝流行り"や〝ウケ狙い"を感じずに見るのは難しいと思ってしまうのです。


それから、もう一つ付け加えれば、とても権威的に感じてしまうのです。

一見すると、とても親しみやすい感じにしている場合も多いのにもかかわらず、

それとは相反して、実態としては、過去に存在していた権威主義と何ら変わらないような、

つまり、芸術と言う世界の中での位置が上か下かで、全てが判断されてしまうような、

階級社会のようなものを強く感じることがあるのです。

それは、むしろポップな感じのものにこそ強く感じる場合すらあります。


そのことも、やはり真中が抜けていることと関係があるように思うわけなのです。

中心が抜けているという不安定感から、安定を求めて権威を生み出すのではないのかなと。


私は中心がしっかりしていたほうが、多様化できるはずではないかと思うのですが、

多様化した最先端だけを追いかけていった結果、

ど真ん中にあるはずの「根拠」や「動機」が、抜けてしまったのかなと。


これは先端での多様化とは違って、

単に〝中心のブレ"を引き起こす元凶にしかならないのではないのかなと。

やはり、中心だけはどこかに繋ぎ止めておく必要があるのじゃないのかなと。

どうしても、そんな風に思ってしまうのは、私だけなのでしょうか?




いま、「芸術」に求められるべきものは「まっすぐな表現」ではないでしょうか?

(主に視覚的な)「芸術」が、「モダン・アート」とか「現代美術」と呼ばれる時代に入ってから、

今日に至るまでの、「芸術」の歴史は「ヒネリ」の歴史だったといってもいいほど、

「芸術」には、ありとあらゆる「ヒネリ」が加えられてきたと思うわけなのです。


「現代美術」においては、常に、「ヒネリ」によって、

斬新さが生み出され、オリジナリティを提示し、作品の意味深さも与えられてきた

と言っても過言ではないのだと思うのです。


もちろん、ヒネラレテいないストレートな作品がなかったということではありませんが、

美術史的な観点からすれば、「ヒネリ」を全面的に前に出したような表現こそが、

時代を形成してきたものであって、

「現代美術」の歴史の中心線上には、「ヒネリ」は二の次にして

できるだけダイレクトに人の心に訴えかけようとするような

「まっすぐな表現」と言うのがあまりないように思うわけなのです。
(ぜんぜんないとは言いませんけどね)


一見すると、ダイレクトな表現形態をとっているような場合でも、

その展示方法や、コンセプトなど、どこかしらに「ヒネリ」があって、

それが必ずと言っていいほど、最も印象的な部分となっていると思うのです。


そんな中で、いま、「芸術」に求められるべきものは「まっすぐな表現」ではないでしょうか?

「ヒネリ」の積み重ねが処理しきれなくなって、いよいよ行き詰ってしまった今、

人の心にダイレクトに働きかける事を第一義に考えた

「まっすぐな表現」こそ求められるべきなのだと思うのです。


「ヒネリ」を一切使わないというのには無理があると思うのですけれど、
(「芸術」によって何かを表現しようとすること自体が一種の「ヒネリ」なのかもしれませんから)

あくまで、それが一番大事なことではないという前提を頭に置いて考えるべきなのかなと。


現在の「芸術」において「まっすぐな表現」を使うことは、

言葉の上での「まっすぐな表現」と言う通りの単純な事ではないのだと思います。

過去において、かなりの部分が「既成の表現」となってしまっている現在においては、

「まっすぐな心」で「芸術」を探求しても、その結果着地するべき場所がとても狭められているわけです。

だから、どうしても「ヒネリ」に持って行ってしまうのだと思います。

でも、その「ヒネリ」の着地する場所もなくなってきてしまった、というのが現状なのだと思うのです。


もともと、「現代美術」は始まりの時点から、ちょっと安易すぎたのだと思うのです。

「抽象表現」にしても、「芸術」の本質を観念の中に見出すという考え方にしても、

十分に必然性のある、そこに向かうべき可能性を持った方向だったのだと思うのです。

でも、それが言葉の上では解決できても「芸術表現」として

具現化するのがあまりにも難しかったので、つい安易にヒネッテしまったのかなと。

そして、一度「ヒネリ」だしたら、安直な割にインパクトのあるその手法に憑依されてしまって

止めるに止められなくなってしまったというところではないのでしょうか?


でも、もうその「ヒネリ」の着地するべき場所もなくなってしまってからでさえ、
(「もう現代芸術は行き詰ってしまった」と言われ出してからでさえ)

かなりの年月が経ってしまっているわけです。

その間、埋め尽くされた足の踏み場も無いような場所の中に何とかして隙間を見つけ出しては、

ヒネッテ着地させる作業を繰り返してきたわけですが、

実際には、着地する場所など考える必要はなかったのかなと。


まっすぐに表現した結果が、多少既成の表現と似ていようが、

真っ当すぎて面白くないと思われようが、気にする必要はなくて、

一直線に自分の心の中心に向かう「まっすぐな表現」だけを見据えていけばよかったのかなと。

その結果であれば、どこに着地したっていいじゃないかと。

その結果であれば、どう思われたっていいじゃないかと。

そう思うことが必要であったのかなと。


そうした中でこそ、「抽象表現」や、「観念」をいかにして「作品」にするのかということを

根底から考え直していくことが、はじめて意味を持ってくるのだと思っているわけなのです。

わたし自身がこれらのことを達成できるという自信は、まったくもって無いのですが、

きっと、誰かがそれを成し遂げるのだろうという確信だけはありますから、

そんなところで、このブログをやっていたりもするわけなのであります。




「芸術」は私物ではないと思います

「芸術」と言うのは、作者の感情や感覚を現したものであって、

その結果、まったくもって個人的なものだということができると思うわけです。

でも、その反面「芸術」は私的な所有物では有り得ないと思うのです。


私の個人的な考えですが、「芸術」は作者自身を含めて何者かに所有されるべきものではなく、

一定のよりどころを持たない、規定の場所をもたない状態に置かれるべきものではないのかなと。


つまり、それは作者から世界に対して投げかけられたままの宙に浮いたような状態であるべきであり、

何かに結び付けられたり、固定されたりしては作者から投げかけられたものが、

その固定されたところにしか届かなくなってしまうわけで、

出来うる限り、自由で不定で偏在しているべきではないのかなと。


もし、そうだとすれば、「芸術」とは法律的な権利の上で誰かに所有されてはいても

本来は、常に何物にも所有されないものであるべきではないのかなと。

作者のごく私的な表現を、その外の世界全体に向かって投げかけるという、

物理法則とは一切無関係のエネルギーを持っていなければ、

また、そのエネルギーが無重力空間のように保存され続けなければ、

「芸術」が「芸術」としての意味をなさなくなってしまうわけで、

それは「作品」ではなくて、ただの「物」や「製品」と同じになってしまうわけなのです。


だから、それが有名な人の作品であろうと全く無名な人の作品であろうと、

また、法的に誰かに所有されて居ようが居まいが、

それが、まさしく「芸術」として作成されたものである限りにおいては、

そこに込められたエネルギーは永遠に保存されているはずだし、

それを、消滅させることなどはできないはずなのです。


要するに、「芸術」は所有してはいけないのではなく、所有することができないものなのではないのかなと。

つまり、お金を出して「芸術作品」を買った人は、「芸術の殻」だけを高額で買わされたわけで、

肝心な「芸術の核」を所有することは出来ないということかなと。


「だから、なんなんだ?!」

「いえ、べつに」

「一人で言ってろ!」

「ハイ、そうしますです」


そんな風に思っています。




デッサン力にも、ゴマカサレルという話

芸術を鑑賞するときに、奇をてらった手法や目新しい素材(メディア)に気を取られて、

その芸術の本質的な部分を見損なってしまうということが、とても多いと思うわけですけれど、

実は、オーソドックスで正統的な手法や技法にも、とても騙されやすいと思うのです。


もともと、「奇をてらった系」のものは、そうしたコンセプト自体がその作品の本質であるという場合も多いので、

誤魔化されたとも言い切れないわけですけれど、

そこに、根源的な力強さがあるかどうかというところを、見誤ってしまうことはあるのでしょう。


でも、「オーソドックス系」については、それ以上に誤魔化され易いとも言えるのではないのかなと。

とにかく、オーソドックスな技法や表現形態と言うのは、歴史の中で切磋琢磨を繰り返してきていますし、

それが、ずっと受け継がれてきているわけですから、

たとえ、それが表面上のテクニックだけでも「いい!」と言わせるだけの説得力があるわけです。

逆に言うと、それを「わるい!」とは言いにくいわけで、

それを、あえて「わるい!」と言うには、オーソドックスな技法の持っている説得力を超えるような

説得力のある理由が必要になってくるわけなのです。


だから、表面上は美しく、また、「上手い」と言われるような描き方をされた絵などを見ると、

どうしても、その本質的な内容ではなく、「文句のつけようのない出来栄え」の方に

誤魔化されて、ついつい「いい!」と言わされてしまう場合があるのだと思うわけです。


しかし、現在ではそうしたオーソドックスな手法というものは、

かなりの部分でシステマチックなテクニックとして確立されてきてもいますから、

ある程度時間をかけて、繰り返し修練を積めば、誰でもとまでは言いませんが、

かなりの人が、そこそこのレベルにまでは到達できるようになってきていると思うわけです。


そして、さらに言えば、その手法を習得していることは手段に過ぎないわけですから、

本質的な部分ではありえないわけですが、時代を経たテクニックというのは

そこの所を、往々にして見誤らせるだけの力を持ってしまっているわけです。


例えばデッサンで言えば、重要なのは対象の本質をいかに〝見切る"かであって、

物の形を〝写し取る"ことではないわけですから、

その写し取るためのテクニックと言うのは本質とは無関係なわけです。

ところが、どこが〝見切った"部分で、どこが〝写し取った"部分なのかは見分けにくいということなのでしょう。


テクニックを習得する過程において、本質を見切る「眼力」が養われてゆくというのが本来の姿かと思われますが、

既に確立されたテクニックを、要領よく習得することができてしまう人もいるようなので、

結果的に、「眼力」が養われる前にテクニックだけを習得してしまうような人もいて、

その人たちが、その後、本質の追究やそれを見極めることに力を使うとは限らないのだと思うわけです。


ですから、デッサン力のある絵や、流麗なテクニックをもって描かれた絵などを見たときには、

まず、見る側も気持ちを強くして、そのテクニックに対抗するだけの力を込めて臨むことが良いのではないかなと。
(これはテクニカルな作品に限らず、どんな場合にも共通して言えることだと思いますが)


もちろん、全ての人がそんなに一所懸命に絵を見たりするわけはないのですが、

実際は、「見る目のある人」と「見る目のない人」が居るというよりは、

そうした、「見るときの気構え」で左右されている部分があると思うので、

そんな「気構え」で芸術の鑑賞をしてみるのも、やってみるぐらいの価値はあるのかなと。


そんなところが、おススメです。




芸術が社会現象の発端であると考える理由

私は、このブログの本題である「宣言文」の中で、「芸術」や「哲学」と言うのは

世の中に起きていることに対して、或は、これから世の中に起きることに対して、

少なからぬ責任があって、芸術家や哲学者を名乗る者は、

その責任を感じて、創作や探究に当たるべきであると言っているわけですけれど、

それは、いささか「芸術」や「哲学」を偏重した見方なのではないのか?

と思う方もおられるのかもしれません。


それは、それでもっともなことだとも思うわけですけれど、

それでも、やはり私は「芸術」と「哲学」は社会で起きる現象の発端であると思いますし、

また、そうあるべきであるとも思ってしまうわけなのです。


ここで、はじめにお断りしておかねばならないのは、

これは、決して芸術家や哲学者が預言者であるとか、

偉大な芸術家(哲学者)は、世の中を先導するような力があるということが

言いたいわけではないということです。


そういった、「芸術」や「哲学」を買い被ったようなことが言いたいのではなく、

例えば、「食」に関わる人は当然のこととして、衛生面や、栄養面、

それ以前に、安全性に対して責任があるわけです。

さらには、私個人といたしましては、「味覚」に対する責任までもあると考えておりますが、

いずれにしても、どんな業種にもそういった責任があるはずなわけです。


それと、同じ意味で「芸術」には「芸術」の、「哲学」には「哲学」の

責任があるというようなことが言いたいわけですね。

ですから、このことは、ほかのどのような業種に対しても、

転じて同じことが言えるのだと思っておりますが、

たまたま、ここでは「芸術」の話をしていますので、

このような言い方になっているというだけのことなわけです。


それから、これは何も「偉大な芸術家」や「偉大な哲学者」に限ったことではなく、

その対象となるのは、「芸術家」・「哲学者」を名乗る全ての者なのです。

「私なんか、そんな影響力などありませんから」というのは通用しないということです。


これは、上の「食」に関わる者の例を考えれば当然かと思うのです。

「私なんか大した料理人ではないですから」という理由で、

衛生面や安全性をないがしろにしていいはずがないわけですから、

「芸術」だけが特別扱いされて当然というのが、むしろおかしいわけなのです。


さて、そこで、なぜ「芸術」と「哲学」が、社会現象の発端であるのかと言うことですけれど、

そもそも「芸術」と「哲学」は、物事の本質を追究する分野であると考えておりますので、

それら二つのジャンルと言うのは、

今見えている「事実」や、起きている「現実」から、そこにある本質を見出して、

それらの持っている「真の姿」を探究するために存在している分野だと思うわけです。


つまり、現在起きていることや、見えているものよりも

さらに「本当のこと」に近づいたものを、研究したり表現したりするための分野であるのだと思うわけです。


ですから当然のこととして、その「本当のこと」が将来に、現実となって立ち現われてくるわけなのです。


そこで、また「やっぱり預言者(先導者)だと言いたいのか」ということが出て来るわけですが、

そうではなくて、「真理」や「真実」などと言うもの自体が、形のあるものではないわけですから、

追究するといっても、それはそうそう達成されることは無いわけです。

実際には、「真理」や「真実」を〝追究しようとする者"が、

「芸術家」であり「哲学者」なのだと思っておりますので、

預言者のような「断定」は、できるはずがないのだと思うわけです。

(もちろん、私がこの「宣言文」の中で断定的に述べていることのように、これは、もう疑いの余地がないでしょうという場合もあるわけですが、それは、「芸術」や「哲学」の探求とは、また別のことだと思っているわけです。)


じゃあ、なぜその「本当のこと」が将来「現実」となっていくのかと言えば、

それは、人々が「芸術家」や「哲学者」を、どこかで信頼しているからだと思うのです。

「美術家」が、これを美しいと言っているのならば、これが美しいのだろう。

「哲学者」が、これを「真理である」と言っているのだから、これは間違っていないのだろう。

と言った、信頼があるからこそ「美術家」が美しいと言ったものが、

「美しい」ことに成っていくのだと思います。


「そんないい加減な!」と言われればそうなのかも知れませんが、

それが現実だと思います。

そして、この点においてだけ、「芸術」と「哲学」は、

他の業種と違って、特別なのだと、私は思っています。


「芸術」と「哲学」は、ほかの業種とちがって、

「真実」や「真理」と言う人間には直視できない領域を扱っていますから、

その精度や正統性を確かめることはできないわけで、

どうしても、「芸術家」が「芸術」だと言えば、

それが「芸術」であるということに成ってしまうという性質があるわけです。


このようなことによって、「芸術」と「哲学」が社会現象の発端になっていると、私は考えるわけなのです。

そして、上に述べたように「芸術家」や「哲学者」が言ったことが、

そのまま通ってしまうという性質もあると思いますので、

そこには、さらに重い責任を感じて、ことに当たるべきではないのかなと。


そんな風に思っているわけですけれど、

素人くさい人間が、こういうことを言うと、

〝ヒジョーニ"嫌がる芸術関係の方がいらっしゃるように思うのですが、

それは、私に言わせていただけるのであれば、

〝ヒジョーニ"無責任なことですし、

〝ヒジョーニ"悲しいことでもあると思ってしまうわけなのです。


それは、言ってみれば、腐った食べ物を平気で扱っていながら、

「私は、食のプロだから」などと言っているのと同じことなわけで、

まして、それを「芸術家」ですと言ってやっているわけですから、

〝ヒジョーニ"見っともないと言わざるを得ないわけなのです。


そんなことを考え無くても「絵なら、絵だけ描いていてもいいんじゃないか」という考え方では、

「絵」ではあっても、「芸術」ではないと思うのです。

それは「技術」であって「芸術」ではないと思うのです。


「芸術家」の作品が稚拙だと馬鹿にされたり責められたりしますが、

私といたしましては、最も責められるべき「芸術家」とは、

「芸術」に対して不真面目な者以外の何物でもない、と言いたいわけなのです。


と、ちょっとガンバッテ言ってみた。




「芸術」は「自己満足」なのか?ということ

芸術表現や創作することについて、「そういうのは、所詮自己満足だろ」と言うことがよくあるわけです。

第三者が言うことよりも、作者本人が言っていることの方が多いように思います。

そして、私もよく言っていたと思います。


でも本当は、「自己満足」なんかじゃないと思うわけです。


本当に「自己満足」だと思っていてやっているわけではなくて、

どこかで、自分以外の人にも〝伝えたい"

いや、〝伝わってほしい"と思ってやっているのだと思うのです。


それから、人から見たら、まずもってわからないような「小さなコダワリ」についても、

「こういうのって、自己満足だよな」と思ってはいるわけですけれど、

やっぱり、何かそこから伝わるものもあるのではないかと思っているからこそ、

そういう人から見たらどうでもいいようなことに、

「そんなことに、そんなに時間かけてるんですか?」と言うようなことをやっているわけです。


そしてまた、実際にも、人が心血を注いで作り上げたものが、

一人の人にも伝わらないなどということは、どう考えてもあり得ないとも思うわけです。


だから、「自己満足なんですよ」なんて言わなくてもいいと思うのです。

私は最近になって、

この「照れ隠し」とも言える「小さな弁解」を、なるべくしないようにしています。


それは、なぜかと言えば、自己表現において、

どんなに小さなことにこだわりを持とうと、

人から見てどんなにくだらないことであろうと、

それに対する「弁解」や「照れ隠し」は必要ないということを、

一段と強く思うようになってきたからです。


と言うよりもむしろ、それは、表現しようとする者の責任として、

「言うべきではないのではないか?」と思うようになってきたということかもしれません。


有名な作家であれば、「自己満足」だといっても「謙遜」としかとられないわけですし、

聞いた相手も、「そうですか。自己満足なんですね。」なんて言わないでしょうから、

それを言うことに、あまり意味はないと思います。


でも、有名でない者が、それを言ってしまうと、

「そうだよね。売れないものを時間をかけて作って、本当に自己満足だよね。」と思われてしまうでしょう。

そして、「やっぱり、自分のやっていることが恥ずかしいから照れ隠しをするんだろう。」

「立派な、売れるような作品が、作れないから弁解しているのだろう。」

ということを自ら認めることに成ってしまうわけです。

私自身が「自己満足」と言っていたときには、そういう弁解的な気持ちがかなり入っていたと思います。


でも、そういうことで、自分だけでなくの全ての無名の創作者達についても、

それを認めることに成ってしまうわけなのです。


ですから、私はできるだけ「自己満足」と言うのを避けるようにしたわけです。
(まだ、習慣的に使ってしまうことがありますが)


そして、だからこそ、「本当の自己満足」の制作はしないようにしようと、

「自己満足などではありません。」と言い切れるものだけを創っていこうと、

心に誓うわけなのです。




芸術における「完成度」とは?

芸術作品においては、その「完成度」によって評価がなされることが多いと思うわけです。

それが間違いだとは思わないのですけれど、果たして可能なことなのかなと。


現代の芸術が、多様な方向性を持っているということは、

誰もが認めざるを得ないことに成っていると思うわけです。

それは、一人に一つの方向性が認められている状態と言えるでしょう。


その前提で言うとすれば、

そこで言う「完成度」とは、

一人に一つの「完成」を想定した「完成度」ということに成るわけです。


つまり、全ての作家の「完成度」は、それぞれ〝唯我独尊"のもので、

比べるものは無いということです。


だとすれば、その「完成度」の「度」とは、何なのでしょう。

比較するものが無い状態で、「度合」を計ることはできるのでしょうか?

また、できたとしても、それに意味があるのでしょうか?


例えば、写実画を目指している人が二人いて、

片方の人の絵が〝リアリティ"で上回っていれば、

一見「完成度」が高いと思えるわけです。


ところが、一人に一つの多様性が認められている現代においては、

もう一人の人の絵が、「敢えて〝リアリティ"をそこで止めたのかも知れない」

ということも考えて判断しなければならないわけです。


そうなると、その人にとっては、そこが頂点なわけで、

もう一人の人の絵と「完成度」で比べることはできなくなるわけです。


もちろん、そういう方向性の違いを包括した「完成度」と言うものもあるとは思うわけですが、

それを、人が判断すれば、相当あやふやな結果が出てきてしまうのではないのかなと。

そしてさらに言えば、明確な指標が無いわけですから、

その時の流行や、周りの状況に大きく左右されてしまうわけです。


だから、現代の芸術においては、「完成度」によって評価を下すことには、

かなり慎重になるべきなのではないのかなと。


というよりも、芸術作品に対して公的な評価を下すということ自体に意味がなくなりつつあるのかなと。


作家において、一人に一つの方向性が許されたのであれば、

鑑賞者においても、一人に一つの視点が発生しているはずなわけで、

その視点もまた、〝唯我独尊"であるはずなのです。

それは、短絡的な〝好き嫌い"だけの判断とはちょっと違うのじゃないのかなと。


そんな〝唯我独尊"の視点で見れば、

きっと、流行とは無関係の〝何か"に出会えるように思うのです。


そして、芸術というものが、今ほど偏った範囲の視界で捉えられることがなくなり、

本当の意味で「芸術の多様化」が実現されるのではないのかなと。


そんな、希望をもっているんですが、

現実はそういう感じでもなく、

でも、思うだけならタダだから、

「まっ、いいか!」

と言ったところです。




「著作権」は守ってくれない

「著作権」と言うものが、創作者の権利を守っているということに成っているわけですけれど、

これは、少し違うように思うわけです。


例えば、現在、プロスポーツの世界などを見ても、

一部の選手の報酬が度を越して高額に成ることで、

そのスポーツの世界全体の首を絞めることに成ってしまうということが、起きて来ているわけです。


つまり、トップに居るプレーヤーと、その下の者との差があまりに激しいと、

結果的に、その世界全体の潜在力を低下させてしまうのかなと。

実際、報酬とは無関係のアマチュアリーグや

プロチームの下部組織のクラブチームなどが充実している場合に、

そのスポーツの潜在力は高まるように思えます。


スポーツの話と、創作に関する「著作権」は一緒ではないと思いますが、

「著作権」もこうした極端な不均衡を作り出してしまう傾向があるように思うわけです。


現実には、「著作権」によって守られるのは「売れる物」だけであって、

「売れない物」は全く守られてなどいないわけです。


これを言うと「負け犬の遠吠え」と取られるかもしれませんけれど、

創作にしてもスポーツにしても、

「売れる物」と「売れない物」の比率が、かなり偏っていることは間違いないわけで、

例えば、1:100(それ以上?)みたいな極端な比率になっているわけです。


その「100」を切り捨てて、「1」だけを守っているものを、

その世界全体を守っているかのように言うのは、「看板に偽りあり」なのではないのかなと。


当然、みんな必死で、「1」の方に入ろうとするわけですけれど、

本当は、自分が持っているものを何かの形にして表したいという気持ちでやっていることで、

「1」に成るためにやっているわけではないように思うわけです。


ですから、「著作権」など「売れる物」だけを守る「権」ではなく、

底辺に居る創作者を守るような「権」があればいいのになと、

そんな風に思ってしまうわけなのです。


現在、義務教育において、「美術」や「音楽」、「文学」など創作に関わる教育を

ある意味強制的に与えられているわけですから、

国民全員が「創作の種」を蒔かれているわけですよね。


そうなると、創作を志望する者(芽を出す者)が、たくさん出て来るのは当然の結果なわけですよね。

それなのに、それに対する受け皿がないわけですね。

その結果が1:100なわけです。


そして「1」の方だけしか守られないわけです。


私個人の考えですが、「著作権」などいらないから、

「経済」とは無関係な「創作できる環境」と「表現できる環境」

がもっと増えればいいなと、

そして、それは創作者だけでなく、

みんなにとって、なんとなくいいことのような気もするかなと。


そんな風に思っています。



「人間性の芸術」

芸術表現に必要不可欠なものとは何でしょうか?


人それぞれに考えるところがあると思いますけれど、

私は、「具象」・「抽象」・「人間性」の三つだと思っております。


「具象」は表現力であります。

「抽象」は精神性であります。

そして、「人間性」は、その精神性の中でも

最も〝芸術であること"そのものであり、

また、人間にとって最も具体的なことでもあるわけなのです。


つまり、「具象」と「抽象」の「二極」をまとめて〝力と形"を与える核となるものだと思うわけですね。


要するに、人間であることこそが人間にとっての真実であって、

それは、正しく「芸術の中心」でもあるわけです。


私は、〝人間であること"を抜きに〝芸術であること"もあり得ないと思っています。

ですから「人間性」を無視した芸術と言うのは、私には考えられないわけなのです。


でも、これは芸術に限ったことでもなくて、

他のどんなことでも「人間性」を無視したものと言うのは、

私にしてみれば論外なわけです。


例えば「出来る」と言うと、イイコトだということに成っていますが、

そこに「人間性」が伴わないと、それはマイナスとしか思えないわけです。


なんでもそうですが、「人間性」を伴わないようなものに価値を認めるというのは、

滑稽な事のようにしか思えないわけです。


なぜなら、全て人間がやっているわけですから、

「人間」を重視しないようなものが「良い」ハズがないわけです。


現在、とくに「仕事環境」において、

「人間性」を軽視する傾向があるようですけれど、

それは全く無意味なことだと思うのです。


そういう時に、「人間性」を踏みにじってまで選択されているのは、

たいてい、「効率」や「能力」と言ったものだと思いますが、

いちばん〝バカバカしい"のは、

「人間性」を伴わない「効率」・「能力」こそが、

もっとも、全体の「効率」・「能力」を低下させているということでしょう。


100年以上前ならば、それにも少しは意味があったのかもしれませんが、

現代においては、それらの単純な「効率」・「能力」は、全部機械がやってしまうでしょう。


要するに、そうした「効率」・「能力」は、単純作業において重要な要素であって、

内容が奥深くなるほど、切り捨てられていくべきものなわけです。


現代においては、それらの「効率」・「能力」の切り捨てられる部分を

如何に最小限にとどめるかが重要なわけで、

人間がそういう作業を行う際には、「人間性」が不可欠となるわけです。


この「効率」や「能力」を芸術の創作に置き換えて言うのであれば、

「技術」がこれに当たるでしょう。

「技術」も、その技法が確立される以前であれば、意味があったのだと思いますけれど、

既に確立された技術と言うのは、単なる手段としての意味しか持たなくなってしまうわけで、

それを目的として指標とすることには、意味がないと言わざるを得ないのであります。


話が逸れてしまいましたが、こういったことも含めて、

人間にとっての真実が、〝人間であること"なわけで、

その真実を現すことこそが、芸術の中心であるべきだと考えるわけなのです。


ですから、「具象」も「抽象」も言ってみれば手段に過ぎず、

「人間性」こそが芸術の本質であるとも言えると思うわけなのです。


少なくとも現在において、

わたしは、そんな風に思っております。



「芸術を見つけ出すこと」

20世紀以降の美術においては、一般的には「芸術」と無関係なものでも

「芸術の場」に持ち込むことで、そこに芸術性が生じるという考え方があるわけです。


作品の中に、「芸術」とは思えないような、言ってみれば「非芸術的」な”何か”を取り込むという考え方も含めれば、

第二次大戦後の先進的な芸術分野においては、

こういう考え方が主流であったと言ってもいいように思います。


こういった考え方において、追究されていたのは”「芸術」を見つけ出すこと”だと思うのです。

つまり、それまでは”「芸術」は創り出すもの”だと思われていたわけですが、

それを、”見つけ出すこと”にこそ価値があると考えたわけなのでしょう。


そして、その”見つけ出す”作業も「一種の創作」であるという拡大解釈が、認められてきたわけです。


でも、私は、「芸術」を”見つけ出すこと”だけだと、

それは鑑賞者における、「芸術性」なのではないかと思うわけです。


創作者は”見つけ出した”ものの中の「芸術」をさらに加工して、

「芸術性」を高めたり濃縮したりして、作品とするべきなのではないのかなと。

そして、その作業こそが「創作」に当たるものなのではないのかなと。


それに、もし「芸術」でないものの中に「芸術」を”見つけ出した”のならば、

それは「芸術でないということ」こそが「芸術的であるということ」が”見つけ出された”わけで、

それを「芸術の場」に持ち込んでしまっては、全く意味がなくなってしまうわけです。


それでも、

『いやいや、それは始めから「芸術」だったのではなく、

「芸術の場」に持ち出されたことによって「芸術」と成り得たのだ。』

と言う”ヘリクツ”(悪い意味ではなくて)は成り立つと思いますけれど、

それは、あくまで「芸術の断片」であり、その「芸術のカケラ」をもって、

「芸術」と呼んでしまっていいものなのか?と思うわけです。


私といたしましては、常道や常識から外れたところに”何かを見つけ出すこと”が、

「芸術」の”キッカケ”であるとは思うのですが、

それは、「芸術」の”スベテ”ではないと思うのです。


それは、料理人が素材選びに力を注ぐのと同じようなことで、

厳しい言い方をすれば、「当たり前のこと」なわけです。

どんなにいい素材を”見つけ出して”来ても、それをただテーブルの上に並べただけでは

それは料理ではないわけです。

要するに、そこまでも当然やるべきことではあるのですが、そこから先が重要だということでしょう。


”見つけ出すこと”がダメだとは言いませんけれど、

足りないのです。

人間の、作者の、”かかわり”が足りないのです。

”見つけ出した”だけじゃ全然足りないのです。

”見つけ出したこと”なんてどうでもよくなって消え失せてしまうくらいに、

強く”かかわら”なければ、いや、それでも足りないくらいなのですから。


もともと、「芸術」とは、人が何をなし得るかと言うことに対する「挑戦」なわけで、

人がどこまで「真実」に迫れるのか、

人がどこまでそこに”かかわり”を持てるのか、

そして、人がそれをどこまで表現し伝えることができるのか、

と言う”人間の戦い”の塊のようなものだと思うわけです。


だから、人がいかに濃密にそこに関わり、自分以上に自分自身であるような、

そういう濃厚な自己表現があってこそ、それが「芸術」たりうるものなわけで、

”見つけ出した”だけでは百万分の一にもならないわけなのです。


とは言え、”見つけ出すこと”も、当然のこととして、とても重要なことではあるわけですから、

”見つけ出すこと”を ”見つけ出して”くれた20世紀の巨匠たちには感謝いたしますが、

われわれは、もう、そこに留まって居てもしょうがないわけです。


そこには、もう私たちの居場所はないんだと思うのです。


”見つけ出した”「芸術のカケラ」が「芸術的」か「非芸術的」かなんてことは、

どうでもいいようなチッチャイことで、

それを自分の意識で全部埋め込んでわからなくしてしまうくらいに、

強く”かかわって”いかなければ、なんにも始まらないなと。


そういった気持ちで、やっております。

「あぁ、出来ないですけどね」

でも、出来なくたって、やるわけです。


まぁ、ようするに、そういうことです。



「芸術」は文化遺産なのか?ということ

芸術作品と言うと、繰り返し修復しながら維持管理していくというのが、

当然のことのようになっているわけです。

当たり前のことのようになってしまっていますから、あまり疑問を持つこともないわけですけれど、

実際には、これはとても微妙な問題を含んでいることのように思われるわけなのです。


まず一番に思うのは、作者がその修復を望むかどうかということが

確認されない場合が多いということなわけです。


作者本人が亡くなっている場合が多いですから、

その場合、確認のしようもないわけですけれど、

それ以前に、作者の意向を確認しようという気が、まったく無いという感じがあるわけです。


作者は、自分の作品が守られ管理維持されることを望むに決まっている

という決めつけがあるように思うわけです。

でも、実際には、レオナルド・ダ・ヴィンチが「最後の晩餐」を修復して欲しかったのかどうかは、

誰にもわからないというのが事実なわけで、

もしかしたら、その修復にレオナルドが激怒したのかもしれないわけですし、

また、自分の作品に手を入れられること自体を嫌ったかもしれないわけですが、
(彼の場合、それはかなりの確率で考えられることのような気がするのですが)

そういうことは、そっちのけで、修復作業の出来栄えばかりが論じられたりするわけです。


要するに、こういった古い時代の作品は、「文化遺産」として捉えられている側面があるわけです。

だから、”作者”と言う感覚が抜けてしまうのだと思うのです。

公共物と言う扱いなのでしょうか?たぶん。


比較的新しい作品についても、修復や保存と言うのは当然のことに成っているのでしょうが、

”法律的な権利”云々は別にして、

少なくとも、そこで何らかの敬意を込めて保存しようとするのであれば、

作者の意向が反映されて然るべきなのかなと思うわけです。

確認しようがないから、勝手にやっていいということにはならないでしょう。


次に気になるのは、そもそも「芸術」というのは「文化遺産」なのか?ということなわけです。

つまり、修復したり保存したりする必要自体があるのか?

まして、国家や公共の力で、それを行うのは適切なことなのか?ということです。


これは「芸術」の捉え方によって、だいぶ話が違ってきてしまうことですけれど、

私は、「芸術作品」と言うのは極めて”個人的”なものだと思っております。

つまり、「公共物」とは正反対の位置にあるものだということです。

ですから、それを”公の力”を使って保護したり補修したりするのはちょっとおかしいのかなと思うわけです。

「公共」や「国家」が守るべきは「芸術」であって、「芸術作品」ではないように思うのです。


と言うよりも、むしろ「芸術作品」をあまりにも保守しすぎると、

「芸術」が頭打ちになって、行き詰ってしまうようにも思われるわけです。


私個人といたしましては、”滅びゆく様”を含めて「芸術」だと思っております。


修復や保存と言うのは、「芸術作品」を神格化してしまうことであり、

また、その神格化の中でも一種「偶像崇拝的」な、意味を与えてしまうものだとも思いますので、

如何なる重要作品についても一律に、修復や保存は消極的なもので十分ではないのかなと思います。


ある程度整った環境で、無理のかからないような条件下に置かれていれば十分なのではないのかなと。


作者本人が、どうしても保存したければ、

遺言にでも保存方法についての指示を、事細かに書いておけばいいのだと思います。


今後、医療における「延命措置」と同じように、

「芸術作品の保存」についても、生前から本人の意思を表明しておく必要が出て来るのかもしれません。


でも、先ほど述べましたように、私は、「滅びゆく様」を含めて「芸術」と思っておりますから、

自作品を、他人の手をもって修復してまで生き延びさせようとすることは、

「芸術的な態度」とは思えないのであります。


もし、どうしても「千年持たせたい」なら、「千年持つ作品」を自分の手で作るべきだと思ってしまうわけです。


「千年持たせる」だけの価値があるのは、「作品」ではなくて、

その人が、その瞬間に感じた”熱情”であり”衝動”であり、そこに注がれた”力”でしょう。

そして、また、それを見た人が感じ取った”何か”でもあるのでしょう。

それは、その「作品」が百年間モッテも、千年間モッテも、同じことのように思われるのです。


その「作品」が”滅びた”後は、他の「作品」がその位置を埋めるだけのことだと思います。

そして、それでいいのだと思うのです。


「芸術」とは、そういう分野であった方がいいような気がします。

昔の傑作にすがり付いてしまうと、次が出てこられなくなるんじゃないのかなと。

「芸術作品」は唯一無二だから修復するのではなくて、

唯一無二だから、”滅びてゆく様”を邪魔してはいけないように思うのです。

場合によっては、作者本人ですら、後からやたらと手を付けるべきでないとも思うわけです。


”滅びるべくして滅びた”後には、伝説が残るのかもしれないし、

何も残らないのかもしれない。

そこまで含めてが、その作品のあるべき姿なのだと思うのです。

「芸術」っていうのは、そんな風なものじゃないでしょうか?


それを”惜しい”と思う気持ちがあっても、それに引きずられてはダメなのです。

それが”自然な滅び”を迎えることで”新たな芽”が出るのだと思うのです。


”滅びと再生”それが「芸術」の持っている一つの本質ではないのかなと。


そんな風に思っています。




”何処かに向かって行きたい”のです

現在、「芸術」に新たな方向性が見つけにくい状況になっているわけです。


でも、逆に「芸術」に関しては、全ての方向性が許されているとも言えると思うわけです。

現在は「芸術」に関する枠組みが解体されて、

不定形の「漠然とした雰囲気」だけが「芸術」を「芸術」足らしめているといってもいいと思うのです。

つまり、あらゆる方向へ向かうことが肯定されたことで、

方向と言うもの自体の意味が無くなってしまったわけなのです。


どこかに向かって進んでいても、それは違う視点から見れば、

「前進」ではなく「後退」であるのかもしれないわけだし、

また違う観点をもってすれば、止まっているということなのかもしれないわけです。


方向に意味がなくなった以上、”何処かに向かって行く”ということが出来なくなってしまったわけなのです。


でも、やはり”何処かに向かって行きたい”わけです。

人間には”何処にも向かわずに”何かをすることは出来ないように思うのです。


ですから、私は、「下」へ向かおうと思うのです。

「深さ」へ行こうと思います。


「深さ」の意味は人によって違うでしょうが、

これまでは、「深さ」も「高さ」に変換されてしまっていたように思うのです。

だから、常に「深さ」は、上等なことでしたし、良いことだったわけです。


でも、私はこれから、真っ暗で何も見えない深海のような「深み」へ向かおうと思っています。

それは、上質への飛翔でも、良いことへの邁進でも有りませんが、

その「下」へ向かう、暗闇の中での手探りが、”方向性を持たない方向”のように思われるわけです。


意味のある言葉にはなりませんが、それでいいわけです。

それが”方向性を持たない方向”ということなのだと思うのです。


まったく不確かですけれど、

そこにしか行くところが無いように思われます。

でも、”何処かに向かって行きたい”ので、そこに行くわけです。


トンネルではないので、たぶん出口はありません。

進めば進むほど、暗くなるのでしょう。


でも、それでいいわけです。

”何処かに向かって行く”ことができれば、

何かをしたことにはなるのでしょう。


私は、”何処にも向かわずに”何かができる気がしませんから、

こうするしかないのかなと。

つまり、私の分際に許される限度がそこら辺なのかなと。


そんな風に思っております。




「高さ」と「深さ」

前の記事の続きです。


「芸術」においては、これまでも「深さ」は重視されてきたと思うのですけれど、

実は、「深さ」を「高さ」に変換してしまっていたように思うのです。


つまり、「深い」=「上質」とされてきたわけです。

別に間違いだというのじゃありません。

でも、「深さ」と言うのは、”下へ”の追究でもあるわけです。

「下」なのに「上」と言うのも矛盾しているように思えるわけです。


だから、純粋に”下へ”向かう「深さ」があってもいいのかなと思うわけです。


そもそも、「深さ」と言う言葉が「芸術」において多用されるのは、

単純に「いい」とか「上等」とかいうのとは違う、

どこかに、「負の要素」を含んだ言葉だからなのかなと。

「正」と「負」が織りなす複雑さを表現するための言葉なんじゃないかなと。


「深さ」は「芸術」の「負」の部分を担っているようにも思えるのです。


だから、「深さ」は「高さ」に変換せずに”下へ”の「負」の要素として、

機能させていくというのもあっていいように思うのです。


そしてさらに言えば、これまでは「正」に対する付加価値的な位置にあった「負」の要素を、

もっと、主役として起用していく必要性が出て来るのかなと。


今後、これらの「正・負」や「深さ・高さ」だけでなくいろいろなことについての、

位置の逆転が求められるのかもしれません。


この「逆転」と言う言葉だって、常に逆転して”良くなる”と言う使い方がされてきたわけですけれど、

それでは、本当の価値は逆転していないとも言えるわけです。


と言っても、「負ですから、大したことはありませんよ」と開き直ってしまっては、

そこでも、価値は逆転できないように思うので、

もっと普通でいいんじゃないのかなと。


逆転だからと言って、あまりひっくり返そうとすると、

メビウスの帯のように、元の位置に戻ってきてしまうように思うわけです。

ごく自然に、人の意識の中の価値が”逆”に展開していけばいいのかもしれません。


ですから、これから”本当の逆転”を見たいと思っております。

”本当の負”を知りたいと思っております。

そして、”本当の深さ”を表現出来たらなと。


そんな風に思っております。



「わかること」と「それを表現すること」

芸術作品に触れて、その価値や意味が、

「わかった!」と思える時と言うのは、誰しもあるものだと思います。

「来た!l来た!来た!」みたいなやつですね。


そこで、「わかった!」のであれば、

その「わかった!」ことをそのまま表現すれば、

その作品に匹敵するような作品に成るのかと言うと、それがそうはいかないわけです。

(もちろん、”マネ”するとか、そこから何か”イタダク”とか、そういう話ではなくてですね。
もう少し抽象的な意味での、”伝わってきた力”みたいなものでしょうか。)


「わかった!」ことを、「表現する」ためには、

それを”確信”できるほどに、”把握”しなければならないのだと思うわけです。


ここで言う”確信”とは何かといえば、

一言で言って、「思い込み」だと思います。


人の作品に触れて、いくら「わかった!」としても、

それは他人のものですから、自己表現には至らないわけです。


でも、それが、その作品の作者の意図なんかそっちのけになってしまうくらいの

「思い込み」によって”確信”されたとき、

その「わかった!」が自分の中で”把握”されて自分のものに成るのだと思うのです。


これは人の作品に限らないことで、自然のものでも、何かの出来事でもなんでも同じだと思います。

そこから何かを感じ取ったとしても、

そのままでは自己表現として、それをもう一度外に出すだけの「力」はないように思います。


また、これは芸術上の表現だけのことでもなくて、

他のことにも、全般的に当てはまるように思うわけなのです。


例えば、「今日は雨が降りそうだな」なんて言う予感みたいなものがあったとして、

それを「降りそうだね」と言っただけなら、

それはただの予測程度ですが、

なんらかの「思い込み」によって、「絶対に降る」と言った場合は”確信”されているわけです。


ここでは、科学的な根拠があるかどうかとか、

実際に雨が降るかどうかとは、無関係な話としてですね。

つまり、自分自身の中で「降る」が”確信”されているかどうか、

「降る」が、”把握”できるほどのリアリティを持っているかどうかと言う話ですね。


もともと、人間は誰でも皆、”理屈抜き”の予測力のようなものを持っているように思うわけです。

もう少し正確に言えば、”理屈で説明する意味がない”予測力かも知れません。
(芸術作品を見たときで言えば、「感性」がそれにあたるものなのでしょう)


だから、雨が降るような”気がしたり”するのだと思います。

でも、それだけだと、あまり人に伝わらないわけです。

「降りそうだね」だと、人は傘を持っていくところまでいかなかったりするし、

ことによると、自分でさえ、傘を持たずに出かけたりするわけです。


でも、「絶対に降る」なら傘を持っていく人は増えるでしょうし、

自分は間違いなく持っていくでしょう。


結果的に雨が降らなかったとしても、

その「確信」が人の心を動かしたことにはなるわけです。


その「絶対に降る」的な”確信”が有るのと無いので、

表現として外に向かって現されるだけの「力」を持つかどうかが別れるのだと思うわけです。


「漠然とした予測」までは、誰もが無意識のうちにやっているのだと思うのです。

でも、そこから”確信”に至るには、”把握”が必要だし、

それをさらに表現すれば、責任が発生します。


「思い込み」と言うと無責任なものを思い浮かべてしまうかもしれませんが、

実は、雨が降った後で、「やっぱりね、降ると思ってたよ」というのが、

いちばん無責任なわけです。


「降るような気がする」は、みんな「わかっている」ことなわけで、

それを自分の中で「絶対に降る」にまで持っていって、

さらに、それを外に向かって表明できるかどうかが分かれ目なわけですから、

結果がわかった後で言うことには全く意味がないわけです。


要するに、そこには”確信”された「思い込み」はないということです。

既にわかってしまったことでは「思い込みようがない」と言うわけです。


それから、この「思い込み」に客観性を持たせようとしてしまうことがあるわけですけれど、

これは、ただ単に体裁を繕うだけなので止めるようにしたいものだなと。

客観性を持たせてしまったら「思い込み」でもなんでもなくなっちゃうので、

意味がないわけですから、そういうのが無責任な「思い込み」に成るのかなと。


こんな考え方はどんなもんなんでしょうか?

こういうのも一種の「思い込み」ということで。




「芸術」は手の届く所に置いておいてほしい

「芸術」を理解するには、「芸術に対する素養」が必要であるという考え方があるようです。

これを間違いだとは思いませんけれど、

こういう考え方は、出来るだけ強調しない方がいいように思うわけなのです。


要するに、それは「芸術」を一般人の手の届かないところに

持ち上げてしまうことに成るように思われてしまうわけですね。


確かに、「ナニカ」について何も知らずにそれを理解することは出来ませんし、

何も見ずに「ナニカ」を感じ取ることもできないのでしょうから、

情報が多い方がいいに決まっているわけですけれど、

最も大事なのは情報の”質”であって”量”ではないのだとも思うのです。


そして、その”質”とは、「与えられる情報の質」ではなくて、

情報を受ける側の「響きの質」であるように思うわけです。


つまり、どんなに「上質な情報」でも受け手に「響かなかった情報」には価値がないということですね。


例えば、カレンダーの絵柄としてみた絵でも人の心に「響く」場合もあるし、

わざわざ外国の美術館まで見に行った絵でも「響かない」かも知れない。


とは言っても、もちろん「本物」は「響く」確率が高いに決まっているわけです。

「美術史」や「芸術論」についての知識もあった方がいいのでしょう。

でも、それを強調してしまうと、一般人は「さようなら」なわけです。

と言うか、最初はみんな一般人なわけですし、

誰しも、はじめから「芸術論」ではないはずなわけで、

最初のきっかけは「カレンダーの絵」だったりするわけですから、

それをことさらに強調する必要もないのかなと。


そこで、「芸術的な環境」に恵まれていることが、

どれほど重要なことなのかは計りかねますが、

少なくとも周りがそれを強調する必要と言うのはないように思うわけです。


それに、「芸術的な素養」のない人を締め出してしまうと、

結果的には、「芸術」の世界が小さくなって、

その小さい世界の中で「あーでもない、こーでもない」と言っているような、

つまらないものに成り下がっていってしまうのかなと。


だから、出来るだけ門戸を広く開いて、

「誰でも自由に入れますよ」ということにしておいた方がいいような気がします。


少なくとも、私なんかはそうでないと入って行かれなくなってしまいますから、

そういう感じにしておいて欲しいなと思ってしまうわけなのです。


「芸術」は誰でも手の届くところにあった方がいいのかなと。


そのように望んでおります。





相対化した時代の「芸術の中心」

現在は、一面として「相対化の時代」であると思うのです。

その「相対化の時代」においては、中心と言う概念が失われてしまう傾向があると思うのです。

そんな現在において、「芸術の中心」に果たして意味はあるのでしょうか?


本当のことを言えば、そこに意味はないのかもしれません。

こんなことを言ってしまうと、

このブログの中心テーマである「宣言文」で、

「いま、芸術の中心を規定しなければならない」と言っていることと矛盾してしまうわけですけれど、

実際には、「芸術の中心」自体や、それを模索したことによって得られる成果に意味があるのではなく、

それを模索し、設定するという”行為”の方に意味があると思っているわけです。


最も乱暴な言い方をすれば、「芸術の中心」自体はどこでもいいし、

人によって、さまざまでもいいのだと思っているわけです。


私が、最も重要だと考えるのは、それが規定されているという状態です。

それがいつも意識され、常にそれを規定しようとする力が働いている状態

という言い方の方がより正しいのかもしれません。


その既成事実がありさえすれば、そこから位置を測ることが可能になってくるわけですし、

人それぞれの「芸術の中心」を、身勝手に規定していても、

そこからも、また、他のものとの距離を測ることが出来るわけです。


「それじゃあ、規定されていないのと変わらないじゃないか」と言われてしまうかもしれませんが、

何も変わっていないようでいて、そこに潜在している意味が違ってくるのだと思っています。


「相対化の時代」に「中心」を設定することは”不可能”だと思いますし、

それは事実上の意味を持ちえないわけですけれど、

その”不可能”に対して、常に対峙し続けるという姿勢を失ってしまうと、

何も生み出されなくなってしまうように思うわけなのです。


ですから、その「芸術の中心」は、常に仮のものであるともいえるわけですが、

それでも、そこに向かって行く姿勢を持ちつつ、

また、それを維持していかなければ「芸術」と言う枠組み自体が崩壊してしまうと思うのです。


もちろん枠組み自体に固執するという意味ではなく、

何も生み出されなくなってしまうということが問題なわけです。


それでもいいのだといわれれば、そうなのかも知れませんが、

私はそう思わないということなのです。


「芸術の中心」を失うということは、「芸術」を失うことでもあります。

「中心の設定」に自由度を与えることと、それを失くしてしまうことは全く違うことだと思うのです。


相対化することは必要だと思いますし、

指し示されたその方向は、間違っていないように思います。

と言うよりむしろ、他に進むべき方向が残されているとは思えないわけです。


ですから、今、最も真剣に考えるべきは、

実質的な意味を失った「芸術の中心」を規定するという行為に対して、

如何にして対峙し続けるかということだと思います。


それは現在最も”顧みられないこと”であります。

そして、その”顧みられないこと”にこそ力を注ぐ価値があると思っているわけです。

そこを避けて通れば「芸術」から”外れて”いきますし、

そこに向かって行けば、”顧みられ”ません。


そんな中で、最も平凡で最も普通の位置に「コロッ」と転がっている、

「芸術の中心」を見つけ出していきたいなと。


そんな風に思っているのです。






「色の形」と「形の色」:「絵画」とは何なのか?

「絵画」とは、いったい何なのだろうか?と考えてしまうことがあるわけです。


「そんなこと、考えたって仕方ないだろう!絵は絵だろう!!」と言われてしまえばそれまでなんですが、

絵を描いていて、一所懸命に描きますから、疲れるわけです。

そこで、何のためにこれを描いているのかというところから、

そもそも、これはいったい何なのだろうか?となってしまうわけなのです。


人それぞれに、違う意見があるのでしょうが、

私の場合、「絵画」とは、

「色の形」と「形の色」なのです。


画面の中で色の面が持っている形、これが「色の形」です。


そして、「自分の中のイメージ」、

これをモチーフと言っても、テーマと言っても、なんでもいいと思いますけれど、

その「イメージ」に与える色が「形の色」です。


「色の形」だけだと、デザイン的になります。

それは「構図」であると思っています。

それは、その「絵画」の「全体像」を決めるものだと思います。


「形の色」だけだと、説明的になります。

それは「表現」であると思っています。

それは、作者の「言いたいこと」を伝えるものだと思います。


ただし、「色の形」=デザイン的・「形の色」=説明的

と言うのではなく、私の中で曖昧にそう捉えているという程度のことです。


いずれにしても、その二つを合わせたものを「絵画」と呼んでいます。

そして、その二つを融合させる過程で、

画面に何らかの”チカラ”を与えることを、いつも考えているわけです。


その為の手段や手法や技術なんかは、なんでもいいと思っています。


いつも”チカラ強く”と考えていますから、

今度は、「その”チカラ”っていったい何なのか?」となってしまいます。

キリがありません。


だから、いつも「今日の所はこの辺で勘弁しといてやろうか!」と思うわけです。


「絵画」とは【「色の形」と「形の色」】

今のところ、これ以外の答えは見つけられません。


今、私はその辺止まりって言うことですね。




「独創性」について

芸術に「独創性」は不可欠なものということに成っているわけです。

でも、私はそうでもないのかも知れないと思っているわけです。


もともと、芸術において「独創性」が重視されるのは、

芸術が「自己表現」だからだと思うわけです。


確かに、確立された「自己表現」が、「独創性」を伴うことは多いと思うのです。

しかし、「独創的」なものが「自己表現」であるとは限らないとも思うのです。


つまり、「自己表現」を追い求めれば、結果的に「独創的」に成るという原則はあっても、

「独創性」を追い求めれば「自己表現」に至るという法則は無いということですね。


「独創性」は「人と違うこと」でありますから、「人」が基準になっているわけです。
(本当の「独創性」は、「人と違うこと」じゃなくて、「自分であること」だと思うんですけどね)

「自己表現」は「自分」が基準である筈です。

だから、「独創性」は「自己表現」とは一致しないこともあるわけです。

一般的には、人と違っていれば「独創的」といわれますが、

そこには、「より自分的である」と言う基準は無いわけです。


ただ単に、まったく同じ顔をした人が居ないように、

まったく同じ「自己表現」もありませんから、

「自己表現」が「独創性」と同じように見えているだけで、

この二つは、おおもとのところでかなり違っているようにも思えるわけなのです。

それなのに、この二つが混同されていると思うのです。


そして、「まったく同じ顔の人はいない」のも確かですけれど、

「人間の顔なんて、みな同じところに目鼻がついている」ということも、また、確かなことなわけなのです。


だから、人間の「自己表現」なんて、”みんな違っていて、みんな似ている”ものだと思うわけです。


ところが、「独創性」が重視されるあまりに、

「ナニカと似ているもの」は「独創性」が無いと判断されてしまうわけです。


そこで、みんなして「独創性」を”チマナコ”で追いかけますから、

乱獲され尽くして、「独創性」が「絶滅危惧種」に成っているわけです。

と言うより、もう絶滅しているかもしれません。

それすらわからなく成っています。

一時の「ニホンオオカミ」のような状態です。


ひょっとしたら、本当は他の誰かが「本物の自己表現」として見つけ出す筈だったものを、

その前に、ただ単に「独創性」を追い求めた者達が、根こそぎ刈り取ってしまったわけです。


現在は、そういった使い捨てられた「独創性の残骸」のなかで、

ゴミの山から使えそうなものを拾い集めるような作業をやっているようにも思えるのです。


だから、「独創性」から意識を離さなければいけないと思っているわけです。

「独創性」にとらわれて「自己表現」を見失うことは本末転倒でしょう。


でも、です。 

頭から離れないのです。

「独創性」が。


「独創的でありたい」と言う欲求が、なかなか捨てきれないわけです。

そんなことにとらわれずに、自分の「衝動」に意識を集めるようにしたいと思うわけです。


このスッカラカンに刈り取られた状態が特殊なのだと思うわけです。

そういう風に考えて、もういなくなった「希少種」を追うのではなく、

普通によく見かけるような「種」の方に目を向けるべきなのかなと。


「イリオモテヤマネコ」が発見されたとき、

現地の人たちは、普通の猫が野生化したものだと思っていたという、

そんな感じですか?

違いますか?


どっちにしても、「独創性」より「普遍性」かなと。

それよりなにより、「自分性」かなと。


そんな風に思っています。




「色の形」と「形の色」(つづき)

このまえ書いた記事で、私にとって「絵画」とは「色の形」と「形の色」だと言ったのですが、

これについて、もう少し付け加えておこうと思います。


先ず、「色の形」とは色の面が持っている形のことを、私がそういっているわけです。

つまり、赤い色を四角く塗れば、その「四角形」が、その赤い色にとっての「色の形」に成るわけです。

でも、「絵画」はベタッと塗られた面だけで構成されるとは限らないので、色の変化があるわけです。

そこで、その赤の色の範囲がどこまでなのか、と言う境界線が「色の形」の輪郭になります。


それが、はっきりしていても、曖昧な場合でも、そこに「色の形」は存在すると思っています。


「形の色」については、何か表現したいことを、何らかの形に託して、

それを絵具で描きますから、色で描くわけです。

その時、その形を描いた色が「形の色」ということに成っています。
(私の中では勝手にそういうことにしています)


具象画であれば、描く対象の”物の形”を

絵具で描けば、その色が「形の色」になります。


これは抽象画であっても同じことです。

「抽象画」であっても、やはり何らかの「形」に頼らなければ何も描けませんし、

何かを描けば、必ずそこに何らかの「形」が発生するわけです。
(これもやはり、境界線をボカシテいったとしても「形」が完全に無くなるということはないと思っています)

それを「形の色」と言っています。


例えば、具象画で言えば、

黄色い花を黄色い色で、花の形に描けば、

黄色は「色の形」の”色”でもあり、「形の色」の”色”でもあります。

また、花の形は「色の形」の”形”でもあり「形の色」の”形”でもあるわけです。

従って、「色の形」と「形の色」は一致しています。


ただ、これを「黄色い花を描いている」と言うのは、間違いだと思っております。

正しくは、「黄色い花の”絵”を描いている」わけです。

絵を描くときに、「花の形」と「花の色」を借りているだけのことだと思うのです。


つまり、その花を見たときに受け取った”インスピレーション”を、

そのまま花の色と形に託して表現したということです。


そして、その”インスピレーション”を何かほかの形や色に託して表現することが、

抽象と言うことだと思っております。


例えば、色や形を少し”ズラシ”たりするだけでも一種の「抽象化」に成ると思いますし、

まったく”物の形”や”物の色”に頼らずに、一から創作した色と形で、

画面を構成するのも「抽象」だと思っています。

「具象」から「抽象」までのどこに留まるのかは、作者の好みだと思います。


ただ、どの位置に立って創作する場合でも、

その過程で、「色の形」と「形の色」を分けて意識する必要があるように思っております。

その二つを別のものとして意識していないと、単なる模写の域を出ることが出来ないと思うわけです。


つまり、まったくの具象画であっても、

「色の形」と「形の色」が、たまたま一致しているだけで、

それらを使って自分が表現しているものが何であるのかを、

意識できていなければ、それはただ単に、物の形や色を写し取っているに過ぎないわけなのです。
(「花の”絵”を描かずに、花を描いている」いうパターンですね)

要するに、何かを表現していることにはならないということですね。

正確に言えば、表現しているのは絵を描いている[作者」ではなく

描かれている「物」の方だということに成るのかもしれません。

花を写し取っただけでは、美しさを主張しているのは花であって、

作者の自己表現にはなっていないということでしょう。


つまり、現実にある”物の形”や”物の色”を抜け出して、

そこに「自己表現」としての世界を創作するためには、

”物の形”ではなく「色の形」、

”物の色”ではなく「形の色」、

を使っていくのがいいように思うわけです。


「でも、絵具だって物質だから物に違いはないだろ」と言われればそうなのですけれど、

「絵画においては絵具は”物”ではない。それは”色”である。」と思っております。


ですから、「絵画」を描くということによって、

絵具の色は純粋な”色”となり、

そのことによって、「色の形」と「形の色」を分けて捉えるということが出来るようになるのだと考えております。


だからこそ、そこに「一枚の絵」としての「絵画」の意味が生まれるのだと思っております。


印刷された絵やデザイン的に塗り分けられた画面からも、

鑑賞者が何らかの”チカラ”を感じ取ることは出来ると思っていますが、

やはり、それは「一枚の絵」として描かれた「絵画」とは違うのだと思うわけです。


作者が画面を構築するという作業があって、初めてそれは「絵画」と呼べるものに成るのだと思っています。


ですから、絵具を使って、画面を構築するという作業を含まない種類の絵は、

「一枚の絵」としての意味を持っていないと思うわけです。

従って、それを「絵画」とは呼べないのかなと。


そのような、私的な捉え方であります。




ほとんどのことが「大きさ」で決まっている?

時々、思うことなのですけれど、

世の中のほとんどのことが、実は「大きさ」で決まっているんじゃないのかなと。


例えば、スポーツなんかでも体が大きい方が有利だったりするわけです。

相撲などの体重制が無い格闘技では圧倒的に有利ですし、

バレーボールやバスケットでも確実に有利でしょう。

もちろん体の大きさと関係ないスポーツもありますが、

それですら、まったく同じ条件で比べた場合、

「大きさ」が決定力を持ってくるということは否定できないわけです。


それから、小さい方が有利なものもあるわけですが、

どちらかと言えば、一般的なスポーツとしては人気のないスポーツだったりします。

同じスポーツの中で比べても、最重量級の人気が高い場合が多いというようなことです。

それだけ、人が「大きさ」に魅力を感じているように思えるわけです。


スポーツに限った話でもなくて、

企業だって大きい方が有利でしょうし、

どんなものでも、かなりの比率で大きい方が”得”な場合が多いように思えるわけです。


「大は小を兼ねる」と言うような感じですか?

ちょっと違うような気もしますが、

ともかく、「大きさ」は一つの絶対的な”チカラ”だと思うわけです。


でも、だからこそ、

この「大きさのチカラ」を「芸術」で使うのは、間違いだと思っているわけです。


現代美術の作品には、この「大きさのチカラ」を使っているものが多いように思うのですが、

それに頼ってしまってはいけないように思うわけです。


「大きさのチカラ」には、今述べたような「絶対性」があるのだと思うわけです。

だから、「作品」を大きくすれば、確実に「力強くなる」と思います。

でも、それは「作者のチカラ」でも「作品のチカラ」でもなくて、

「大きさのチカラ」だと思うのです。


だから、できるだけ「大きさのチカラ」は排除していかなければ、

その作品における作者の表現が隠されてしまうと思うわけです。


作品を作る上で必要十分な「大きさ」のなかで、

常に「できるだけ小さく」と言う発想で考えていった方がいいと思うわけです。

そこで、「どうしてもこの大きさになってしまった」というのが、あるべき姿なのかなと。

※逆に言うと、「どうしても大きくなってしまう」ということは、
それに見合うだけの構想があってのことだということに成るわけですね。


ほとんどのことが「大きさ」で決まってしまう世の中だからこそ、

「芸術」は、それに逆行しなければいけないような気がするのです。


巨大化した作品は、エンターテイメントとしての評価は出来ても、

「芸術」としては評価できないのではないのかなと。


そんな考え方で、”「大きさ」で決まってしまう世の中”から取り残されること、

それこそが、まさに、私の考えるところの「芸術」の立場であるわけなのです。


そんな考えで行きたいと思っております。




「オシャレな芸術」と「オシャレじゃない芸術」

「オシャレな芸術」と「オシャレじゃない芸術」というのがあると思っているわけです。


「オシャレな芸術」とは、その場に馴染む芸術、

即ち、「インテリアになるような芸術」です。

これは、「インテリア」を「ファッション」に置き換えても同じことが言えると思います。


「オシャレじゃない芸術」とは、その場の空気を支配する芸術、

即ち、「インテリアにならないような芸術」です。


と言っても、私がそんな風に呼んでいるだけで、

「オシャレ」=「インテリア」でもないわけですけれど。


また、これはその作品の”良し悪し”とは必ずしも関係ありません。


言えることは、「インテリアになる」ということは、

その場に置いてある他の物と”馴染む”ということで、

それは、つまり、それらの「芸術作品ではない物」との相性がいいということなわけです。

やや語弊があるとは思いますが、

「芸術作品ではない物」と共通の要素を、多く含んでいるということでもあるわけです。


そして、「インテリアにならない」ということは、

その場に置いてある他の物とは”馴染まない”ということで、

それらと共通の要素が少ないということなわけです。


ただし、先に述べたように、

「芸術ではない物」と共通の要素が多いことは、

「芸術として出来が悪い」ということではありません。


例えばですが、「芸術性のある家具」というものもあります。

インテリア全般に言えることですけれど、

そこにも「芸術性」は有り得るわけです。

私は、実用性ということを「芸術の中心からは遠い」と判断しますが、

それは「芸術」の中で、そのものが在る位置のことであって、

「芸術作品」としても「芸術性のある実用品」としても、質が低いということではありません。


そして、当然のこととして、

インテリアと”馴染む”ためには”相手を選ぶ”という性質が出て来るわけです。


例えば、インテリア同士でも、

「ヤスブシンな部屋」にロココ調などの重々しい家具を置けば、

まったく”馴染まない”わけで、かえってみすぼらしくなる可能性も大いにあるわけです。
(ロココ調自体がいいか悪いかいうことは抜きに、例えばの話ですね)


これと同じことは「芸術作品」と「インテリア」の間でも成り立つわけで、

「芸術性」を多く含んだ「インテリア」と”馴染む”のは、

それだけの「芸術作品」でもあるわけです。



これとは逆に、「インテリアにならない芸術」即ち「オシャレじゃない芸術」は、

他の家具などとは無関係に、その場を支配してしまいますけれど、

それが、「芸術作品として優れている」ということでもないわけです。


例えば、先ほどの「ヤスブシンな部屋」の例とは逆に、

センスのいい家具をそろえたような部屋、つまり、「オシャレな部屋」に、

「オシャレじゃない芸術」を持ち込んだ場合、

それの”出来が良いか悪いか”には関係なく、

その場を支配してしまうわけなのです。

こちらは”相性とは無関係”なわけなのです。


要するに、そういうときに、

「最悪の作品はその場を支配して、せっかく出来上がっている統一感を台無しにしてしまう」

に違いないわけだし、

「最良の作品はその場を支配して、他の物の存在感を消し去ってしまって、やっぱり統一感を失わせてしまう」

に違いないわけなのです。

どちらにしても、他の物との調和は失われてしまうわけです。

ということは、つまり、調和のとれた”居心地の良いインテリア空間”

とは言えなくなってしまう可能性が強いということなのです。


なかには、”出来が悪くて”その場を支配するような”チカラもない”といったものもあるでしょうが、

それは「オシャレじゃない芸術」ではなくて「オシャレじゃなくて、芸術でもないモノ」なわけなのでしょう。


「オシャレな芸術」と「オシャレじゃない芸術」のどちらが価値が高いのかと言うのは、

むずかしいことだと思うのですけれど、

たぶん、「オシャレな芸術」は”実用的な価値”では上回っていて、

「オシャレじゃない芸術」は「芸術」としての”純粋性”において上回っているということなのだと思います。


そして、創作者としても鑑賞者としても、

この二つのうちどちらを選ぶかは、

その人が、二つのうちどちらを必要としているかで決まって来るのかなと。


はっきりしているのは、「オシャレじゃなくて、出来も悪くて、芸術でもないモノ」は、

誰も必要としていないということくらいかなと。
(純粋な気持ちで作られたモノは、そんなことにはならないと思いますけどね)


そんな風に考えています。




「有料文化」と「無料文化」

文化には、「有料文化」と「無料文化」があると思うわけです。


要するに、お金を払って享受する文化と、”タダ”で受けられる文化ということです。
(と言っても、いま私が勝手に言っているだけのものですけど)


「有料文化」は、美術館や映画館、コンサートなどの、

「文化」自体を商品とした「文化」です。

もちろん、本や音楽CDを買うのも「有料文化」になります。


それに対して、「無料文化」の典型がテレビなわけです。

最近ではYOU TUBE やブログなんかも「無料文化」にあたる場合があると思っています。


もちろん、「無料文化」の方でも、

巡り巡って何かしらの課金が発生してはいるわけですけれど、

受け手は、それを意識していませんし、

それ以前に、そのお金は「文化」自体に対して支払われたものとは言えないので、

やはり「無料文化」なのかなと。


そして、何が言いたいのかと言うと、

テレビ以来のこの「無料文化」が、いま振り返って結果的に、良くなかったように思うわけなのです。


「”タダ”だから、いい」と思ったのが間違いだったように思うのです。

やはり、なんにでも「適正価格」と言うものがあるのかなと。

     ※私は「芸術」に関しては、理想を言えばおカネで売り買いしない方が
       イイと思ってるんですが、ここで言う「適正価格」と言うのは、やむを
       得ずおカネでやり取りすることを前提にした場合の話です。


テレビの歴史もかなり長くなってきているわけですけれど、

はじめのうちはよかったのだと思います。

でも、やり続けているうちに、

見る側も作る側もだんだん”垂れ流し”的になっていって、

今となっては、もう、とても人が見られるような代物ではなくなってしまっていると思うわけです。
(いい番組もあるのでしょうが、全般的にみた場合にはということですね)


それでも、敢えて文句を言う気にならないのは、

”タダ”だからでしょう。

それでも、また見てしまうのも、

”タダ”だからでしょう。

いや、それどころか、見ていなくてもスイッチをつけてしまうのも、

やっぱり、”タダ”だからでしょう。


この「無料文化」の”垂れ流し的配信”と”垂れ流し的享受”と言う方向を、

だれかが修正しなければいけなかったような気がしてならないわけです。


もちろん、ケーブルテレビなどは出てきたわけですが、

「有料文化」の方は昔から結構あるわけで、

問題は「無料文化」が存在するという事実の方ですから、

そちらを何とかする必要があるわけです。


そして、現在、新たにネット上の「文化」もまた、

「無料文化」の方向へ向かっているわけです。


これは、まさに「悪貨は良貨を駆逐する」になってしまっているわけです。

”タダ”に対抗できるものは、そうそうないわけです。

そうなると、内容のある「文化」は出てこれなくなってしまうと思うのです。


やはり、何かしらの規制、または援助が必要なのではないかと思うのです。

「表現の自由」とか「言論の自由」とばかり言って、

その”自由に縛られて不自由になる"ことほど愚かなことは無いわけですから、

本当の自由がどこにあるのかを考えて、

「文化」を育成していってもらいたいなと。


そんな風に思ってしまうわけですね。





「参加型の芸術」

「参加型の芸術」というのが、増えて来ているように思うのです。

そして、『そこに「芸術の未来」があるのではないか』と言われることがあるわけです。

でも、私は表現者と鑑賞者の境界を曖昧にしてしまうことに、

「芸術の未来」はないと思うのです。


それらは、真っ向から対峙してこそ「芸術の未来」と成り得るのだと思うわけなのです。


「参加型の芸術」を否定するわけではありまんし、

そういう「芸術」もあっていいとは思います。

でも、『そこに「芸術の未来」があるのか?』といえば、

「無い」と思うのです。

あるのは「現在」だけですね。

要するに「流行」っていうことだと思うわけです。


「参加型」であることで、見に来る人の幅が広がるでしょう。

「参加型」であることで、見に来る人の数が増えるでしょう。

「参加型」であることで、見に来た人は喜ぶでしょう。

「参加型」であることで、一度見に来た人がまた来るように成るでしょう。

そして、以上のどの点でも、テーマパークやスポーツイベントには及ばないでしょう。


上の四つまでは”エンターテイメント化した”からで、

最後の一つは”エンターテイメントにはなりきれない”からでしょう。


もともと、芸術は”エンターテイメント性を排除した”唯一の娯楽だと思うわけです。


「娯楽ならエンターテイメントだろ!」と言われそうですよね。

確かに、”ほぼその通り”なのだと思います。

でも、ほんの僅かですが、娯楽はエンターテイメントよりも広い領域だと思うのです。

そのほんの僅かの違いの部分にあるのが「芸術」だと思うわけです。


「エンターテイメント」は「楽しさ」や「面白さ」を追究しますが、

「芸術」では「美しさ」や「真実」を追究します。

「エンターテイメント」では「みんなが楽しめること」を目指しますが、

「芸術」では、「みんなが面白いと思うこと」は目指しません。

作者は自分の中にある「真実」を鑑賞者が共有してくれることを望むものだと思いますが、

それは「目的」ではなく、「結果」としてです。


そこにエンターテイメント性が全くないとは言いませんけれど、

結果として、「芸術性」を追究すれば、「エンターテイメント性」が失われていくというのは、”必然”だと思うのです。

「芸術性」とは、そういうものなのではないかと思うわけです。


だから、「エンターテイメント」を「芸術の未来」とか「芸術の中心」に据えてしまうと、

「芸術」は存在意義を失って、自己崩壊してしまうように思うわけです。


ほかにも「エンターテイメント」だけでは成り立たないジャンルはあります。

例えば、スポーツにおいて「面白ければいいだろ」ということで、

「真剣勝負」の要素が薄められてしまえば、

きっと、スポーツと言うジャンルは自己崩壊してしまうでしょう。


プロスポーツの選手たちが、

「プロなんだから見せ場、作んなきゃ」ということで、

「ここは、俺が負けるとこなんじゃないか?」と、

”場の空気を読んだサービス”をするようになれば、

一度か二度は、盛り上がるかもしれませんが、

たぶん、続かないでしょう。
(「八百長」云々は抜きに考えたとしてもですね)


結果的に、それは「芸能」と区別がつかなくなってしまうでしょう。

極端に切り詰めて言えば、それは「体を張った演劇」ということになってしまうわけです。


「それでも面白ければいいじゃないか!」と言われればそうなのでしょう。

ただ、それは「もう、スポーツではない」ということです。

そして、スポーツと言うジャンル全体が、そういうふうになれば、

スポーツと言うジャンルが自己崩壊してしまうということです。


スポーツの場合は、もともと「ゲーム」ですから、

「面白さ」を追究するジャンルでもあるわけです。

それですら、このようなことはあるわけですから、

もともと、「面白さ」を追究していないはずの「芸術」で、

「参加型」と言う「エンターテイメント」を「芸術の未来」に据えてしまえば、

自己崩壊は必至ということでしょう。


これは、ただ単に”「行き場」が見つけられなくなっている”だけだと思うのです。

要するに、”苦し紛れ”な感じがするわけです。


あらゆることがやりつくされてしまった感がある中で、

何か目新しいものを提示されると、

どうしても、それに飛びつかざるを得ないといった、

「藁をもすがる」な感じがあるということです。


いま必要なのは、鑑賞者が「芸術」に参加できることでも、

作者と鑑賞者が一体化しすることでもなく、

「表現する側の人間」と「それを受け取る側の人間」が、

強い気持ちで”対峙すること”なのではないかと思うわけです。


そして、作者と鑑賞者の双方が、そういう「真剣勝負」を展開することが出来るような

「芸術の場」と「時代の空気」を作ることが求められているように思います。


現在は、「表現する側」も「それを受け取る側」も、

「空気の読み合い」をしているように見えるのです。

「表現する側」は「こんなのがウケルんじゃないか」といつも読んでいますし、

「受け取る側」は「これを面白いと言った方がカッコイイんじゃないか」といつも読んでいます。

そこに「真剣勝負」の気配はありません。


こういう「小競り合い」のようなことを繰り返しているうちに、

自己崩壊が始まってくるということかなと。


そういうことを思わざるを得ないということが、

とても寂しいことのように、思ってしまうわけなのです。




「芸術とは?」と言う問い

「芸術とは?」と言う問いに対して、ズバリと答えを出すのは、なかなか難しいことだと思うのです。


まして、現在の「芸術」は無際限に多様化した、

途方もなく自由な世界と言うようなものになっていて、

そのことは、裏を返せば、

現在の「芸術」には、何の規定もないということですから、

「芸術とは?」の問いに答えようにも、

なにひとつ拠りどころにするべきものが無いわけです。


そんな中で、なんとか「芸術とは?」の問いに答えを出そうとしてみようというわけです。


私個人の主観的な考えでは、

『「芸術」とは、作者の「創作衝動」によって創作され、

作者の「能力の限度」に応じて完成とされた創作物とその創作過程である。』

ということにしています。


これは、詳しく説明すれば長くなってしまうので、すごく短く説明すると、

『作る人が「作りたい」と思って作り始めて、「もういいだろう」と思った時にやめたもの』ということです。


これは、ほとんど何の”規定”にもなっていません。

つまり、”規定”することが意味をなさなくなってしまうほど

現在の「芸術」は途方もなく自由だということに成っているわけです。


ここで、なんとか削除できたのは、

「作ろうという、人の衝動に依らないもの」であり、

「もうこれでいいだろうという、人の判断に依らないもの」です。


つまり、そうした作者個人の意思を全く含まないような、

純粋に製品として作られたものや、

作った人自身が実用の目的のみで作ったと主張するもの

だけは、かろうじて除外したということです。


ただ、こんなに回りくどい言いまわしで、やっと除外したものでも、

そこに、「作者が何らかの意思をもってそれらを扱った」

という”コンセプト”を加えただけで、

それはもう除外することが出来なくなってしまうわけですから、

実際には、なにひとつ除外できていないといってもいいくらいなわけです。


要するに、「現在の芸術の領域」とは、「全てのもの」であるということです。


これは、もう”止められない流れ”だと思うのです。

「多様化」は、せざるを得ないわけですし、

それを止めるべき境界線を設定することは不可能でしょうから、

「芸術の領域」が「全てのもの」に成るのは仕方ないことだと思います。


しかし、この「芸術の領域」が「全てのもの」だということを、

はっきりさせてこなかったことには問題があると思うのです。


また、「芸術の領域」が「全てのもの」であることと、

「すべてのものが芸術である」ということが混同されているということもあるように思うのです。


前者は、『「全てのもの」は「芸術」であるかどうかを問われる可能性がある』

ということです。

後者は、『「全てのもの」は「芸術」であると言うことが可能である」

ということです。


前者においては、

「全てのもの」が「芸術」であることの「必要条件」は満たしているけれど、

それは、「十分条件」を満たしているとは言えないわけです。

でも、後者では、

「全てのもの」が「芸術」であることの「必要十分条件」を満たした状態にあるということに成るわけです。


要するに、「問われる」と言う段階が抜けてしまうわけです。


「芸術」と言うフィールドが無際限に拡大したことには

必然性があって避けられなかったことのように思うのですが、

その「全てのもの」と言う、果てしなく広い領域に”中心”が設定されていなかったわけです。



長くなってしまったので次の記事に続けます。




「芸術とは?」と言う問い(続き)

前の記事の続きになります。

「芸術」が果てしなく広い領域に拡大してしまったということと、

それなのに、そこに「中心」が設定されていない状態が続いてきたという所から続けます。


それなら、「その中心はどこなのか?」ということに成るわけです。


私は個人的に、「芸術の中心」を「真実の追究」と設定していますが、

もう少し客観的に、一回り大きな枠で考えれば、

その本質は、「純粋性」に尽きるのではないかと思うわけです。


私には「純粋」でないものを「芸術の中心」と考える理由が思いつかないので、

これは、問題が無いように思えてしまうわけなのです。


よって、「芸術とは?」の問いに対する答えとしては、

『「全てのもの」の中で「純粋な衝動」と「純粋な判断」によって創作されたものが「芸術」である』

と言ったところなわけです。


でも、どこまでを「純粋」とするか、どういったものを「衝動」や「判断」と呼ぶかについては、

現状では、個人の勝手な判断に任せるしかないので、

結局また、無規定な状態に戻っていってしまうわけなのです。


それでも、「芸術」を規定することに対して、

このような試みが加えられるということには、

確かな意味があると思っております。


また、そこに「何かを生み出そう」と言う意志があることにも、

確かな価値があると思っております。


そうした中から、誰もがより普遍的なものとして

「芸術」をイメージできるような形が生み出されて行けばいいのかなと。


結局、現在における、「芸術とは?」と言う問いに対する答えとしては、

「これから、そこに関わる者たちが創り出していくべきもの」というのが、

最も良く現状を表しているものなのかも知れません。


一応、そんな風に考えておこうと思います。





「20世紀美術」と言う実験

「20世紀美術」においては、たくさんの主義主張が現れては消えて行き、

その結果として、様々な「~イズム」と名付けられるようなものが生み出され、

また、それらに基づいた作品も数多く残されたわけです。


そして、それらを主導した人たちは巨匠と呼ばれるように成り、

彼らによって残された作品は名作と呼ばれるように成っていったわけです。


しかし、それは本当に「完成形」だったのでしょうか?


もともと、芸術に完成など無いとも言えるわけですから、

完成度の問題ではないのですけれど、

巨匠たち自身が、「実験」としてやっていたという”感じ”はないのでしょうか?

つまり、試作品だったということですね。


巨匠の作品を試作品だなどと言うと、

怒る人や、ヒガンデいるんだと思う人もいるでしょうが、

この点について、私には、どうしても

彼ら巨匠たち自身が、実験的な試みとして

さまざまな「~イズム」を生み出して行ったように思えてならないわけなのです。


そして、それらの「実験」から「納得のいく答え」を導き出す前に、

せき立てられるようにして次の「実験」に向かって行かされてしまうような

「時代の空気」があったように思うわけなのです。


そう考えなければ、あれだけの「~イズム」が現れて消えたことの説明はつかないように思うのです。


ですから、「芸術の20世紀」が、

ありとあらゆる試みを行った「挑戦の時代」であったことは、

間違いのない事実だと思うわけですけれど、

反面、それは「実験的な習作」を積み上げては放置し続けた、

「やりっぱなしの時代」でもあると思ってしまうわけなのです。


これは、決して「実験的な時代」が悪いということではありません。

それどころか「やりっぱなし」ですら悪いとは思っていません。

その時、それらが必要だったのだと思います。

「他の何か」ではダメだったのだとも思います。


ただ、それを「完成形」として扱うことには問題があるように思うわけです。


それらは、あくまで「実験」や「挑戦」としてこそ価値あるわけで、

そこから何かが学ばれなければ意味がないわけです。


それらを「巨匠の名作」として”ありがたく拝んで”いるだけでは

せっかくの「挑戦」や「実験」が無駄になってしまうわけです。


そういう「時代の空気」の中で、

本人たちが最終到達点にまで達しなかったことは

やむを得ないことだったように思うのです。

それぐらい困難なことをやろうとしたということだと思います。

そして、そういう時代でもあったということなのでしょう。


でも、いま、そこに残された「試行錯誤」から学び取ることがあるのではないかと思うわけです。


それらの「~イズム」自体を「完成形」としてみた場合

それらに、今でも発表当時と同じだけの意味や価値があるとは思えないのです。

錬金術師が「金」を合成することが出来なかったのと同じで、

「いろいろやってみたけど全部行き止まりだった」と言うのが現実だったように思うのです。


そして、いま、その行き止まりから何かを学び取らなければならないということなのだと思うわけです。

つまり、『「金」は決して合成することが出来ない』ということがわかったということです。


そこからどうするか?ということなんでしょうね。

そんな風に思っています。




「創作者型」と「鑑賞者型」を分けて考えてもいいのでは?

「創作者型」の人と「鑑賞者型」の人というのがいるように思うのです。

そして、この二つのタイプを、もう少し分けて考えてもいいような気がするわけです。


そうは言っても、両面を併せ持った人もいるでしょうし、

どちらかわからない場合などもあるでしょうから、

「もう少し分けて考えてもいいのかな?」と言う程度のものですが、

少なくとも、一人の人間がこの二つの性質を同時に併せ持っているとは限らないという認識ぐらいは

あっていいんじゃないでしょうか?


自分のことで言えば、子供のころ楽器がまったくダメだったので、

随分長い間「音楽」には興味が持てませんでしたが、

その後、「聞く方はイケル」とわかって「音楽」が好きになったとき、とても意外でした。


「音楽」が好きに成る人は、「たぶん楽器なんかも上手いに違いない」と思っていたのでしょう。


もっと早く、自分が「鑑賞者型」(「音楽」に関して)だと気が付いていればよかったと思っています。

まぁ、気が付くのが遅かっただけならいいのですが、

「あのままずっと気が付かずに居たら、今聞いている音楽に全く出会えていなかったんだ」と思うと
(あまりポピュラーではないジャンルの音楽が好きだったので)

ちょっとと言うより、かなり惜しい気がしてくるわけなのです。


反面、美術に関しては「創作をしたいのだから、見るのも好きなハズ」ということで、

美術館に行くわけですけれど、どうもそれほどでもないようなのです。

こちらは全くダメと言うわけではありませんが、”ものすごく好き”と言うほどでもなく、

行こうと思っていた美術展に行けなくても、

「まぁ、いいか」という感じなわけです。


ここでも、「芸術をやろうというなら、いいものをたくさん見なければだめだ」と言うのをよく聞くので、

「やっぱり、見なきゃダメなんだろう」と思ってしまう気持ちが出て来るわけです。


もちろん、そこで感動することもありますし、

そこから得られるものもあるとは思うのですけれど、

「見なければダメ」でもないような気がするわけです。


こういう風に「創作者型」と「鑑賞者型」が一致していないケースは、

けっこうあるように思うのですけれど、

なんとなく、”二つは一致しているもの”ということになってしまっていて、

そのまま、”ちょっとズレた状態”で行ってしまう人は少なくないような気がしています。


そういうことで、心の糧と成るようなものを一つでも減らしてしまっているのだとしたら、

やはり、惜しいなと思ってしまうわけなのです。


スポーツなんかでも「やるのが得意な人」と「見るのが好きな人」が居るわけですから、
(「得意なこと」と「好きなこと」もまた一致していないことがありますが)

美術や音楽に「鑑賞者」としてかかわることと、

「創作者」としてかかわることも、

意外と関係ないことなのかも知れないと思うわけです。


そう考えることで、興味のなかったことが好きになったりすることもあるのかなと。


そんな風に思います。



「~ではないですよ」ということを装ってしまう

「やりたくてやってるわけじゃないですよ」とか、「意味があってやってることではないですよ」とか、

いろいろな形で「~ではないですよ」というのを言ってしまうことがあるわけです。

でも、これが本心と違う場合も多いような気がするのです。


これは、相手に予想された通りの自分であることが、なんとなく悔しいんですね。

それで、ついつい「そんなことないですよ」と言いたくなってしまうわけなのです。


そして、これは「芸術」に関わっている人にとくに多いように思うわけです。
(少なくとも私は多いです。今は出来るだけ言わないようにしているんですが)


「芸術」にかかわりを持っていこうとすると、

人から、何かと穿った見方をされたりもするわけです。

「どうせ、売れてるわけじゃないんだろう」とか、

「なんだか芸術やってますといって、偉そうにしてるよね」とかですね。


自分からは、何も言っていないのに、

何かと詮索されたり、変わり者扱いされたりすることがあるわけです。


そんなわけで、どうしても「~ないですよ」と言ってしまうわけです。


「売れてないんでしょ」と言われるのが悔しいから、

その前に「売れる事なんて目指してませんよ」と言ってしまったり、

「意味の解らないことをやっている」と思われるのがいやだから、

先回りして、「意味なんてありません」と言ってしまう。

というような感じでしょうか?


多くの場合、その中には本当のこともあるのだと思います。

例えば「売れるためにやっているわけではない」ということが、

本心である場合もあるでしょうし、

「何か具体的な意味があってやっているわけではない」と言う人もいるのでしょう。


でも、少し言い過ぎてしまうこともあるような気がするわけです。


「人から評価されるのが目的で、やっているわけではない」と言うのを言いすぎてしまって、

「人に共感されることは望んでいない」というのに近いことを言ってしまったりするわけです。


でも、この辺のところだけは”装って”はいけないように思うのです。


人から共感を得たくないなら、「芸術」なんてやってないはずだし、

それ以前に、それを全く望まないことなんてできるはずないと思うのです。

それができるなら、その人は「悟りの境地」にあると思いますけれど、

それなら、「芸術」じゃなくて「宗教」をやっているはずなのだと思うのです。


だから、なるべく”装わない”ようにしようと思うのですけれど、

その辺の所を上手く言う言い方が、なかなか無いわけです。


それでまた、「~ではないですよ」と言ってしまう(しかも意味もなく低姿勢で)という繰り返し、

これ、なんとかならないものなのかなと。


そんなことを思ったりします。




「芸術による感動」の限界

「芸術による感動」について、

それが”とてつもなく大きいもの”だという話になってしまうことがあるわけですけれど、

そこには、案外低い位置に「限界」があるように思うのです。


確かに、「芸術」が生み出す「感動」は、何物にも代えがたいものなわけです。


でも、「背に腹は代えられない」と言う言葉があるように、

それはあくまで、最低限の「安全」や「健康」や「物質的な充足」が満たされていての話だと思うのです。


もちろん、どんな状況においても「芸術」は”人の心を癒す”のでしょうが、

それでもやっぱり、飢餓状態の人に、「絵に描いた餅」を有り難いと思えと言っても通じないわけです。


「芸術」は”心の糧”となるものだと思いますし、

それが生涯を通じて続くこともあるでしょうが、

「芸術」が人に与えることが出来る「感動」は、

常に、「食べること」や「生存すること」などよりも下に位置していると思うわけです。


更に言えば、「芸術」は、そういう「限界」を超えようとしてはいけないようにも思うのです。


つまり、「芸術」が「食べること」や「生存すること」を凌駕してしまうようでは、

当の「芸術」の居場所もなくなってしまうのだと思うわけです。


もともと、「芸術による感動」は「個人の表現」の「普遍性」から生まれていると思うのです。

つまり、”たった一人の人の”「思うこと」が

”すべての(多くの)人の”「思うこと」であった時の「感動」だと思うわけです。


だから、そういう”ありきたりな面”を見失ってはいけないような気がするのです。


そして、そういう”ありきたりな”「芸術による感動」に

どれほどの力を注ぎ込むことが出来るかということで、

どうにか”ありきたりな”「感動」が生み出されているのだと思うのです。


それで、そこに注がれた労力のことを思って、

「芸術による感動」を、”とてつもないもの”のように扱うことに成ってしまうわけですね。


でも、実際には、「労多くして、功少なし」というのが「芸術」のあるべき姿のような気がします。


まぁ、そういう効率の悪い分野があってもいいんじゃないかと、

そんな風に思ってやっている方がいいのかも知れないですね。

それに、そういう考え方だと、エラクもないのにエラク成るなんてこともないんじゃないのかなと。


そんな風に思っています。


「無規定」は「自由」ではないと思うのです

現在、「芸術」と言うジャンルは、「規定」されていない状態になってしまっていると思うわけです。


これは、表現における「自由」を求めたことに端を発しているのだと思うわけですけれど、

「無規定」な状態を、数十年間もズルズルと続けていることは、

まったくもって「自由」なことではないと思うのです。


もともと、既成の概念に固着して身動きができなくなってしまった状態から抜け出すために、

一度、「規定」を解いて「無規定」な状態からやり直そうとしたのが始まりだと思うわけです。


でも、それは「無規定」そのものが「自由」だからではなくて、

新たな「規定」を設定するために、仮に「白紙」に戻しただけで、

その後、新たに「規定」が設定されるべきであったのだと思うのです。


要するに、「無規定」が必要だったのではなくて、

「自由」な「規定」が必要だったわけで、

そうした、「自由度」の高い「規定」を設定するべきだったのだと思うのです。


確かに、「規定」は「拘束」をも含んではいるわけですが、

その「拘束」は”拠って立つ足場”ともなるわけです。

逆に言えば、「無規定」は「拘束」を含みませんが、

”拠って立つ足場”を持たないことに成るわけです。


「無規定」を続けるということは、

「中心」を失うことでもあり、「輪郭」を失うことでもあリます。

「中心」も「輪郭」もありませんから、なんの「拘束」もありませんが、

”拠って立つ足場”もありませんから、「作用・反作用」に当たるものが無いわけです。


これは物理の話ではありませんから、

理屈どうりではないかもしれませんけれど、

やはり、「足場」のない所でいくら力を入れても

その力が「作用」として何かに働きかけることは無いわけなのです。


だとすれば、現在の「無規定な芸術」と言うのは、

人の心を動かすような「作用」を生み出せるのか?

つまり、『人を感動させるような力を具体的な「作用」として働かせることが出来るのか?」

ということです。


出来ないと思います。


「中心」も「輪郭」も無い「無規定」なものが、

人の心を動かすことはあり得ないと思います。


「そんなことを言っても、実際に感動している人が居るんだよ!キミ」と言う人もいるでしょう。

でも、人間はお腹がすいていれば、どんなものでも美味しく感じてしまうわけです。

でも、それは、その料理が「美味しいこと」とも、

まして、その料理に「感動したこと」とも無関係なわけです。


それを判断する「味覚」に当たるものが「規定」になるわけです。


そこで、「芸術」を「規定」しなければいけないと思うわけです。


「芸術の規定」がなされなければ、

すべての「芸術活動」は”無に帰する”ことに成ります。


いや、「そこまで考えない」と言う人は、それでいいのかも知れません。

でも、「そこまで考える」と言う人の「芸術活動」は”すべて無に帰する”ことに成るでしょう。

現に、そう成っているのかも知れません。


「無規定」と「自由」は違います。

当たり前のことです。

だったら「規定」されてた方がいいんじゃないかと。


そんな風に思うわけです。




「ポピュラー性」について

「ポピュラー性」と言うのは、人に支持される性質なわけですが、

その「ポピュラー性」とは、いったいどこから来るのか?と思ったわけです。


たぶん、それは「ワカリヤスサ」だと思うのです。


そのジャンルに特別な興味がある人にも、無い人にも”ワカリヤスイ”ことこそ、

”人気の素”つまり「ポピュラー性」だと思うのです。


例えば「音楽」で言うと、

ちょっと”ヒネリの利いた”それでいて”ワカリヤスイ”「歌詞」の曲は、

”ヒット”する可能性が高いように思います。


もちろん、「楽曲」でも大事なのは「ワカリヤスサ」だと思うのです。

いわゆる”ヒット曲”はほとんどと言っていいほど、

”ノリがいい”リズムや、”覚えやすい”メロディ・ラインを持っています。


つまり、それだけ「ワカリヤスサ」が”人気の素”になっているということのように思うのです。


これは、美術にも当てはまっていることのように思われます。

”ワカリヤスイ”作品は人気も出やすいということです。


この「ワカリヤスサ」は「普遍性」にも通じていると思うのです。

つまり、「誰にでも理解できること」は「普遍的に通じること」でもあると思います。


だから、「ポピュラー性」や「ワカリヤスイこと」は、いいものだと思っています。


ただ、「ポピュラー性」には時間的な意味での「普遍性」が含まれてはいないわけです。

今見ても、十年後に見ても、百年後に見ても、また逆に百年前の時代に見ても、

「イイ!と言えるのか?」という観点は、「ポピュラー性」には含まれていないと言ってもいいでしょう。


だから、「ポピュラー性」=「ワカリヤスサ」だけを追究していってしまうと、

「一発屋」的な”軽さ”が付いてきてしまうように思うわけです。


芸人さんなら「一発屋」も”アリ”だと思うのですけれど、

それは、芸人と言うのがそういうジャンルだからだと思うのです。


でも、「芸術」だとどうなんでしょうか?

そこに興味を持つ人はいるでしょうが、

私にはそれが「芸術の中心」から遠いもののように思われてしまうわけなのです。


だから、「ポピュラー性」=「ワカリヤスサ」を取り入れていくことで、

「普遍性」を得られることはあるけれど、

それに囚われてしまってはいけないのだと思うわけです。


つまり、”今、ワカリヤスイ”だけでなく、

”今は、ワカリニクイ”けれど、”いつか、ワカリヤスク成る”ということも含めて、

「ワカリヤスサ」と、「ワカリニクサ」の幅がある作品が、

結果的に「普遍性」のある作品なのかなと。


そんなことを思いました。



「感動」の仕組み

芸術の意義の一つに、「感動」を挙げる人は多いと言えるでしょう。

その「感動」とは、どのような心の流れで生まれてくるものなのでしょうか?


まず、「感動」をどう定義するかですけれど、

ただ単に「心を動かされる」ことを「感動」と言うわけでもないのだろうと思うのです。


「びっくりした」とか「面白いよね」とか「気に成る」とか言うものは、

心を動かされてはいても、「感動」までは届いていないでしょう。


じゃあ、「凄く、びっくりした」とか「凄く、気になる」だったらどうかと言うと、

これもちょっと違うかなと。


そうなると、『「感動」は「感動」ですよ』と開き直るしかないわけですけれど、

そこで敢えて、「感動の仕組み」を探してみるわけです。


私の勝手な考えですが、

「感動」とは、心の動きに「相乗効果」が発生した時のことだと思うのです。


何かに心を動かされて、それがそれだけに留まらず、

「喜怒哀楽」のどれか一つでもなく、

あらゆる感情が総動員されて、

さらに、それらが「相乗的な効果」を生み出したときに、

「感動」と言う「心の状態」が発生するのだと思っております。


言ってみれば、「ターボ・エンジン」みたいなものですか?


ここで、主に自分自身のことですけれど、

この「相乗効果」が「空回り」する時がよくあるわけです。


芸術作品を鑑賞するときの自分の心の状態などによって、

その作品から受け取ったものとは違うところで、

「相乗効果」が「空回り」してしまったりするわけです。


これも一種の「感動」だと言えなくもないとは思うのですが、

その作品に「感動」したとは言えないでしょうし、

後でもう一度見ると「あれ、こんなんだったっけ」ということもあるので、

勝手に「モリアガッテ」、勝手に「ガッカリ」するのも失礼な話なので、

なんとかしようと思うのですが、なかなかできません。


だから、「感動」をコントロールできたらいいなと思ってしまうわけですが、

『それじゃあ、「感動」って言わないだろう!』とも思うので、

たぶん、できないのでしょう。


意図されたところに「感動」は無いのかも知れませんね。


「感動の仕組み」を探してみたけれど、

結局のところ、それはあまり役には立たないということがわかりました。


それはそれでよかったと言う気もします。


「感動の仕組み」を”仕組んではいけない”

そんな気がします。




「感動」から抜け出すこと

前の記事からの続きです。


「感動」とは、心の動きが何らかの「相乗効果」によって、

最高潮に達した状態ではないだろうか?と言う話でした。


そこで、もう一つ進めて、

「感動から抜け出すこと」を考えていきたいと思うわけです。


せっかく「感動」したのに何で抜け出すのか?


これは、私自身のことに限っての話ですが、

「感動」すると、どうしても、その作品のことが頭に残ってしまうわけです。

一言で言うと、「気になってしまう」わけです。

「気が散る」と言ってもいいかもしれません。


だから、「感動」するような作品(作品とは限らず、風景などでも同じことです)を見たときは、

その「感動」から抜け出そうと思っています。


これは、「感動」したことを捨ててしまうということではありません。

むしろ、その「感動」を吸収して自分のものにすることで、

その「相乗効果」的な「空回りの感動」から抜け出そうということです。


また、影響を受けて、似たようなものを創ってしまうことを恐れているというのとも違います。


影響を受けることなくして、何かを創り出すことなどできないと思いますし、

人間のすることなどは、多かれ少なかれ似ているものだと思います。


影響を受けることが問題なのではなくて、

その影響が、自分の中で”解釈されていないこと”の方が問題だと思うのです。

それが”解釈されて”身についたものであれば、

影響を受けることはいいことだとも思いますし、

「普遍性」という意味で言えば、本質的に「何かに似ている」と言うのは

ある意味では当然の結果ともいえるわけです。

それは、表面だけをなぞった「似ている」とは、根本的に違うことだと思っています。


つまり、そういった意味で言うのであれば、

自分の作品は、自分が「感動」した作品に「本質的に似ているはず」とすら言えるわけです。


じゃあ、なんで「感動」から抜け出す必要があるのか?


それは、「感動」の「相乗効果」の中に居ると、

常に「受け身」であって、その作品と「主体的」なかかわり方ができないからだと思っています。


鑑賞者として、つまり「客体」として「受け身」の関わりをしている限り、

その作品から受けたものを吸収することは出来ないでしょうから、

「主体」として、その作品と関わる必要があるわけです。

その為に、「相乗的な感動」から抜け出す必要があるということだと思います。


オリジナリティは創り出すものではなく、その人がすでに持っているものだと思っています。

だから、出来るだけありのままに、それが出せればいいのだと思うのです。

その為には、「気になること」が無い方がいいのかなと。


そう言った理由で、「感動」からは抜け出すことを心掛けております。

そういうのを考えながら見ると疲れるので、

あまり、美術展に行きません。


それでいいんじゃないかなと思っています。




「芸術」に新しさは必要なのか?

『「芸術」をやるなら新しいことをやらないと意味がない』とか、

『「芸術」で、人がやったのと同じことをやっていてもダメだ』などと言われることがとても多いわけです。


そこで、その「新しさ」とはいったい何なのでしょうか?

また、その「新しさ」は本当に必要不可欠なものなのでしょうか?


まず、「新しさ」は本当に必要なのか?ということですけれど、

これは、とても簡単なことだと思うわけです。


「芸術」の目的については、人によって意見が分かれるところだと思いますけれど、

いずれにしても、その人が「芸術」の目的を「新しさ」であると考えるのであれば、

「新しさ」は、当然のこととして必要不可欠なものに成るわけです。


また、その逆に、その人が「芸術」の目的を「新しさ」以外の物であると考えるのであれば、

これも当然のことですが、「新しさ」は必要不可欠ではなくなるわけなのです。


まったくもって当たり前のことなのですが、

「新しさ」が目的ならば必要で、そうでなければ絶対的な必要性は無いということです。


この当たり前なことがわかりにくくなっているのは、

「新しさ」をほかのことに転換してしまうからだと思うわけです。

例えば、「新しい」ことによって「驚き」があり、その「驚き」が「感動」につながる。

と言った感じで転換することで、

「新しさ」・「驚き」・「感動」の三つのうちどれか一つを目的とする人は、

皆「新しさ」を必要としているように考えてしまうわけです。


「新しさ」自体が目的であるという人は、初めから必要なのが解っているので問題ないでしょう。

でも、「驚き」や「感動」を目的とする人は

「新しさ」以外のもので「驚き」や「感動」を表現しても、何の差支えもないはずで、

つまりは、「新しさ」は必要不可欠ではないわけです。


その場合、「新しさ」は、ある程度有効な「手段」であるということに成るわけです。

それぞれの「芸術」の目標が、どこにあるにせよ、

そこに近づくのに「新しさ」が有効だと思うなら使えばいいし、要らないなら使わなければいい。

それだけのことなわけです。

だって、ただの「手段」ですから。


そんな風に考えることで、また「新しさ」の有効性も見えてきたりもするかなと思うわけです。

「手段」ですから、使えるのならば迷わず(迷ってもいいけど)使えばいいのだと思うわけです。


このことは、「新しさ」以外のことでもほとんどのことに当てはまるのだと思っています。

どんなことが目的であるにせよ、

それが「目的」であるならば必要不可欠であり、

「目的」でないならば必要不可欠ではない、

「目的」でない場合は、「手段」として使えるときには使うし、

使いたくない時には使わない。


だいたいのことに当てはまると思います。


そこで今度は、「新しさ」とは何なのか?ということですが、

長くなってしまうので、次の記事に続けます。




「芸術」に新しさは必要なのか?(続き)

前の記事の続きです。


さて、「芸術」における「新しさ」とはいったい何なのか?ということですが、

これは人それぞれの考え方だとは思いますけれど、

私といたしましては、「芸術」における「新しさ」とは、

「表現形態」の「新しさ」だと思っております。


「芸術」の本質は「自己表現」であると思うわけです。

ですから、表現するもの自体と言うのは、

全ての人が皆違うものを表現しようとしているはずなわけです。


これは、まったく同じ顔をした人が居ないように、

まったく同じ「自己表現」も存在しないのだと思うのです。

つまり、その時点では皆十分に「個性的」で「新しい」わけです。


それなのに、なんで似通った作品があるのかと言えば、

「表現形態」が同じであるということによるのだと思うわけです。


もともと同じ顔の人が居ないことも事実ですが、

人の顔はだいたい同じような配置で目や鼻が付いているわけで、

それと同じように、人の「個性」と言うのは大同小異であるともいえるので、

「表現形態」が同じだと、「個性」による差は消されてしまうことが多いのだと思います。


逆に言えば、「個性」とは無関係に「表現形態」が違うと

まったく違うものに見えますし、それは”新しく感じる”わけです。


そこで、その「表現形態」とは何なのか?といえば、

それは、ものの”捉え方”だと思っております。

「表現」の「形態」ですから、”表し方”と言うべきところですけれど、

実際には捉えたものしか表せませんし、

また、捉えられた時点で表される形が決まってしまうともいえるので、

一応”捉え方”としておきます。


例えば、物を見たときにその物をどう”捉える”のか、

物質としての形を”捉える”のか、それとも何かそれ以外の本質を”捉え”ようとするのか

また、同じ形でもそれを面でとらえるのか、輪郭線で捉えるのか

さらには、物質的ではない”何か”を表現したい場合、

目に見えないものを如何にして”捉える”のかということで、

「表現形態」がだいたい決まってくるのだと思うわけです。


そして、その「表現形態」即ち「捉え方」が新しければ

それが「芸術」における「新しさ」と成るのだと思うわけです。


ただし、ここで前の記事にも書いたのですけれど、

「新しさ」が自分の目的であるのか、

または、自分にとってそれが「手段」に過ぎないのかと言うことは

見極めておく必要があるのだと思います。


それから、「新しさ」を意識しすぎて、

突飛なことをやっても、それがしっかり”捉えられて”いないと、

「表現形態」とは成らないわけです。


結局、自分が制作を続ける中で到達した「表現形態」が、

その時点での、その人にとっての、最新の「芸術」における「新しさ」ということなのだと思うのです。


だから、敢えて「新しさ」を追わなくても

もしかしたら「新しさ」は結果として付いてくるものなのかも知れないなと。

まぁ、かなり一所懸命にやればってことですけどね。


今、そんなことを思いました。




「抽象」は「具象」の反対?

「抽象」と「具象」は、一応は反対のものということに成っているわけですけれど、

この二つは、「二極」を成すものではあっても、正反対ではないのだと思っているわけです。

つまり、割と近い範囲での「二極」ということだと思うのです。


「抽象」と言うと、

どうしても「具象」と正反対のことを思い浮かべててしまいがちなわけですけれど、

でも、実は、「抽象」と「具象」は「表現」と言う狭い領域の中で両極にあるというだけで、

世の中全体を見た場合は、むしろ近い所にあるものなのだと思うのです。


でも、「抽象」という概念が出現してきたときに、

「既存の表現形態」を”破壊するもの”というイメージで捉えられてしまったために、

『「具象」を”破壊するもの”が「抽象」である』

という正反対の位置付けがされてしまったのだと思うわけです。


実際には、「抽象」に当たる「表現」も昔からあったわけで、

ただ単に、それに「抽象」と言う名前を付けたというだけのことだったとも言えるわけです。


ただし、名前が与えられて、それが概念として確立されて行く過程で、

そこに「意味」が問われるように成っていったというところが、

それまでの「単なる表現」としての「抽象的なもの」との違いなのだと思うわけです。


言ってみれば、「なんとなく抽象」だったものが、

「はっきりした抽象」に成ったということだと思います。


でも、それは「具象」も同じで、

「抽象」に名前が付けられたことによって、

それに対するものとして「具象」と言う名前も与えられたのでしょうし、

その時点から、「具象」も、また、その「意味」を問われることに成ったわけなのでしょう。


この双方に対する「意味」が問い詰められる前に、

「破壊」=「抽象」や「具象」VS「抽象」という流れに成ってしまったのだと思うわけです。

そして、それは未だに問い詰められていないようにも思えるわけです。


この「意味」という「問い」から逃れられる者は居ません。


自分に名付けられた名前から逃れられるものは居ないでしょう。

それは、自分から逃れられる者は居ないということです。

それと同じように、日本人に生まれた者は、日本人であることからは逃れられません。


さらにそれと同じように、

ある「問い」や、ある「意味」が、既にそこに存在する時代に生まれた者は、

それらから逃れることは出来ないわけです。



この「意味」という「問い」を回避しても、

それは果てしなく繰り返し、問われ続けます。


だから、この「時代の発する問い」を回避し続ければ、そのことに疲れ切ってしまうでしょう。

でも、「時代」は疲れるということが無いわけです。


話が逸れてしまいましたが、

「抽象」と「具象」は対立するべきものではなく、共存するべきものだと思うのです。


「抽象」と「具象」に限らずどんなものでも、

二つの要素を「対立」の構図で捉えると「引き算」的になりますが、

「共存」と言う考え方をすれば、「足し算」や「掛け算」的に成るのかも知れません。


「抽象」には「具象性」=「現実性」が必要だし、

「具象」には「抽象性」=「真実性」が必要なのだと思うのです。

そして、そうなったとき、その二つはとても近い所にあるのかなと。


そんな風に思っています。



「現代美術的な視点」から見た「古典」とは何なのか

「美術」において「古典」と言うときに、だいたいの人がイメージする「時代」があると思うわけです。

でも、そういう「美術史的な観点」からではなく、

「現代美術的な視点」から見たときの「古典」とはどういうものを意味するのでしょうか?


「現代美術」の捉え方は、人それぞれで、いろいろだと思いますけれど、

「現代美術」には、「古典」からの”脱出”と言う側面があったことは

多くの人が認めるところだと思うわけです。


そうだとすれば、その”脱出”したはずの「古典」を

同じ範疇のなかで「古典」と呼んでいることには無理があるように思われるわけなのです。

それらは、「現代美術的な視点」で見た場合、

「古典よりさらに昔のもの」と考えた方がシックリくるように思うわけです。


更に言えば、「現代美術的な視点」をもって見た場合、

「印象派」は勿論のこと「20世紀美術」も、もはや「古典」として考えるべきであって、

それらはすでに、「”脱出”すべきもの」と成っているということになるわけです。

そして、現にそういう考え方のもとに「コンテンポラリー」は進行しているわけです。


極端に言えば、「昨日のもの」は、すでに「古典」であるといってもいいような状況になっているわけです。

それは、つまり、例えて言うならば「オタク文化」も、もう既に「古典」であるということです。


それが世に現れた瞬間からとは言わないまでも、

世間一般に認められた時点からは「古典化」が始まるわけで、

言ってみれば、最も勢いがある時期には、

それはもう「”脱出”すべきもの」と成っているというわけです。


つまり、この「古典からの”脱出”」と言う考え方を持ち続ける限り、

「継続」や「継承」ということが出来ないわけです。


更に言えば、この「古典からの”脱出”」と言う考え方自体も、

既に、世間一般に認められてしまっているわけです。


これは要するに、「古典からの”脱出”」と言う考え方自体が、

もはや、「古典化」してきているのではないのかと思うわけです。


もしも、そうだとすれば、”脱出”すべきはその考え方自体なのではないのかなと。

つまりは、「現代美術」の在り方自体を

その辺から根本的に問い直す必要があるのじゃないのかなと。


そのような考え方もあってもいいんじゃないかと思います。




「迷い」について

前の記事の「迷い」の部分の続きです。

「迷い」は「芸術」においても”キーワード”になると思っています。

「迷うこと」は、これまで「芸術」の創作においては、マイナスと捉えられる傾向があったわけです。

と言っても、これは「芸術」に限ったことではなく、ほとんどのことにおいて、

「迷うこと」がプラスと捉えられることはないと言えるでしょう。


確かに、「迷い」は非常に非効率的でもあり、

「前進」とか「進歩」ということを約束してくれないものであるわけです。

むしろ、そういった「向上すること」をほとんど期待できないというべきかもしれません。


しかし、もう、その「向上」自体に意味がなくなってしまっているわけです。

一方向の「前進」や「進歩」と言った「向上すること」とは、

一つの「完全」に向かって行くことに他ならないわけです。


そして、その「完全」は、もう何処にもないと思うのです。

現在「絶対的なもの」を設定することは誰にもできないと思うのです。

少なくとも「芸術」においては、そうした「原理」はもうなくなってしまっているし、

それは無くなるべきものだったのだと思うわけです。


そんな状態の中で「迷わない」と言うのは、あり得ないことだと思うのです。

だから、もっと「迷う」べきなんじゃないかと思っているわけです。


「出口のない迷い」、

つまり、答えを導き出すための「迷い」ではなく、

「迷うこと自体」に意味があって、その中から現れて来るものこそ

その人にとっての「真実」なのだと思います。


その人にとっての「真実」を表現しなくて、何の意味があるというのでしょう?

「意味は必要ない」は、もう許されないと思っています。

「そこに意味を作り出さなければならなくなっている」と思うのです。


それでなければ、その絵がどんなに上手に描かれていても、

それはただの平面に塗られた色に過ぎないのです。


それは上手なら褒められるし、下手なら貶されるというだけのものです。

「自己表現」である意味がないわけです。


「上手か下手か」なんてことじゃなくて、どこまでそれに”迫れるか”ということです。

「自分の中心」に”迫る”ということです。

そして、それが、その人に手が届く範囲で最も「真実に近いもの」ということです。


「迷い」のない所に「真実」はあり得無いわけです。

「真実」が無いということは、それは「嘘」ということに成ります。

「迷い」のないものには、必ず何処かに「嘘」が混じっています。


それが、例えほんの少しだったとしても、

必ず「嘘」が混じってきます。

そして、そこからすべてが霧のように消えてしまうわけです。


「迷い」には、「誤り」や「未完」はつきものですが、「嘘」とは限りません。

「迷った」結果の「嘘」ですら、半分は「真実」かもしれません。


そんなわけで、「迷い」を「芸術」の”キーワード”と考えていると言うわけなのです。

「上手、下手」とかいう問題じゃないわけです。


そこを離れて、「迷い」をどんな風に表現するかが大事なことに成って行くんじゃないのかなと。


そんな風に考えているわけです。




「芸術の再生」

「芸術」と言うジャンルは、現在行き詰っていると思うわけです。

そして、それは「再生」されるべき時が来ていると思っているわけです。


こういうテーマについて、私のような権威のない人間が

何か言っても意味がないと考える人も居るかもしれませんが、

私としては、言わないよりは言った方がいいと思っているわけです。


「芸術の行き詰まり」については、人によって意見が分かれるところかと思われます。

ただ「現在の芸術」には、素直な気持ちだけで「スンナリと見通すことが出来ないような領域」がある

ということぐらいは言えるんじゃないかなと思うわけです。


人によって意見が分かれているのは、その「スンナリと見通すことが出来ないような領域」を、

受け入れるかどうかと言うところだと思うのです。


つまり、そういう「スンナリと見通すことが出来ないような領域」について、

それが”あった方がオモシロイ”と思う人と、

そんなものは”無い方がイイ”と思う人が居るということなのではないのかなと。


でも、ここで私が言っている”行き詰り”とは、

どちらが”よりイイか”でも、どちらが”よりオモシロイか”でもなくて、

その「スンナリと見通すことが出来ないような領域」が”あるということそのもの”なわけです。


現在、「芸術」は一元的な方向性を捨てたことで、

より自由で、無際限な方向性を与えられたといっていいと思うのですけれど、

あまりに、一足飛びに「自由」や「無際限」が与えられてしまったために、

現実の「創作者」や「鑑賞者」が付いて来れていないのだと思うわけです。


それどころか、実際には「芸術」の「創作者」や「鑑賞者」が、

その「芸術」に置いて行かれて、どんどん「芸術」からの距離が離れて行っていると思います。


それで、「スンナリと見通すことが出来ないような領域」が生まれてしまっているのだと思うわけです。


ここで問題なのは、「創作者」自体が置いて行かれてしまっているという所だと思っています。

常に、「芸術」は加速しながら先へ先へと変化していますし、

何らかの形で、その「変化」を捉えていないと「現在形の芸術」と看做されませんから、

どうしても、「創作者」は現実に自分が居る位置よりも”先の位置”を読んで、

つまり”ヤマを掛けて”創作するように成るわけです。


そのことが高じて、どんどん先へ先へと展開せざるを得なくなって、

結果的に、自分自身が置いて行かれてしまうという

理屈に合わないことが起きてしまっているというわけです。


私は、現在この状況から完全に逃れられている「創作者」と言うのは居ないと思っています。


結果的に、一番大変なのも「創作者」だと思います。

常に「新しい」を要求されますから、”ヤマを掛ける”しかなくなりますし、

そうすれば、「本来の自分」と「自分の作品」が離れていくわけです。


「創作者」がそういう状況なのだとすれば、

「鑑賞者」としては、「芸術」を理解することは不可能でしょう。

と言うより、「芸術」を理解するという部分に関わる権利は与えられていないということに成ります。

つまり、「オモシロイ」か「オモシロクナイ」か、

「スキ」か「キライ」かと言う短絡的な部分でしか「芸術」に関わることが出来ないということです。

そして、現にそう成っていると思うわけです。

      ※この点について、『芸術と言うモノは「好き・嫌い」しかないんだよ!』とか、
        『それ以外の基準なんて必要ない!』と言われることが非常に多いわけ
        ですが、この考え方は時代遅れだと思います。
        (こういうことを言う人に限って、芸術に上下を付けていたりしますしね)
        時代遅れと言うよりも、むしろ、そういう考え方自体には、はじめから無理
        があったと言わざるを得ないですね。
        そういう考え方は、基準を設定できなく成ったことに対する不安から逃れ
        るために捏造された「言い訳」のようなもので、「現実逃避」以外に何の根
        拠もないと思います。


これは、「鑑賞者」を責めるべきではなくて、

「芸術」の置かれている位置がそういう所なのだということでしょう。


もちろん、そういう見方が悪いというわけではありませんが、

”理解する”というかかわり方も、あるに越したことは無いと思いますし、

その”理解する”の部分が「芸術」を育てていくことにもなるように思われるのです。


以上のことから、「芸術の再生」が必要になっていると思うわけなのです。


つまり、「スンナリと見通すことが出来ないような領域」を

「スンナリと見通すことが”出来る”ように」するということです。

それ以前に、「なぜスンナリと見通すことが出来ないのか?」を考えるということでしょう。


その「なぜ?」に対して、いつも現れて来るのが「20世紀の芸術」だと思うわけです。

私の場合は、これに対峙してコンガラカッタ糸をすべて解きほぐすのは到底無理だと思ったので、

「芸術の20世紀」を喪失してしまうことにしたわけですが、

もし、それができる人が居るのであれば、

そういう人がコンガラカッタ糸を解きほぐして、

クリアに、そして「スンナリと見通せるように」なれば、それが理想だと思っています。


今でもまだ、「芸術」に「エンターテイメント」以外の何かを求めている人が居るのであれば、

「芸術の再生」には意味があるのだと思います。


そうでないならば、「芸術の再生」は求められていないのかも知れません。

でも、求められていなくても「芸術の再生」は必要だと思っています。

人間には、まだ「芸術」が必要だと思うのです。


「芸術」を失うと全てが間違った方向に行くような気がします。

だから、やっぱり「芸術の再生」は必要なのかなと。


そんなことを考えています。




「求められるもの」

「客商売」と言われるような、全てのサービス業においての鉄則として、

「顧客に求められるものを提供する」ということがあると思ううわけです。


でも、これは「最低線」の基準だと思うのです。

「客商売」であるわけですから、「顧客に求められるものを提供する」のは当たり前のことです。

まして、「顧客に求められていないものを提供する」なんて”愚の骨頂”なわけです。


でも、本当は、「顧客の求めるようなものを創り出す」方が、より良いのだと思うのです。

そして、このことは「芸術の創作」についても言えるのだと思っているわけです。


ところが、実際にはそう成っていないように思われてしまうわけなのです。

「芸術」においても、「商売」においても、

提供する側が営利に追われて、確実な「すでにある需要」から抜け出せずに、

「新たな需要」を生み出せなくなってしまうことがとても多いように思うわけです。


確かに、「顧客に求められるものを提供する」ことも大事なのだと思うわけです。

それが「商品」であっても「作品」であっても、この視点を失ったものには意味がないと思います。


でも、それは「最低線」なわけです。

「サービス」でも「芸術」でも、提供している側は基本的に専門家なわけです。

提供されている側は基本的に専門家ではないわけです。

専門家ではない側の人の言うことばかり聞いていたのでは、いいものが出来るわけがないのです。

これは、専門外の人の視点を無視するということとは全く違うことです。


現在においては、商業が先行しすぎているのだと思うわけです。

だから、「芸術」のような分野においてまで、

このようなことが起きてきてしまうということなのだと思います。


要するに、「金を払う側」に全てが譲渡されてしまうわけです。

これは、一見「権利の譲渡」にも見えますが、実は「責任の転嫁」なわけですね。

これではいいものができるわけがないんですよね。


だから、「芸術の創作」に当たっては

「顧客に求められるものを提供する」というのを外したところで、

如何に「顧客の求めるようなものを創り出す」かということだと思います。


つまり、既存の要求を離れたところに「求められるようなもの」を”創り出す”ということかなと。

さらに、ツメて言えば「今は嫌われるけど、きっと好かれるように成るもの」かなと。

そんな風に思っています。




プロフィール

ふたつ

Author:ふたつ
※上の画像は習作として描いた絵に洋金箔を貼ったものです。

ご訪問いただき、ありがとうございます。

自分自身の制作に対する姿勢を示した「宣言文」をブログの形で発表するのは、筋が違うのかとも思いますが、このような形しか思い当りませんでした。
ご容赦ください。
興味のない方にはたぶん面白くないでしょう。

ただ、私はここに書いたことがこれから確実に起きることだと思っています。
と言うよりも、すでに起きていることだと思っています。
「天才の時代」は、もう終わらせなければいけないと思うのです。
「天才」なんてもう何処にも居ないのだと思うのです。
「天才」は、もう誰にとっても必要ないモノに成っているんじゃないでしょうか?。
「普通の人」が、もっともっと芸術に関われるようになったら、
少しいいんじゃないかと思います。

いえ、芸術に限った話でもないのです。
全てのことが、今よりもっと「普通」でいいんじゃないでしょうか?
「個性とは実は最も普通なことなのではないのか?」
私はそんな風に思うのです。

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1960年の生まれです。
横浜在住です。
過去に何一つ実績と言えるものはありません。
30歳に成った頃、絵を描き始めました。
その後、細々と美術に関わる仕事をしていましたが、自己作品の制作にはあまり積極的とは言えませんでした。
2013年のはじめ頃から、自己作品に対する欲求が生まれ現在ようやく制作に漕ぎ着けております。

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読みづらいところもあるかとは思いますが、読んでみて下さい。


リンクはご自由にどうぞ

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